where art is always in focus

Εμφάνιση αναρτήσεων με ετικέτα ΝΕΑ. Εμφάνιση όλων των αναρτήσεων
Εμφάνιση αναρτήσεων με ετικέτα ΝΕΑ. Εμφάνιση όλων των αναρτήσεων
10.2.26

Ο κόσμος της Τέχνης μετά τον Επστάιν

10' διάβασμα






Τα αρχεία Επστάιν αποκαλύπτουν το βάθος της ηθικής σήψης του κόσμου της Τέχνης και αποδεικνύουν πως οι παροικούντες την καλλιτεχνική κοινότητα δεν υπολήπτονται καθόλου τα έργα της πολιτιστικής δημιουργίας, παρά τα χρησιμοποιούν, πέρα από επενδυτική επιλογή, σαν δηλωτικά καλαισθησίας αλλά και εύρωστης οικονομικής κατάστασης. Έχουν μετατρέψει δηλαδή γκαλερί και μουσεία σε οιονεί ακριβά καταστήματα δώρων και ως εκ τούτου δημιουργούνται και τα αντίστοιχης αισθητικής, θεματολογικής βαρύτητας και πνευματικής πληρότητας έργα.

Γνωρίζαμε όλα όσα οφείλαμε να γνωρίζουμε για τον κόσμο της τέχνης πριν από τη δημοσίευση των αρχείων Επστάιν. Πριν από την εμφάνιση των φρικτών κατηγοριών εναντίον του μέλους του διοικητικού συμβουλίου του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης Λίον Μπλακ ή της φιλικής υποστήριξης του Επστάιν από τον πρόεδρο της Σχολής Εικαστικών Τεχνών Ντέιβιντ Α. Ρος, γνωρίζαμε για τις στενές σχέσεις μεταξύ των επικεφαλής των ιδρυμάτων και των χορηγών και μελών του διοικητικού συμβουλίου. Τις ανταλλαγές χρημάτων, δωρεών ή χάρες που τους συνδέουν.

Τι κάνουμε λοιπόν γι' αυτό; Σε ένα άρθρο του, ο αρχισυντάκτης του περιοδικού Hyperallergic Χραγκ Βαρτανιάν, θέτει ένα κρίσιμο ερώτημα: Πώς «στεγανοποιούμε» τους επικεφαλής των τεχνών να απορρίπτουν τη χρηματοδότηση από διεφθαρμένα άτομα;
«Η κουλτούρα που εκπροσωπεί ο Τζέφρι Επστάιν είναι βαθιά ριζωμένη στις δομές εξουσίας του καλλιτεχνικού κατεστημένου, οι οποίες επιβάλλονται σε όλους μας, δημιουργώντας δυναμικές που μας εκμεταλλεύονται, μας εξευτελίζουν και μας μετατρέπουν όλους σε κυνικούς», γράφει ο Βαρτανιάν. Ζητά από όλους που ανήκουν στον κόσμο της τέχνης να ανατρέξουν στο θεμελιώδες ερώτημα: Για ποιον δημιουργούμε τέχνη; Τι είμαστε διατεθειμένοι να θυσιάσουμε; 

Ζούμε σε έναν κόσμο όπου — μιλώντας για κακούς δισεκατομμυριούχους — η Washington Post, ιδιοκτησίας του Τζεφ Μπέζος, μόλις απέλυσε 300 άτομα, συμπεριλαμβανομένου του βραβευμένου με Πούλιτζερ κριτικού τέχνης Σεμπάστιαν Σμι. Αλλά το άρθρο του Βαρτανιάν απορρίπτει το πεσιμισμό — την παλιά και ηττοπαθή ρήση ότι το σύστημα ήταν πάντα έτσι και επομένως θα παραμείνει για πάντα έτσι. Η δημοκρατία πεθαίνει στο σκοτάδι, όπως λέει και το σλόγκαν μιας κάποτε σεβαστής εφημερίδας. Ας πορευτούμε προς το φως.


Ο καταδικασμένος για σεξουαλικά αδικήματα Τζέφρι Επστάιν, ο οποίος αυτοκτόνησε το 2019 ενώ βρισκόταν στη φυλακή αντιμετωπίζοντας πρόσθετες κατηγορίες σχετικά με φερόμενη σωματεμπορία στη Νέα Υόρκη και τη Φλόριντα, καλλιέργησε ένα εκτεταμένο δίκτυο ισχυρών και επιδραστικών επαφών σε ένα ευρύ φάσμα τομέων—με την τέχνη να είναι πολύ ψηλά στη λίστα. Εκτός από τις συναλλαγές του στους τομείς των χρηματοοικονομικών, της επιστήμης και της τεχνολογίας, ο φημισμένος δισεκατομμυριούχος ασχολήθηκε με καλλιτεχνικούς θεσμούς, συλλέκτες και πολιτιστικές εταιρείες που  τώρα αναθεωρούν τις σχέσεις τους με ένα πρόσωπο του οποίου το παρελθόν εξετάζεται εξονυχιστικά.

Ενώ οι θεωρίες συνωμοσίας που σχετίζονται με τα εγκλήματα του Επστάιν πολλαπλασιάζονται, το ίδιο συμβαίνει και με τις τρελές θεωρίες γύρω από τα έργα τέχνης που ανήκουν προσωπικά στον ίδιο. Κανένα έργο τέχνης δεν έχει τραβήξει περισσότερο την προσοχή από έναν πίνακα της Πετρίνα Ράιαν-Κλάιντ που απεικονίζει έναν χαμογελαστό Μπιλ Κλίντον να φοράει φόρεμα και ψηλοτάκουνα. Με τίτλο «Αναλύοντας τον Μπιλ», ο πίνακας ήταν «απλώς ένα ανόητο σχολικό έργο τέχνης που υποτίθεται ότι θα έδειχνε, εικονογραφικά, τα μηνύματα με τα οποία βομβαρδιζόμαστε σχετικά με αυτούς τους προέδρους», δήλωσε η Ράιαν-Κλάιντ στο Artnet News. Σε ένα email του 2012 που αποδεσμεύθηκε το 2026, ο Επστάιν έδωσε εντολή στον ανώνυμο παραλήπτη του να κρεμάσει το έργο σε περίοπτη θέση, «έτσι ώστε όσοι περνάνε από εκεί να χαμογελάνε».



Πετρίνα Ράιαν Κλάιντ
'αναλύοντας τον Μπιλ'

Στην έπαυλή του στη Νέα Υόρκη, ο Επστάιν παρουσίασε επίσης ένα γλυπτό μιας γυναίκας που φαίνεται να κατεβαίνει ένα σχοινί. Σε ένα δοκίμιο του Artnet, ο κριτικός Μπεν Ντέιβις ταυτοποίησε τον γλύπτη ως τον Αρνό Κάσπερ, ο οποίος εκθέτει ένα παρόμοιο έργο στον ιστότοπό του με τίτλο 'Regard sur le monde' (2019). Αλλά αυτό το έργο δεν έχει το πέπλο και το λευκό φόρεμα που έχει το γλυπτό του Επστάιν.



Ένα γλυπτό μιας νύφης που κρέμεται από ένα σχοινί 
κρεμόταν στο κεντρικό αίθριο της έπαυλης του Τζέφρι Επστάιν


Αρνό Κάσπερ
'Regard sur le monde'

Ο Ντέιβις χαρακτήρισε τη συλλογή του Επστάιν «άθλια», ένα επίθετο που θα μπορούσε να χρησιμοποιήσει κάποιος για να περιγράψει πολλά από τα αποκτήματά του, τα περισσότερα από τα οποία δεν είναι έργα ιδιαίτερα διάσημων καλλιτεχνών. Τα έργα τέχνης που κατείχε ο Επστάιν κάλυπταν όλο το φάσμα, από τα προκλητικά — στο σπίτι του υπήρχε ένας μεγάλος πίνακας του Χόρχε Αλβάρεζ με τίτλο Coming of Age Ceremony (1995), που απεικονίζει ένα νεαρό αγόρι με στύση — έως πιο κόσμια, με ένα μη σφραγισμένο έγγραφο που περιείχε μια αναλυτική λίστα με συλλογή αντικειμένων που ο Epstein προφανώς κατείχε. Όλα άξιζαν πολύ κάτω από 1 εκατομμύριο δολάρια.



Χόρχε Αλβάρεζ 
'τελετή ενηλικίωσης'

Τα μυστήρια της συλλογής του Επστάιν επανεμφανίζονται κάθε φορά που δημοσιεύεται μια νέα ομάδα αρχείων. Το 2025, όταν δημοσιοποιήθηκαν φωτογραφίες από το σπίτι του στις Παρθένες Νήσους, οι θεατές θαύμαζαν τις εικόνες από παράξενες μάσκες κρεμασμένες από τους τοίχους του. Εν τω μεταξύ, η εφημερίδα Brussels Times διεξήγαγε έρευνα για ένα γλυπτό ενός τοξότη κοντά στην πισίνα του σπιτιού και διαπίστωσε ότι ήταν αντίγραφο ενός έργου του Βέλγου μοντερνιστή Άρθουρ Ντυπάγκ, και όχι το αυθεντικό έργο.

Ωστόσο, είναι σαφές ότι ο Επστάιν ενδιαφερόταν για την τέχνη περισσότερο από ό,τι φαινόταν. Φωτογραφίες από αρχεία που δόθηκαν στο κοινό δείχνουν ότι το σπίτι του ήταν γεμάτο με τόμους τέχνης, συμπεριλαμβανομένου του καταλόγου για το «Picasso Sculpture», την μεγάλη εκθεσιακή επιτυχία του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης που παρουσίαζε ένα έργο τέχνης στην αγορά του οποίου έπαιξε ρόλο βοηθώντας τον συλλέκτη Λεόν Μπλακ. Επίσης, ενημερωνόταν για τις εξελίξεις από τον κόσμο της τέχνης. Ένα email που βρέθηκε σε αρχεία που δημοσιοποιήθηκαν το 2026 έδειξε ότι η Σουν-Γι Πρεβέν, σύζυγος του Γούντι Άλεν, έστειλε στον Επστάιν ένα άρθρο των New York Times σχετικά με αγωγή παραβίασης πνευματικών δικαιωμάτων εναντίον του Τζεφ Κουνς, τον οποίο ο Επστάιν γνώρισε το 2013.
Παρακάτω, μια σύντομη αναφορά για όσα έχουμε μάθει μέχρι τώρα σχετικά με τους δεσμούς του Επστάιν με τον κόσμο της τέχνης.



- Ρόναλντ Λόντερ, συλλέκτης 

 

 
Το όνομα του Ρόναλντ Λόντερ εμφανίστηκε περισσότερες από 900 φορές σε μια σειρά αρχείων σχετικά με τον Επστάιν που δημοσιεύθηκαν από το Υπουργείο Δικαιοσύνης τον Ιανουάριο του 2026, υποδηλώνοντας ότι ένας από τους κορυφαίους συλλέκτες τέχνης των ΗΠΑ συνάντησε τον Επστάιν σε περισσότερες από μία περιπτώσεις.
Ο Έπσταϊν φαίνεται να είχε τουλάχιστον ενημερωθεί για συναλλαγές έργων τέχνης που αφορούσαν τον Λόντερ, τον πρώην πρόεδρο του διοικητικού συμβουλίου του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης και κληρονόμο της εταιρείας Εστέ Λόντερ. Στον Επστάιν διαβιβάστηκε ένα έγγραφο που αφορούσε μια συμφωνία για την κοινή ιδιοκτησία ενός έργου τέχνης του Κερτ Σβίτερς, το οποίο ο Λόντερ αγόρασε με τον Λέον Μπλακ, του οποίου το όνομα εμφανίζεται επίσης επανειλημμένα στα αρχεία του Επστάιν. Ο Επστάιν φαίνεται επίσης να έχει προσφέρει αυτό που ένας βοηθός αποκάλεσε «καθοδήγηση» στον Λόντερ, ζητώντας σε κάποιο σημείο να δει φορολογικές δηλώσεις δύο ετών, καθώς και τη διαθήκη του Λόντερ.



- Ντέιβιντ Α. Ρος, πρώην πρόεδρος του SVA (School of Visual Arts)

 


Ο Ντέιβιντ Α. Ρος εμφανίζεται πολλές φορές στη σειρά των αρχείων που δημοσίευσε το Υπουργείο Δικαιοσύνης τον Ιανουάριο του 2026. Με βάση την αλληλογραφία σε αυτά τα έγγραφα, ο Επστάιν και ο Ρος φαίνεται να είχαν στενή σχέση. Το 2015, ο Ρος έγραψε στον Επστάιν: «Είναι θλιβερό να βλέπω πώς σε σέρνουν για άλλη μια φορά στη λάσπη. Είμαι ακόμα περήφανος που σε αποκαλώ φίλο».
Όταν κυκλοφόρησε η είδηση ​​για τις εμφανίσεις του Ρος στα αρχεία του Επστάιν, το SVA δήλωσε αμέσως ότι ο Ρος είχε παραιτηθεί. Ο Ρος δεν έχει σχολιάσει τα email του προς τον Επστάιν.



 - Zακ Λανγκ, πρώην υπουργός Πολιτισμού της Γαλλίας,

 

Ένα σύνολο αρχείων που δημοσίευσε το Υπουργείο Δικαιοσύνης το 2026 αποκάλυψε ότι ο Επστάιν και ο Zακ Λανγκ, ο οποίος υπηρέτησε δύο θητείες ως υπουργός Πολιτισμού της Γαλλίας, είχαν αλληλογραφήσει για μια σειρά θεμάτων, συμπεριλαμβανομένης της πιθανής πώλησης ενός ακινήτου στο Μαρόκο. Ο Λανγκ, ο οποίος είναι επί του παρόντος πρόεδρος του Ινστιτούτου Αραβικού Κόσμου στο Παρίσι, επιβεβαίωσε στην Le Monde ότι είχε συναντήσει τον Επστάιν για πρώτη φορά πριν από 15 χρόνια.

«Όταν δημιουργώ μια φιλική σχέση με κάποιον, συνήθως δεν τον ρωτάω για το ποινικό του μητρώο», είπε ο Λανγκ. «Εμπιστεύομαι τους ανθρώπους. Απολαμβάνω τις τυχαίες συναντήσεις της καθημερινής ζωής. Έτσι συνεχίζει να ξετυλίγεται η ζωή μου. Ήμουν εντελώς σοκαρισμένος όταν ανακάλυψα τα εγκλήματα που είχε διαπράξει».

Η κόρη του Λανγκ, Καρολίν, εμφανίζεται επίσης στα αρχεία. Είχε ιδρύσει μια εταιρεία με τον Επστάιν που ονομάζεται Prytanee LLC το 2016. Μόλις έμαθε για τα σεξουαλικά εγκλήματα του Επστάιν, όπως δήλωσε στο Agence France-Presse, έφυγε από αυτήν την εταιρεία. Περιέγραψε τον Επστάιν ως έναν «καλλιεργημένο άνθρωπο, παθιασμένο με τη σύγχρονη τέχνη» και είπε ότι ο Επστάιν «είπε σε εμένα και στον πατέρα μου ότι ήθελε να επενδύσει σε νέους Γάλλους και διεθνείς καλλιτέχνες, για να τους βοηθήσει. Μου προσφέρθηκε να δημιουργήσει ένα ταμείο και εγώ είπα ναι. Δεν ασχολήθηκα με τίποτα. Ήταν οι δικηγόροι του Τζέφρι Επστάιν που έκαναν τα πάντα, όσον αφορά την επεξεργασία».

 



- Λίον Μπλακ, συλλέκτης 

 


Οι δεσμοί του Επστάιν με τον Λίον Μπλακ άρχισαν να προκαλούν αντιπαραθέσεις το 2019, όταν αναφέρθηκε ότι ο Επστάιν παρέμεινε διευθυντής του Ιδρύματος Λίον Μπλακ - ενός φιλανθρωπικού οργανισμού με επικεφαλής τον Μπλακ, έναν επί μακρόν συλλέκτη που συγκαταλέγεται στους 200 κορυφαίους συλλέκτες - χρόνια αφότου η αμφιλεγόμενη συμφωνία παραδοχής του τον οδήγησε στη φυλακή το 2008. Λίγο αργότερα, ο οργανισμός δήλωσε ότι ο Επστάιν είχε παραιτηθεί από τη θέση του το 2007 κατόπιν αιτήματος της οικογένειας και παρέμεινε καταχωρημένος στα έγγραφα «λόγω σφάλματος καταγραφής» που διορθώθηκε μόλις ανακαλύφθηκε.

Αρχικά, ο Μπλακ προσπάθησε να αποστασιοποιηθεί από τον Επστάιν, γράφοντας στους υπαλλήλους του στην εταιρεία ιδιωτικών κεφαλαίων Apollo Global Management ότι η εταιρεία του «δεν είχε κάνει ποτέ καμία συναλλαγή με τον κ. Επστάιν σε καμία χρονική στιγμή», σε ένα εσωτερικό υπόμνημα που αναφέρθηκε από τους New York Times. Στη συνέχεια, εν μέσω αυξανόμενου ελέγχου, δημοσιεύματα των μέσων ενημέρωσης έδειξαν ότι ο Επστάιν παρείχε οικονομικές συμβουλές στον Μπλακ ενώ ήταν Διευθύνων Σύμβουλος της Apollo. Το 2021, μια έρευνα διαπίστωσε ότι ο Μπλακ πλήρωσε στον Επστάιν 158 εκατομμύρια δολάρια μεταξύ 2012 και 2017. Τα αποτελέσματα αυτής της έρευνας ώθησαν τον Μπλακ να παραιτηθεί από την Apollo. Ο Μπλακ επίσης εγκατέλειψε τη θέση του ως πρόεδρος του διοικητικού συμβουλίου του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης εκείνο το έτος εν μέσω διαμαρτυριών καλλιτεχνών, αν και από το 2026 παραμένει επίτροπος.
Έρευνα του 2021 δεν βρήκε κανένα στοιχείο που να αποδεικνύει ότι ο Μπλακ εμπλέκεται στα σεξουαλικά εγκλήματα του Επστάιν.
Μεταξύ 2025 και 2026, καθώς τα αρχεία του Επστάιν δημοσιεύθηκαν από το Υπουργείο Δικαιοσύνης στο πλαίσιο μιας ευρύτερης έρευνας, έφτασαν στο κοινό περαιτέρω στοιχεία για τους δεσμούς του με τον Μπλακ. 

 



- Στιβ Τις, συλλέκτης 

 


Μια δημοσίευση αρχείων που σχετίζονται με τον Επστάιν το 2026 από το Υπουργείο Δικαιοσύνης αποκάλυψε διάφορες ανταλλαγές με τον Στιβ Τις, τον ιδιοκτήτη των New York Giants και έναν από τους κορυφαίους συλλέκτες έργων τέχνης των ΗΠΑ, μεταξύ 2016 και 2024. Ο Τις, αλληλογραφούσε με τον Επστάιν για αρκετές γυναίκες, συζητώντας την εθνικότητα και τα χαρακτηριστικά της προσωπικότητάς τους.

«Είχαμε μια σύντομη σχέση όπου ανταλλάξαμε email για ενήλικες γυναίκες και, επιπλέον, συζητήσαμε για ταινίες, φιλανθρωπία και επενδύσεις. «Δεν αποδέχτηκα καμία από τις προσκλήσεις του και ποτέ δεν πήγα στο νησί του», δήλωσε ο Τις σε μια δήλωση του 2026, αναφερόμενος στο ιδιωτικό νησί της Καραϊβικής που κατείχε ο Επστάιν. «Όπως όλοι γνωρίζουμε τώρα, ήταν ένας απαίσιος άνθρωπος και κάποιος με τον οποίο λυπάμαι βαθιά που συνδέθηκα.»

 



- Τζεφ Κουνς, εικαστικός 

 


Ενώ οι άμεσες επικοινωνίες του Επστάιν με καλλιτέχνες φαίνεται να ήταν περιορισμένες, επικοινωνούσε μέσω email με έναν αστέρα της τέχνης: τον Τζεφ Κουνς. Η Wall Street Journal αποκάλυψε το 2023 ότι ο Επστάιν είχε επιδιώξει μια συνάντηση με τον Κουνς. Έγγραφα που αποκαλύφθηκαν το 2026 αποκάλυψαν ότι ο Επστάιν προσπάθησε όντως να επισκεφτεί το στούντιο του Κουνς με τον σκηνοθέτη Γούντι Άλεν. Ένα email του 2013 δείχνει επίσης ότι ο Κουνς αλληλογραφούσε απευθείας με τον βοηθό του Επστάιν, με τον καλλιτέχνη να του γράφει λέγοντας ότι θα παρευρισκόταν σε ένα δείπνο που διοργάνωνε ο Επστάιν. Σε δήλωσή του στο Hyperallergic, ο Κουνς επιβεβαίωσε ότι είχε παρευρεθεί στο δείπνο του Επστάιν, αλλά είπε ότι «δεν είχε σχέση» με τον Επστάιν πέρα ​​από αυτό. Επιπλέον, ο Κουνς είπε ότι δεν θυμάται τον Επστάιν να έχει επισκεφτεί το στούντιό του.

 



- Αντρές Σεράνο, εικαστικός 

 


Ο Αντρές Σεράνο, ο φωτογράφος που είναι περισσότερο γνωστός για το έργο του Piss Christ του 1987, έστειλε email στον Επστάιν, όπως έδειξε μια δημοσιοποίηση αρχείων από το 2025. «Ήμουν έτοιμος να ψηφίσω κατά του Τραμπ για όλους τους σωστούς λόγους, αλλά είμαι τόσο αηδιασμένος από την οργή για το "πιάστε τις από το μουνί" που μπορεί να του δώσω την ψήφο συμπάθειας», έγραψε ο Σεράνο στον Επστάιν πριν από τις προεδρικές εκλογές του 2016. Ο Σεράνο πρόσθεσε: «Είμαι σίγουρος ότι και ο Μπιλ Κ είπε πράγματα». Σε αυτό το email, ο Επστάιν απάντησε: «καμία καλή επιλογή, πώς είσαι;». Ο Σεράνο, ο οποίος φωτογράφισε ένα πορτρέτο του Επστάιν πριν από τον θάνατό του από αυτοκτονία το 2019, δήλωσε πως είχε «ξεχάσει» ότι είχε στείλει email στον Επστάιν, «αλλά προφανώς το είπα».

 



- Λία Κλέμαν, έμπορος τέχνης

 


Σε μια εις βάθος ανάλυση των κοινωνικών κύκλων του Επστάιν, το περιοδικό New York ανέφερε την έμπορο τέχνης Λία Κλέμαν ανάμεσα στις προσωπικότητες μιας εκτενούς λίστας που περιλαμβανόταν σε ένα «μικρό μαύρο βιβλίο» που κρατούσε με επαφές καθώς και αρχεία που κατέγραφαν σχέσεις διαφόρων ειδών. Όπως σημειώνει το New York, η Κλέμαν, η οποία έχει πουλήσει έργα τέχνης και αντίκες από το Κέντρο Τέχνης και Αντίκας του Μανχάταν, περιέγραψε τις διαπραγματεύσεις τιμών με τον Επστάιν ως «κάτι σαν σκηνή από την ταινία Μαντ Μαξ: Απόδραση από το βασίλειο του κεραυνού». Και το 2019, είπε στο Bloomberg ότι ο Επστάιν, πελάτης της για 25 χρόνια, ήθελε συμφωνίες για έργα που ήλπιζε ότι θα έκαναν εντύπωση στους άλλους: «Όταν έρχεται, είναι ο Τζέφρι Επστάιν και δικαιούται έκπτωση. Του αρέσει να προκαλεί σοκ.» 

 

 

  φωτογραφίες:

-  Ρόναλντ Λόντερ

photo: Michael Kappeler 
(dpa-picture alliance) via Getty Images

Ντέιβιντ Α. Ρος

photo: San Francisco Chronicle 
via Getty Images 

Zακ Λανγκ

photo: Bertrand Rindoff Petroff
Getty Images  

Λίον Μπλακ

photo: Dimitrios Kambouris,
Getty Images for Museum of Modern Art 

 - Στιβ Τις

photo: Donato Sardella
Getty Images for LACMA

Τζεφ Κουνς

photo: Dominik Bindl
Getty Image

Αντρές Σεράνο

photo: Joel Saget
AFP via Getty Images 

Λία Κλέμαν

photo: Patrick McMullan 
via Getty Images    

 

επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)

 

 

με στοιχεία από: ARTnews

10.1.26

Οι φουάρ του Παρισιού είναι άδικες προς τα περιοδικά

2.30' διάβασμα


 

 

📸© Κ.Λ.
all rights reserved


ανοιχτή επιστολή διαμαρτυρίας της Κατρίν Μιγέ, διευθύντριας σύνταξης του περιοδικού Artpress
(να λοιπόν που συμβαίνουν και εις Παρισίους «ατυχή» περιστατικά
 )

 

Μετά το Paris Photo, αρκετά περιοδικά – Beaux Arts, Numéro, De l’air, L’Œil/Le Journal des arts, ESSE και Artpress – έστειλαν μήνυμα στους διοργανωτές, δυσαρεστημένα που έπρεπε να στελεχώσουν τα περίπτερά τους, το βράδυ των εγκαινίων, ανάμεσα στις μυρωδιές μιας κουζίνας που είχε στηθεί κοντά, και στη συνέχεια, τις επόμενες ημέρες, που έπρεπε να ελπίζουν για επισκέπτες στο τέλος του αδιέξοδου όπου είχαν υποβιβαστεί, πράγματι κοντά στις παρουσιάσεις για τα βιβλία φωτογραφίας, αλλά, δυστυχώς, όχι απαραίτητα στο πιο πολυσύχναστο σημείο (1). Στην Art Paris την περασμένη άνοιξη, τα περιοδικά ήταν τοποθετημένα σε μεγάλη απόσταση από τις γκαλερί, στο πίσω μέρος, σε μια ιδανική διαδρομή για όσους αναζητούσαν τις τουαλέτες. Δεν μπορώ να πω τίποτα για την Art Basel Paris, η οποία απέρριψε αμέσως το artpress και την οποία υποψιάζομαι –αφού δεν λάβαμε απάντηση στα αιτήματά μας που τους στείλαμε– για ένα είδος ιδεολογικής λογοκρισίας. Αρκετά ειπώθηκαν.

Ωστόσο, τα περίπτερα που παραχωρούνται στα περιοδικά δεν είναι δωρεάν· συνεπάγονται μια ανταλλαγή για μια σελίδα διαφήμισης, και δεδομένου του μικρού αριθμού τετραγωνικών μέτρων που καταλαμβάνει ο καθένας, δεν θα κόστιζε περισσότερο να τους διατεθεί ο χώρος όπου βρίσκονταν παλαιότερα, μεταξύ της εισόδου και της εξόδου της έκθεσης, όπου οι πιο περίεργοι επισκέπτες θα μπορούσαν να βρουν υλικό για να επεκτείνουν την εξερεύνησή τους, να γνωρίσουν καλύτερα, να συμμετάσχουν σε συζητήσεις – όπου σήμερα βρίσκουν δωρεάν φυλλάδια που δημιουργούν αθέμιτο ανταγωνισμό για τα περιοδικά.

Το Artpress συμμετείχε στο FIAC (Διεθνής Έκθεση Σύγχρονης Τέχνης) -το οποίο καταργήθηκε, ας θυμηθούμε, υπέρ του Art Basel Paris- από τη στιγμή της δημιουργίας του το 1974, σε μια εποχή που τέτοιες πρωτοβουλίες ήταν απαραίτητες για να προσεγγίσουν ένα κοινό που απείχε πολύ από το να έχει κερδιθεί από τη σύγχρονη τέχνη, όταν οι γκαλερί άνοιγαν μια αγορά η οποία, στη Γαλλία, ήταν εξαιρετικά μικρή. Η δουλειά έγινε. Οι πρωτοπόροι δεν έχουν κανένα ενδιαφέρον.
Αλλά είναι πλέον το κοινό —ιδιαίτερα το κοινό των φιλότεχνων— για πάντα εξασφαλισμένο; Νέες γενιές έρχονται, τα κριτήρια εξελίσσονται και τα περιοδικά είναι εκεί για να υφαίνουν συνδέσεις, να συνδέουν με το παρελθόν, να φωτίζουν το παρόν, να προσφέρουν αναλυτικά εργαλεία, να πυροδοτούν συζητήσεις με βάση την ποικιλομορφία των δεσμεύσεων του καθενός, αλλά απαραίτητα με την απόσταση της κριτικής τους στάσης. Πόσες μαρτυρίες έχω συγκεντρώσει από ενθουσιώδεις συλλέκτες που έλεγαν ότι στην αρχή, όταν ίσως ήταν ακόμα φοιτητές, είχαν βρει στις σελίδες του artpress τα πρώτα τους σημεία αναφοράς.

Οι ίδιες οι γκαλερί το γνωρίζουν καλά: σήμερα ίσως ακόμη περισσότερο από χθες (με εντονότερο τον ανταγωνισμό), προσπαθούν να μας κινήσουν το ενδιαφέρον για τον έναν ή τον άλλον καλλιτέχνη που εκπροσωπούν, για την μία ή την άλλη έκθεση τους, μέσω δελτίων τύπου που πλημμυρίζουν τα ηλεκτρονικά μας ταχυδρομεία, μέσω των δεξιοτήτων των υπευθύνων επικοινωνίας τους ή μέσω της περισσότερο ή λιγότερο πειστικής δύναμης των πρακτορείων τύπου που προσλαμβάνουν. Οι γκαλερί είναι οι κύριοι υπεύθυνοι, για τους συλλέκτες που τις εμπιστεύονται, για την εμπορική αξία των έργων, αλλά γνωρίζουν επίσης τη σημασία αυτού που ονομάζεται συμβολικό κεφάλαιο.
Στην απαρχή των μεγάλων εκθέσεων τέχνης βρίσκονταν οι γκαλερίστες: ο Ερνστ Μπάιλερ στη Βασιλεία, ο Ντανιέλ Ζερβί στο Παρίσι. Τώρα αυτές οι εκθέσεις διαχειρίζονται από εταιρείες, ακόμη και ομίλους, οι διευθυντές των οποίων ξεχνούν σε ποια πρωταρχική ανάγκη ανταποκρίνονται τα έργα τέχνης – ή, σε ορισμένες περιπτώσεις, δεν το γνωρίζουν καθόλου.
Κατρίν Μιγέ


(1) Το Paris Photo στην απάντησή του, αναγνωρίζει ότι η τοποθεσία δεν ήταν ιδανική και ζητά συγγνώμη για την έλλειψη σήμανσης στον χάρτη της έκθεσης και στους χώρους των εκθεμάτων. 

 

 

επιμέλεια-εικόνα-μετάφραση: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)
 

16.12.25

γενέθλια για την πρώτη ψηφιακή μηχανή

1.30' διάβασμα

 

 

 

 

 

ο Στιβ Σάσον

 Αυτόν τον μήνα συμπληρώνονται 50 χρόνια από την κατασκευή της πρώτης ψηφιακής φωτογραφικής μηχανής από τον Στιβ Σάσον για την Kodak. Ορισμένα "πεφωτισμένα" στελέχη της εταιρείας -ξέρετε αυτούς τους απρόσιτους τύπους με το σοβαροφανές ύφος- θεωρώντας ως απειλή δημιουργό και δημιούργημα, τους κράτησαν στη σκιά, οδηγώντας τελικά την ίδια την εταιρεία στην πλήρη ανυποληψία.
Ο Σάσον εργαζόταν στην Kodak κατά την περίοδο που κατασκεύασε την πρώτη ψηφιακή φωτογραφική μηχανή, τον Δεκέμβριο του 1975, δημιουργώντας την από διάφορα ανταλλακτικά που υπήρχαν στα κεντρικά γραφεία της Kodak στο Ρότσεστερ της Νέας Υόρκης. Η κάμερα ζύγιζε περίπου 3,5 κιλά και η ανάλυση που διέθετε ήταν της τάξης των 0,01 megapixels μόνον. Χρειάζονταν 23 δευτερόλεπτα για το κατασκεύασμα του Σάσον να καταγράψει μία απλή ασπρόμαυρη ψηφιακή εικόνα σε μία κασέτα μαγνητοφώνου. Ένα καθόλου εντυπωσιακό ξεκίνημα αλλά εκθαμβωτικά λαμπρό στην πορεία.




Για να αναπαραχθούν οι εικόνες, 
τα δεδομένα διαβάζονται από την μαγνητοταινία 
και στη συνέχεια προβάλλονται σε μία συσκευή τηλεόρασης

Συχνά, παραλείπεται κατά την αναπαραγωγή της ιστορίας να αναφερθεί, ότι η ιδέα του Σάσον για μία "ηλεκτρονική φωτογραφική μηχανή" δεν αποσκοπούσε αυστηρά στη δημιουργία μιας ψηφιακής φωτογραφίας. Στόχος του ήταν να δημιουργήσει μια φωτογραφική μηχανή χωρίς κινούμενα μηχανικά μέρη και ακριβώς αυτό έκανε. Αλλά η Kodak, όπως η Kodak συνήθιζε να κάνει κάθε φορά που χρειάστηκε να πάρει αποφάσεις σχετικά με την ψηφιακή απεικόνιση, το χειρίστηκε αδέξια. Η φωτογραφική μηχανή του Σάσον μπήκε στο ράφι από φόβο ότι θα μειώσει τα -τότε- τεράστια κέρδη της Kodak από τα φωτογραφικά φιλμ και τα άλλα προϊόντα εικόνας(!!!), με αποτέλεσμα οι υπόλοιπες βιομηχανίες που δραστηριοποιούντο στο χώρο της φωτογραφίας να επενδύσουν τελικά σε ένα ψηφιακό μέλλον, αφήνοντας την αναποφάσιστη Kodak στο περιθώριο. Αυτό θα πεί διορατικότητα και σωστή αξιολόγηση των δεδομένων!
Σε μία δημοσίευση στο blog της Kodak γραμμένη το 2007, ο Σάσον εξηγεί πώς κατασκευάστηκε η μηχανή:
"Είχε ένα φακό, που πήραμε από κάδο με μεταχειρισμένα ανταλλακτικά από μία γραμμή παραγωγής για κινηματογραφικές μηχανές Super 8, κάτω από το δικό μας μικρό εργαστήριο στο δεύτερο όροφο, στο Κτίριο 4. Στην μία πλευρά από το φορητό μαραφέτι μας, στριμώξαμε ένα φορητό κασετόφωνο ψηφιακής εγγραφής. Προσθέστε σ'αυτό και 16 μπαταρίες νικελίου καδμίου, ένα ιδιαίτερα ευαίσθητο νέο τύπο απεικόνισης συστοιχίας CCD, μια υλοποίηση a/d μετατροπέα κλεμμένο από μια εφαρμογή για ψηφιακό βολτόμετρο, αρκετές δεκάδες ψηφιακά και αναλογικά κυκλώματα όλα συνδεδεμένα μεταξύ τους πάνω σε περίπου μισή ντουζίνα ηλεκτρονικές πλακέτες, και θα έχετε τη δική μας ερμηνεία για το πώς πρέπει να μοιάζει μία φορητή, εξ'ολοκλήρου ηλεκτρονική, φωτογραφική μηχανή".

  

 

επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)

 

7.12.25

Μάρτιν Παρ (1952-2025)

2' διάβασμα

 

 

 

 

Ο Μάρτιν Παρ, ο Βρετανός φωτογράφος του οποίου οι εναργείς, σατιρικές και βαθιά ανθρώπινες παρατηρήσεις αναμόρφωσαν τον τρόπο που βλέπουμε την καθημερινή ζωή, πέθανε σε ηλικία 73 ετών, αφήνοντας πίσω του ένα έργο που άλλαξε μόνιμα το τοπίο της σύγχρονης οπτικής κουλτούρας.

 

Μάρτιν Παρ, εκτύπωση εξ επαφής 
για την ενότητα The Last Resort (1985) 
© Martin Parr / Magnum Photos
 

Γεννημένος στο Έπσομ, στο Σάρεϊ, ο Παρ ανακάλυψε τη φωτογραφία νωρίς, υπό την επιρροή του παππού του, ενός ενθουσιώδους ερασιτέχνη φωτογράφου. Αυτή η πρώιμη σπίθα εξελίχθηκε σε μια καριέρα που διήρκεσε πέντε δεκαετίες, κατά τη διάρκεια της οποίας ο Παρ έγινε μια από τις πιο ξεχωριστές φωνές και αναδιαμόρφωσε την τεκμηριωτική φωτογραφία. Η ιδιοφυΐα του Παρ βρισκόταν στην ικανότητά του να ανακαλύπτει βαθύ νόημα στο κοινότοπο. Οι ζωντανές, κορεσμένες εικόνες του από παραθαλάσσια θέρετρα, επαρχιώτικα πανηγύρια, σουπερμάρκετ και πισίνες έγιναν εμβληματικά ντοκουμέντα της βρετανικής κουλτούρας. Επίσης με το διάχυτο πνευματώδες χιούμορ στη σύνθεση, δημιούργησε μια άμεσα αναγνωρίσιμη αισθητική – μια αισθητική που αποκάλυπτε τόσο την σάτιρα όσο και την διακριτική συγκίνηση των συνηθισμένων στιγμών.

Η καταξίωση του Παρ ήρθε με το The Last Resort (1986), μια απαράμιλλα ζωντανή απεικόνιση παραθεριστών της εργατικής τάξης στο Νιου Μπράιτον. Η σειρά επαινέθηκε και αμφισβητήθηκε εξίσου, καθιερώνοντας τον Παρ ως οξυδερκή παρατηρητή των κοινωνικών πραγματικοτήτων και της καταναλωτικής κουλτούρας. Τα μεταγενέστερα έργα του – που κυμαίνονται από βρετανικές παραθαλάσσιες πόλεις μέχρι παγκόσμιους τουριστικούς προορισμούς – επέκτειναν αυτό το όραμα, συχνά εξισορροπώντας την αγάπη με την κριτική.

Σε μια εποχή που οι φωτογράφοι που ήθελαν να θεωρούνται «σοβαροί» έπρεπε να φωτογραφίζουν σε ασπρόμαυρο, ο Παρ υιοθέτησε με θάρρος την έγχρωμη φωτογραφία, επηρεασμένος από Αμερικανούς πρωτοπόρους όπως ο Στίβεν Σορ και ο Ουίλιαμ Έγκλεστον. Αυτή η επιλογή αποδείχθηκε αμφιλεγόμενη. Το έργο του διχάζει τόσο έντονα τις απόψεις που ο Ανρί Καρτιέ-Μπρεσόν του είπε το περίφημο, ότι φαινόταν να προέρχεται από άλλο πλανήτη. Η απάντηση του Παρ αποτυπώθηκε στο χαρακτηριστικό του χιούμορ και στην πεποίθησή του για την υπεράσπιση του καλλιτεχνικού του οράματος.
Οι φωτογραφίες του δεν υποχώρησαν ποτέ μπροστά στην πραγματικότητα. Έδειχναν αγύμναστα κορμιά, φαγητό που καταναλωνόταν χωρίς χάρη, πλούτο που επιδεικνυόταν χωρίς αυτοσυγκράτηση. Ωστόσο, κάτω από την φαινομενική κριτική έτρεχε ένα βαθύ ρεύμα ενσυναίσθησης και γνήσιας περιέργειας για το πώς ζουν οι άνθρωποι. Όπως εξήγησε ο ίδιος ο Παρ για τη Βρετανία, υπήρχαν πολλά πράγματα που δεν του άρεσαν, αλλά ήταν επίσης τα χόμπι, τα πανηγύρια, οι γεωργικές εκθέσεις, οι παραλίες και τα φλιτζάνια τσάι που αγαπούσε. Η φωτογραφία έγινε η θεραπεία του, καθορίζοντας τη ζωή του.


Έδειξε ότι η τεκμηριωτική φωτογραφία μπορούσε να είναι πολύχρωμη, χιουμοριστική και βαθιά προσωπική ενώ παρέμενε κοινωνικά δεσμευμένη. Απέδειξε ότι η καθημερινότητα αξίζει ιδιαίτερης προσοχής, ότι η κατανάλωση και η αναψυχή αποκαλύπτουν ποιοι είμαστε, και ότι η κριτική μπορεί να συνυπάρχει με την τρυφερότητα.

Το 1994 ο Παρ εντάχθηκε στο πρακτορείο Magnum, διατελώντας και πρόεδρός του από το 2013 έως το 2017, παρά την αρχική αντίδραση ορισμένων μελών που έβρισκαν την αισθητική του πολύ ριζοσπαστική. (Κ. Λ.)
 

 

επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα


© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)

 

29.10.25

ένας Βαν Γκογκ την ημέρα... κάνει καλό στην υγεία μας (πέρα από το μήλο)

3.30' διάβασμα

 

 

 

 

 

Πρωτοποριακή μελέτη αποδεικνύει τη θετική επίδραση της τέχνης στο σώμα  

 

 

© Kirsty O'Connor/PA via AP Photo

Η πρωτοποριακή μελέτη που ξεκίνησε από το Art Fund’s National Art Pass παρέχει τα πιο πειστικά επιστημονικά στοιχεία μέχρι σήμερα ότι η θέαση έργων τέχνης έχει άμεσα, μετρήσιμα οφέλη για την υγεία και την ευεξία μας.

Πραγματοποιήθηκε από το King's College London και συγχρηματοδοτήθηκε από το Art Fund, τον εθνικό φιλανθρωπικό οργανισμό του Ηνωμένου Βασιλείου για μουσεία και γκαλερί, και το Psychiatry Research Trust. Η μελέτη μέτρησε τις φυσιολογικές αντιδράσεις των συμμετεχόντων ενώ παρακολουθούσαν αριστουργήματα παγκοσμίου φήμης καλλιτεχνών, όπως ο Μανέ, ο Βαν Γκογκ και ο Γκογκέν, σε μια γκαλερί.



Το έργο του Πολ Γκογκέν, Te Rerioa (Το Όνειρο), 
ήταν ένα από τα έργα τέχνης που χρησιμοποιήθηκαν στη μελέτη. 
© Art Fund Courtauld Gallery

Η έρευνα διαπίστωσε ότι η τέχνη ενεργοποιεί ταυτόχρονα το ανοσοποιητικό, το ενδοκρινικό (ορμονικό) και το αυτόνομο νευρικό σύστημα – κάτι που δεν είχε καταγραφεί ποτέ πριν. Το Art Fund ελπίζει ότι τα ευρήματα θα ενθαρρύνουν περισσότερους ανθρώπους να επισκεφθούν τα μουσεία και γκαλερί για να βιώσουν αυτά τα αποδεδειγμένα οφέλη για την υγεία από πρώτο χέρι.

Ο Δρ Τόνι Γουντς, ερευνητής στο King's College London, δήλωσε: «Η έρευνα δείχνει ξεκάθαρα τις ιδιότητες του πρωτότυπου έργου τέχνης που μειώνουν το στρες και την ικανότητά του να μας ενθουσιάζει, να μας καθηλώνει και να μας διεγείρει ταυτόχρονα. Από επιστημονική άποψη, το πιο συναρπαστικό συμπέρασμα είναι ότι η τέχνη είχε θετική επίδραση σε τρία διαφορετικά συστήματα του οργανισμού – το ανοσοποιητικό, το ενδοκρινικό και το αυτόνομο σύστημα – ταυτόχρονα. Πρόκειται για μια μοναδική ανακάλυψη που μας εξέπληξε πραγματικά.»

Στη μελέτη συμμετείχαν 50 εθελοντές ηλικίας 18-40 ετών, οι οποίοι είτε είδαν τα αυθεντικά έργα τέχνης στη γκαλερί Κουρτώ του Λονδίνου είτε αναπαραγωγές των ίδιων πινάκων σε ένα αντίστοιχο περιβάλλον εκτός γκαλερί. Πραγματοποιήθηκε μεταξύ Ιουλίου και Σεπτεμβρίου 2025. Οι συμμετέχοντες παρακολουθήθηκαν για τη μεταβλητότητα του καρδιακού ρυθμού και τη θερμοκρασία του δέρματος χρησιμοποιώντας ψηφιακούς μετρητές ερευνητικού επιπέδου, προκειμένου να καταγραφούν τα επίπεδα ενδιαφέροντος και διέγερσης. Τα επίπεδα κυτοκινών και κορτιζόλης μετρήθηκαν επίσης μέσω δειγμάτων σάλιου, παρέχοντας μια σαφή ένδειξη των επιπέδων στρες.



μία συμμετέχουσα παρατηρεί την 'Αυτοπροσωπογραφία με μπανταρισμένο αυτί' του Βίνσεντ βαν Γκογκ (1889) στην Πινακοθήκη Κουρτώ.
© Art Fund Courtauld Gallery

Τα επίπεδα κορτιζόλης – της βασικής ορμόνης του στρες – μειώθηκαν κατά μέσο όρο 22% στην ομάδα της γκαλερί, σε σύγκριση με μόλις 8% στην ομάδα της αναπαραγωγής. Όσοι παρατηρούσαν πρωτότυπη τέχνη είχαν επίσης πιο δυναμική καρδιακή δραστηριότητα – υποδεικνύοντας ότι η τέχνη ενεργοποιεί το σώμα τόσο μέσω της συναισθηματικής διέγερσης όσο και μέσω της ρύθμισης του στρες.
Οι προφλεγμονώδεις κυτοκίνες (IL-6 και TNF-α) – οι οποίες συνδέονται με το άγχος και μια σειρά χρόνιων ασθενειών – μειώθηκαν κατά 30% και 28% αντίστοιχα σε όσους είδαν τα αυθεντικά έργα τέχνης, ενώ δεν παρατηρήθηκε καμία αλλαγή στην ομάδα που είδε αναπαραγωγές των έργων. Αυτό υποδηλώνει ότι η τέχνη έχει πιθανή ηρεμιστική επίδραση στις φλεγμονώδεις αντιδράσεις του οργανισμού.  

Επεκτείνοντας το γιατί αυτό βοηθά να αποδείξουμε ότι η τέχνη είναι καλή για εμάς, ο Δρ Γουντς είπε: «Οι ορμόνες του στρες και οι δείκτες φλεγμονής όπως η κορτιζόλη, η IL-6 και ο TNF-άλφα συνδέονται με ένα ευρύ φάσμα προβλημάτων υγείας, από καρδιαγγειακές παθήσεις και διαβήτη μέχρι άγχος και κατάθλιψη. Το γεγονός ότι η θέαση πρωτότυπης τέχνης μείωσε αυτούς τους δείκτες υποδηλώνει ότι οι πολιτιστικές εμπειρίες μπορεί να διαδραματίζουν ουσιαστικό ρόλο στην προστασία τόσο του μυαλού όσο και του σώματος».

Εκτός από το ότι φάνηκαν λιγότερο αγχωμένοι, οι συμμετέχοντες παρουσίασαν επίσης φυσιολογικά σημάδια ενθουσιασμού κατά την παρατήρηση έργων τέχνης, όπως πτώση της θερμοκρασίας του δέρματος (-0,74 βαθμούς Κελσίου) και μεγαλύτερη ποικιλία στα μοτίβα των καρδιακών παλμών, καθώς και υψηλότερους συνολικούς καρδιακούς ρυθμούς – υποδεικνύοντας εκρήξεις συναισθηματικής διέγερσης.

Αυτά τα ευρήματα υποδηλώνουν ότι η τέχνη μπορεί να διεγείρει, να χαλαρώσει βαθιά και να μειώσει τα επίπεδα στρες ταυτόχρονα όταν τη βλέπουμε σε μια γκαλερί – κάτι που οι ειδικοί λένε ότι είναι ουσιαστικά μια «πολιτισμική άσκηση για το σώμα».



Ο πίνακας του Μανέ 'Ένα Μπαρ στο Φολί Μπερζέρ' δεν είναι μόνο ένα διάσημο αριστούργημα, 
αλλά και ένα χρήσιμο εργαλείο αποσυμπίεσης, σύμφωνα με τη μελέτη
© Art Fund Courtauld Gallery

 

Ο Δρ Γουντς πρόσθεσε: «Εν ολίγοις, η μοναδική και πρωτότυπη μελέτη μας παρέχει αδιάσειστα στοιχεία ότι η θέαση έργων τέχνης σε μια γκαλερί είναι "καλή για εσάς" και συμβάλλει στην περαιτέρω κατανόησή μας για τα θεμελιώδη οφέλη της. Στην ουσία, η Τέχνη δεν μας συγκινεί μόνο συναισθηματικά – ηρεμεί και το σώμα.»


Η έρευνα αποκάλυψε επίσης ότι ούτε τα στοιχεία της προσωπικότητας ούτε η συναισθηματική νοημοσύνη επηρέασαν τις απαντήσεις, υποδηλώνοντας ότι τα ευρύτερα οφέλη της τέχνης για την υγεία του σώματος είναι καθολικά. 

Ενώ προηγούμενες μελέτες έχουν συνδέσει τις τακτικές επισκέψεις σε γκαλερί με τη μακροπρόθεσμη ευεξία, αυτή είναι η πρώτη που καταγράφει τα φυσιολογικά οφέλη σε πραγματικό χρόνο κατά την προβολή έργων τέχνης, αποδεικνύοντας τα άμεσα πλεονεκτήματά της. 
Η διευθύντρια του Art Fund, Τζένη Γουόλντμαν, δήλωσε: «Αυτή η μελέτη αποδεικνύει για πρώτη φορά αυτό που νιώθουμε εδώ και καιρό στο Art Fund – ότι η τέχνη είναι πραγματικά καλή για εσάς. Αυτό που είναι ιδιαίτερα συναρπαστικό είναι ότι τα ευρήματα δείχνουν ότι αυτά τα οφέλη είναι καθολικά – μπορούν να τα βιώσουν όλοι.»



συμμετέχουσες στη μελέτη παρατηρούν την 
΄'εναστρη νύχτα' (1889) του Βίνσεντ βαν Γκογκ
© Art Fund Courtauld Gallery

Η μελέτη αντιπροσωπεύει μια επιτυχημένη συνεργασία συγχρηματοδότησης μεταξύ του Art Fund και της φιλανθρωπικής οργάνωσης ψυχικής υγείας, του Psychiatry Research Trust.

Ο Πρόεδρος του Ιδρύματος Έρευνας Ψυχιατρικής, Καθηγητής Κάρμινε Παριάντε, δήλωσε: «Είμαστε πολύ χαρούμενοι που συνεργαστήκαμε τόσο στενά με το Art Fund. Το Ίδρυμα χρηματοδοτεί έρευνα και εκπαίδευση στην ψυχική υγεία και αυτός ο τύπος διεπιστημονικής έρευνας, σχετικός τόσο με την επιστήμη όσο και με την ευημερία, είναι ακριβώς ο τύπος μελετών που χρειάζονται για να κατανοήσουμε πώς οι τέχνες επηρεάζουν τόσο το μυαλό όσο και το σώμα». 

 

 

με στοιχεία από artfund 

επιμέλεια-μετάφραση: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)

 

28.10.25

Paris Photo 2025

3' διάβασμα 

 

 

 

 

 

 

Κούμι Όγκουρο, IBASHO, 2024, 
© IBASHO, Kumi Oguro

Τα τελευταία 27 χρόνια, η Paris Photo έχει εξελιχθεί σε μία από τις κορυφαίες εκθέσεις φωτογραφίας στον κόσμο. Αποτελεί σημαντικό γεγονός για τον κόσμο της φωτογραφίας, προωθώντας σημαντικές συζητήσεις σχετικά με τα μέσα που βασίζονται στον φακό. Τον Νοέμβριο, η 28η διοργάνωση προσφέρει ένα ποικίλο και δυναμικό πρόγραμμα, με 220 εκθέτες από 33 χώρες. Η Φλοράνς Μπουρζουά, διευθύντρια της Paris Photo, δηλώνει: «Πιο τολμηρή, πιο ποικιλόμορφη και πιο διεθνής, η φετινή έκδοση συγκεντρώνει γκαλερί και καλλιτέχνες από όλες τις ηπείρους, επιβεβαιώνοντας τον κεντρικό ρόλο του Παρισιού ως τόπου προβολής, προβληματισμού και προώθησης του μέσου». 



Τζόελ Μεγέροβιτς, Land, Provincetown – 1976
© Joel Meyerowitz, Courtesy of Howard Greenberg Gallery, New York.



Ρενάτο Ντ'Αγκοστίν
© Bigaignon gallery

Η φετινή εκδήλωση έχει μια ιδιαίτερα μοναδική προσθήκη: τον Ψηφιακό Τομέα, που ξεκίνησε το 2023. Με την εισαγωγή αυτού του τομέα, η Paris Photo έγινε η πρώτη ευρωπαϊκή έκθεση που ξεκίνησε μια συζήτηση γύρω από τους αλγόριθμους, τα δίκτυα και την τεχνητή όραση, θέτοντας το ερώτημα πώς αυτά διευρύνουν τις δυνατότητες του μέσου. Ο ρόλος των ψηφιακών μεθόδων είναι ένα αμφιλεγόμενο θέμα, καθώς όσοι βρίσκονται στον κλάδο συζητούν αν εργαλεία όπως η τεχνητή νοημοσύνη μπορούν να ενισχύσουν την καλλιτεχνική έκφραση, χωρίς να χαθεί η δημιουργική ακεραιότητα. Φέτος, 13 εκθέτες αναλαμβάνουν να απαντήσουν σε αυτά τα πιεστικά ερωτήματα. Η 'Μυστική Ζωή των Λουλουδιών' της Χουλιέτα Ταραουμπέλα ξετυλίγεται ως μια οπτικοακουστική εγκατάσταση που παίρνει τη μορφή ενός «κυβερνοκήπου». Πολλαπλές οθόνες σε διάταξη μωσαϊκό δείχνουν την επιταχυνόμενη διάρκεια ζωής των λουλουδιών, παραδείγματα του πώς οι ψηφιακές μέθοδοι μπορούν να διευρύνουν τον τρόπο που οπτικοποιούμε την ανάπτυξη, την ομορφιά και τη θνητότητα. Εν τω μεταξύ, ο Κέβιν Άμπος παρουσιάζει την τεχνητή νοημοσύνη ως μέρος της φωτογραφίας, εξίσου πολύτιμο με το αναλογικό ή το ψηφιακό. Ο καλλιτέχνης δημιουργεί επινοημένες εικόνες και βίντεο, φτιαγμένα με λογισμικό που εκπαίδευσε με εκατοντάδες δικές του φωτογραφίες. Αυτό δεν είναι μια απόκλιση από την παραδοσιακή φωτογραφία, υποστηρίζει ο Άμπος, αλλά μάλλον μέρος της εξέλιξής της. Ο ψηφιακός τομέας της Paris Photo είναι ένα δείγμα της προοδευτικής προσέγγισης της διοργάνωσης όσον αφορά την επιμέλεια.



Βερόνικα Ποτ, 2022- 2023
© Base-Alpha Gallery, Veronika Pot

Γκιλέαμ Τράπενμπεργκ, Amelia – 2023, 
© Galerie Ron Mandos

Μελίσα Σρικ, 'Ερωτευμένη ξανά μαζί σου' – 2024, 
© Hama Gallery, Melissa Schriek.

Αλλού, ο τομέας των αναδυόμενων τεχνολογιών συνεχίζει την προσήλωσή του στην καινοτομία. Η έκθεση παρουσιάζει 20 έργα από γκαλερί που προωθούν νέες προσεγγίσεις και μοναδικές απόψεις στη διεθνή σκηνή. Εδώ, εκφράσεις από όλο τον κόσμο συναντιούνται για να διαμορφώσουν μια ζωντανή εικόνα του μέλλοντος της φωτογραφίας. Η Ατόνγκ Ατέμ, μια καλλιτέχνις από τη Μελβούρνη, καταγόμενη από το Νότιο Σουδάν, διερευνά τη φωτογραφία ως ένα πλαίσιο για την παρατήρηση του κόσμου και των ανθρώπων. Η Ατέμ αναφέρεται στα έργα φωτογράφων στούντιο της Αφρικής του 20ού αιώνα, όπως ο Μαλίκε Σιντιμπέ, ο Φίλιπ Κουάμε Απαγκάγια και ο Σεϊντού Καϊτά, εξερευνώντας την εγγενή οικειότητα των πορτρέτων και τον ρόλο εκείνων που βρίσκονται πίσω από την κάμερα ως αφηγητές. Η Μελίσα Σρικ, που παρουσιάζεται από την Γκαλερί Χάμα στο Άμστερνταμ, περιγράφει το έργο της ως κάτι που βρίσκεται στο μεταίχμιο μεταξύ φαντασίας και πραγματικότητας, όπου σε σκηνοθετημένα σκηνικά οι σκηνές ξεδιπλώνονται με φυσικότητα. Η εκπαίδευσή της ως χορεύτρια προσθέτει μια κινητικότητα στις εικόνες, οι οποίες συχνά δίνουν την αίσθηση ότι κινούνται με ενέργεια και αυθορμητισμό.



Μάρτα Ζγκιέρσκα, Αφιερωματικό ειδώλιο XIII, από την ομώνυμη ενότητα – 2019, 
© Marta Zgierska / Jednostka Gallery

Λούις Πόρτερ, 'η τέχνη του να φαίνονται τα πράγματα πιο κοντά μεταξύ τους', 2024  
© Chiquita, Lewis Porter

Η υπόλοιπη έκθεση είναι, όπως πάντα, γεμάτη με αναδυόμενες φωνές, παγκοσμίως αναγνωρισμένες γκαλερί και φρεσκοτυπωμένες εκδόσεις που περιμένουν να ανακαλυφθούν. Ένα από τα σημαντικότερα σημεία είναι το IBASHO στην Αμβέρσα, ένας χώρος αφιερωμένος στην ιαπωνική φωτογραφία. Η σύνθεσή του περιλαμβάνει την Κούμι Όγκουρο, η οποία συνεργάζεται με γυναικεία μοντέλα σε σκηνοθετημένα περιβάλλοντα, συλλογιζόμενη τη γραμμή μεταξύ αυτού που θεωρείται τυπικά «ελκυστικό» ή «γοητευτικό» και αυτού που θεωρείται παράξενο ή δυσάρεστο. Σε ένα πλάνο, δύο φιγούρες με ροζ στολές αγκαλιάζονται. Τα σκούρα μαλλιά τους είναι μπλεγμένα, καθιστώντας δύσκολο να διακρίνει κανείς πού τελειώνει το ένα και πού αρχίζει το άλλο. Το Paris Photo αναφέρει την «συγγένεια και τις σχέσεις» ως ένα σημαντικό θεματικό άξονα φέτος, και η Όγκουρο είναι ένα χαρακτηριστικό παράδειγμα. Το έργο της Μάρτα Ζγκιέρσκα, που παρουσιάζεται από την γκαλερί Jednostka, απηχεί την άποψη της Όγκουρο όσον αφορά την κριτική της για την πίεση που ασκείται στην γυναικεία εμφάνιση. Η καλλιτέχνιδα ενεπλάκη σε αυτοκινητιστικό ατύχημα που επηρέασε σωματικά το σώμα της, προκαλώντας έργα τέχνης που ασχολούνται με το τραύμα, τις οριακές εμπειρίες και τους κανόνες της γυναικείας ομορφιάς. Εν τω μεταξύ, η Βερόνικα Ποτ προσεγγίζει το θέμα από διαφορετική οπτική γωνία, με λήψεις τοπίων που αναφέρονται στην αποσύνδεσή μας από τον φυσικό κόσμο.  

Για τέσσερις ημέρες αυτόν τον Νοέμβριο, η γαλλική πρωτεύουσα αποτελεί προορισμό για τους λάτρεις της φωτογραφίας, οι οποίοι συγκεντρώνονται για να γιορτάσουν το μέσο. Το Paris Photo αντικατοπτρίζει μια μορφή τέχνης εν μέσω τεράστιων αλλαγών, λαμβάνοντας υπόψη την εμφάνιση της τεχνητής νοημοσύνης και των ψηφιακών τεχνολογιών που έχουν αλλάξει τον τρόπο που βλέπουμε μια εικόνα. 

 

 

Paris Photo στο Grand Palais, Παρίσι 
από 13 – 16 Νοεμβρίου: parisphoto.com

 με πληροφορίες από: aestheticamagazine

επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων) 

19.10.25

η φωτογραφία (εκ νέου) στο κάδρο

4' διάβασμα


 

 

 

Ένα μέσο που κάποτε περιθωριοποιήθηκε στον κόσμο της τέχνης, βρίσκει νέα δυναμική.


 

 

Ελένα Αλμέιδα, Pintura Habitada, 1975. 
Ασπρόμαυρη φωτογραφία με μπλε ακρυλικό χρώμα 
-γκαλερί franciscofino

Ειδικότερα στις φετινές εκθέσεις στο Λονδίνο,  Frieze London και Frieze Masters (15 – 19 Οκτωβρίου 2025), που μαζί παρουσιάζουν περισσότερες από 280 γκαλερί από 45 χώρες. Πολλές από αυτές τις γκαλερί εκθέτουν φωτογραφίες επαληθεύοντας την άποψη πως στον σημερινό κόσμο που κυριαρχεί η οθόνη, η φωτογραφία δεν ήταν ποτέ πιο διαδεδομένη. Αλλά είναι η φυσική μάλλον, παρά η ψηφιακή πτυχή του μέσου που βρίσκεται όλο και περισσότερο στο προσκήνιο αυτή την εβδομάδα στο Λονδίνο – το οποίο εξακολουθεί να θεωρείται κάπως καθυστερημένο σε σχέση με το Παρίσι και τη Νέα Υόρκη όσον αφορά την έκθεση και την εμπορία φωτογραφίας.
«Ζούμε σε έναν κόσμο κορεσμένο από φωτογραφικές εικόνες, οπότε ποτέ δεν ήταν πιο σημαντικό να αναλογιστούμε την ιστορία του μέσου και και την πλούσια κληρονομιά του στο παρόν», λέει η Χίλαρι Φλόε, η επιμελήτρια μιας μεγάλης αναδρομικής έκθεσης της Αμερικανίδας φωτογράφου Λι Μίλερ στην Tate Britain (έως τις 15 Φεβρουαρίου 2026).

Στη Frieze Masters, η γκαλερί Pace αφιέρωσε το περίπτερό της στον Αμερικανό φωτογράφο Πίτερ Χούτζαρ, ο οποίος κατέγραψε τη γκέι σκηνή της Νέας Υόρκης των δεκαετιών του 1970 και 1980. Τα τρυφερά ασπρόμαυρα πορτρέτα των καλλιτεχνών στα παρασκήνια εκτυπώθηκαν όλα από τον ίδιο τον Χούτζαρ (οι τιμές κυμαίνονται από 21.440 έως 38.592 Ευρώ· έξι εκτυπώσεις πωλήθηκαν την πρώτη μέρα). Ο καλλιτέχνης πέθανε από ασθένεια σχετιζόμενη με το AIDS το 1987. «Ήταν ένας πραγματικός δάσκαλος της εκτύπωσης, με τον τρόπο που αποτύπωνε το φως στο σκοτεινό δωμάτιο», λέει η επικεφαλής του τμήματος φωτογραφίας της Pace. «Υπάρχει κάτι στο κοντράστ και την τονικότητα που σε κάνει να θέλεις να βυθιστείς στην εικόνα».
Ενώ η Pace έχει μακρά ιστορία στην έκθεση φωτογραφίας μέσω της αδελφής γκαλερί Pace/MacGill, η οποία συγχωνεύτηκε με την Pace το 2020, άλλες μεγάλες εμπορικές γκαλερί έχουν καλύψει το χαμένο έδαφος τα τελευταία χρόνια, και ιδιαίτερα μετά την πανδημία, όταν η αγορά τέχνης άρχισε να ασχολείται πληρέστερα με τις ψηφιακές παρουσιάσεις. Η φωτογραφία, όπως φάνηκε, προσαρμόστηκε καλά στις διαδικτυακές αίθουσες προβολής.


Ντο Χο Σουχ, Karma, 2016. Κυανοτυπία
-γκαλερί stpi-gallery

Πίτερ Χούτζαρ, 
Μάριο Μοντέζ, 
καμαρίνι στο Palm Casino Revue, 1974. © The Peter Hujar 
-γκαλερί Pace

Το 2023, η Gagosian διόρισε έναν επιμελητή φωτογραφίας ως διευθυντή του τμήματος φωτογραφίας της γκαλερί, έναν νεοσύστατο ρόλο που σχεδιάστηκε για να επεκτείνει το μερίδιο αγοράς της γκαλερί στο μέσο. Ο διορισμός ήρθε μήνες αφότου η Gagosian πρόσθεσε την Ναν Γκόλντιν στο δυναμικό της. Η David Zwirner υποστηρίζει επίσης το μέσο.
Ο Τζέιμς Γκριν, επικεφαλής της γκαλερί David Zwirner στο Λονδίνο και ειδικός στη φωτογραφία, πιστεύει ότι οι πρόσφατες μεγάλες επενδύσεις στη φωτογραφία «δημιουργούν πλέον ασαφή όρια μεταξύ της φωτογραφίας και των υπόλοιπων εικαστικών τεχνών, τόσο σε θεσμικό επίπεδο όσο και σε επίπεδο ιδιωτικών συλλογών.».
Η σχέση της φωτογραφίας με τον κόσμο των καλών τεχνών ήταν ιστορικά δύσκολη. Κάποιοι, όπως ο Αντρέας Γκούρσκι, ο Τζεφ Γουόλ και η Σίντι Σέρμαν, θεωρούνται επιμόνως εικαστικοί, ενώ άλλοι παραμένουν αποφασιστικά στο στρατόπεδο της φωτογραφίας. Τα τελευταία χρόνια,  σε μια προσπάθεια να αμβλυνθεί η διάκριση, πολλοί φωτογράφοι έχουν αρχίσει να παράγουν λίγα αντίτυπα, μερικές φορές δημιουργώντας μόνο μία εκτύπωση.

Στη Frieze London, η Αμερικανίδα καλλιτέχνις Κάθριν Χάμπαρντ εκθέτει φωτογραφίες της ίδιας και της μητέρας της, η οποία αντιμετώπιζε σοβαρή απώλεια μνήμης όταν τραβήχτηκαν οι φωτογραφίες. Κάθε φωτογραφία είναι διαθέσιμη σε δύο μόνον αντίτυπα (με τιμή 4.288-10.291 Ευρώ), ενώ οι εκτυπώσεις σώματος της είναι μοναδικές (12.000-17.150 Ευρώ). «Σήμερα ζούμε με πολλές εικόνες ταυτόχρονα, περισσότερες από όσες χρειαζόμαστε», λέει ο Κεν Καστανέδα, διευθυντής της γκαλερί Company. «Τα περιορισμένα αντίτυπα διατηρούν τη φωτογραφία σαν ένα πολύτιμο κόσμημα».



Κάθριν Χάμπαρντ, one fifty one (syzygy), 2022.
-γκαλερί Gallery, New York

Κάθριν Χάμπαρντ, σωματικό αποτύπωμα, fold hold, 2023.
-γκαλερί Gallery, New York

Η έκθεση της Λι Μίλερ στην Tate Britain αποτελεί περαιτέρω απόδειξη της εδώ και καιρό αναγκαίας αποδοχής της φωτογραφίας ως αυτόνομου καλλιτεχνικού μέσου. Όπως επισημαίνει η Φλόε, «η θέση της φωτογραφίας ως μορφής τέχνης ήταν στο περιθώριο στην καλύτερη περίπτωση» κατά τη διάρκεια της ζωής της Μίλερ, πράγμα που σημαίνει ότι ήταν «διπλά περιθωριοποιημένη ως γυναίκα και ως φωτογράφος». Η έκθεση στην Tate Britain επαναπροσδιορίζει επίσης τον τρόπο που λειτουργεί η Miller ως «συμμετοχικό και συν-δημιουργικό» αντί να την παρουσιάζει ως παθητική μούσα, όπως συχνά συνέβαινε. «Συγκεκριμένα, έχουμε εξερευνήσει σε βάθος τη δημιουργική συνεργασία μεταξύ τhw Μίλερ και του Μαν Ρέι, προτείνοντας πολύ πιο σύνθετα μοντέλα της καλλιτεχνικής τους ανταλλαγής και θέτοντας ερωτήματα σχετικά με την απόδοση έργων», προσθέτει η Φλόε.

Σε μια ασταθή αγορά, οι εκτυπώσεις και οι εκδόσεις τα πάνε καλά. Οι συλλέκτες μπορούν να αγοράσουν έργα γνωστών δημιουργών για ένα κλάσμα της τιμής ενός πίνακα ή γλυπτού. Το ίδιο ισχύει και για τη φωτογραφία. Όπως το θέτει η Λόρεν Πάνζο της Pace: «Η φωτογραφία είναι προσιτή στους ανθρώπους με πολλούς τρόπους – και αυτό περιλαμβάνει και την τιμή».


Καντίγια Σέι, 
'σε αυτόν τον χώρο αναπνέουμε' (2017-18) 
-γκαλερί Miro

Τζοάνα Πιοτρόφσκα, 
Άτιτλο, 2024
-γκαλερί phillida reid_grape street

Ο Ανδρέας Παμπουλίδης, συνιδρυτής της Lullo Pampoulides, η οποία ειδικεύεται στους Παλαιούς Δασκάλους, αξιοποιεί την λαμπερή πλευρά της φωτογραφίας, παρουσιάζοντας βίντατζ εκτυπώσεις του Άλμπερτ Ρουντομίν από τους ηθοποιούς Σαρλ Μπουαγιέ και Τζόαν Κρόφορντ στο Frieze Masters (τιμές μεταξύ 3.455 και 6.911 Ευρώ). Συμφωνεί ότι οι χαμηλότερες τιμές σημαίνουν ότι η φωτογραφία είναι πιο εύκολο να πουληθεί. «Πάντα πουλάω φωτογραφίες εδώ. Θα ήθελα πολύ να κάνω μια έκθεση μόνο με φωτογραφίες του χρόνου», λέει.
Ωστόσο, ο Καστανέδα πιστεύει ότι η φωτογραφία «εξακολουθεί να είναι ένα δύσκολο μέσο για τους συλλέκτες» και προσθέτει: «Η ανθρωπιά μιας εικόνας μπορεί να είναι συγκρουσιακή. Οι άνθρωποι φοβούνται να αντιμετωπίσουν τον πραγματικό κόσμο.»
Ο Τζέιμς Γκριν της Zwirner πιστεύει ότι, επειδή η φωτογραφία έχει τις ρίζες της στον πραγματικό κόσμο, έχει πάντα τη δυνατότητα να είναι πολιτική – «ακόμα κι αν αυτή δεν είναι η πρόθεση του φωτογράφου. [...] Η φωτογραφία έχει αυτόν τον τρόπο να είναι ανατρεπτική. Ίσως, λοιπόν, η αντιληπτή αλήθεια της φωτογραφίας να φαίνεται αρκετά επίκαιρη στο σημερινό κλίμα».

Αλλά όπου υπάρχουν κενά στην αγορά, ο Γκριν βλέπει ευκαιρίες. «Όσον αφορά τις γκαλερί που εκθέτουν φωτογραφία, το Λονδίνο έχει περισσότερα περιθώρια ανάπτυξης», λέει. Από όλες τις μορφές τέχνης, πιστεύει ότι η φωτογραφία έχει τη δυνατότητα να προσελκύσει το ευρύτερο κοινό συλλεκτών. 
Όπως το θέτει: «Εξ ορισμού, όλοι είμαστε φωτογράφοι και δημιουργοί εικόνων, αυτή είναι η ομορφιά του μέσου».

 

με στοιχεία από The Art Newspaper

επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)

 

6.10.25

οι Polaroid του Νομπουγιόσι Αράκι

6' διάβασμα




Για τον Νομπουγιόσι Αράκι, η φωτογραφία δεν ήταν ποτέ μια ουδέτερη πράξη — είναι εμμονή, οικειότητα, πρόκληση. Οι Polaroid του χαρτογραφούν την καθημερινή ζωή του Ιάπωνα δασκάλου, τις ερωτικές εμμονές και τις ποιητικές του συναντήσεις με τη θνητότητα.



© Nobuyoshi Araki

Λίγοι φωτογράφοι έχουν αναστατώσει, προκαλέσει και σαγηνεύσει το κοινό όπως ο Νομπουγιόσι Αράκι. Από τη δεκαετία του 1960, ο καλλιτέχνης που γεννήθηκε στο Τόκιο έχει θολώσει τα όρια μεταξύ οικειότητας και επιδειξιομανίας, μεταξύ ποιητικού και πορνογραφικού.  Οι εικόνες του έχουν χαρακτηριστεί εμμονικές, ερωτικές, παραβατικές, αλλά και βαθιά ανθρώπινες.

Το έργο του Αράκι, ο οποίος υπήρξε ένας από τους δημιουργούς του κινήματος της ιαπωνικής 'περί εμού' φωτογραφίας (shi-shashin)*1, επηρεάστηκε από την προσωπική του ιστορία, όπως αποδεικνύεται από τρεις σειρές αφιερωμένες στη ζωή του με την Γιόκο Αόκι μεταξύ 1971 και 1992, από το μήνα του μέλιτος μέχρι τον θάνατό της. Πέρα από τα κοντινά πλάνα του με λουλούδια και τα αμφιλεγόμενα σκηνοθετημένα γυμνά του για τα οποία είναι διεθνώς γνωστός, η Polaroid έχει κεντρική θέση στην πρακτική του από τη δεκαετία του 1990. Η χρήση της Polaroid δημιουργεί μια μορφή οπτικής ποίησης βασισμένη σε ασυνήθιστους συνειρμούς. Ενώ το προηγούμενο έργο του ήταν προσεκτικά συντεθειμένο και τυπικά πειραματικό, η διαδικασία, που εφηύρε ο Έντουιν Λαντ και διατίθεται στην αγορά από την Polaroid από το 1948, του επέτρεψε να αποτυπώνει ακούραστα την καθημερινότητά του παράγοντας μια σημαντική ποσότητα από αυτές τις διάσημες τετράγωνες εικόνες που αναπτύσσονται μπροστά στα μάτια του δημιουργού τους. 

 

Σχετικά με αυτό το είδος της "περί εμού" φωτογραφίας έχει αναφέρει σε συνέντευξή του πως: 
«Πέρα από αυτό, η φωτογραφία είναι "περί εμού". Σε αντίθεση με το να αποκαλύπτω κάτι στην κοινωνία ή να κάνω κάτι για την κοινωνία, αλλά μάλλον ως έκφραση των δικών μου σκέψεων και λέξεων, "περί εμού-φωτογραφία (ShiShashin – το "shi" σημαίνει εγώ και το "shashin" φωτογραφία)", το συνηθισμένο μου λογοπαίγνιο (από το "περί εμού-μυθιστόρημα (ShiShōsetsu)" που απεικονίζει τη ζωή του ίδιου του συγγραφέα). Η φωτογράφιση πραγμάτων που αφορούν "εμένα" ή κάτι παρόμοιο, ξεκίνησε στο μήνα του μέλιτος. Αυτό που έκανα τότε δεν αφορούσε την γύμνια της γυναίκας μου ή κάτι τέτοιο, αλλά ήταν αναπόφευκτο, και το να είναι γυμνή και κάπως σέξι ήταν φυσικό και κανονικό. Εν ολίγοις, δεν είναι το ίδιο σαν να φοράει τα ρούχα της; Ακόμα και χωρίς ρούχα, ήταν ένας τρόπος έκφρασής της. Δεν με νοιάζει τόσο πολύ γιατί αυτά είναι συναισθήματα που πηγάζουν (από αυτήν) και προς τον σύντροφο. Εκείνη την εποχή, έγινε θέμα συζήτησης μέσω των περιοδικών.» 

 

ο Νομπουγιόσι Αράκι μπροστά στις Polaroid του

© Nobuyoshi Araki

© Nobuyoshi Araki

 

Το μέσο προσέφερε επίσης νέες εικαστικές ευκαιρίες στον Αράκι και του επέτρεψε το αποτέλεσμα να είναι χαοτικό και άμεσο. Κάθε στιγμιότυπο — μια ερωμένη, ένα άνθος, ένα ποτό σε ένα τραπέζι — γίνεται μέρος ενός ρεύματος συνείδησης.  Οι Polaroid του Αράκι διαδέχονται η μία την άλλη σε μια συνεχή ροή που θολώνει τα όρια μεταξύ της προσωπικής και της δημόσιας σφαίρας, σχηματίζοντας αυτό που ο ίδιος ο καλλιτέχνης κάποτε ονόμασε «μια συνεχή ροή εμμονής». Παρενέβαινε επίσης στις εικόνες με ψαλίδι, μαρκαδόρους ή πινέλα· έκοβε και συναρμολογούσε φωτογραφικές χίμαιρες που ονόμαζε kekkai (φράγμα, φράχτης)· και εξέθετε τις εκτυπώσεις του από άκρη σε άκρη με τη μορφή πλεγμάτων μερικές φορές μνημειωδών διαστάσεων.




© Nobuyoshi Araki

© Nobuyoshi Araki

© Nobuyoshi Araki


© Nobuyoshi Araki

Αυτό το φθινόπωρο, το Μουσείο Guimet του Παρισιού διοργανώνει μια ιστορική έκθεση — την POLARAKI (λογοπαίγνιο με τα ονόματα της εταιρείας και του φωτογράφου ) — συγκεντρώνοντας σχεδόν χίλιες φωτογραφίες Polaroid του Αράκι σε ένα συναρπαστικό οπτικό ημερολόγιο αγάπης, σεξ, ζωής και θανάτου.

Αυτό που κάνει την POLARAKI εξαιρετική είναι η κλίμακα. Η έκθεση βασίζεται στη συλλογή του Στεφάν Αντρέ, ο οποίος συγκέντρωσε σχεδόν χίλιες Polaroid μεταξύ του 2000 και του 2024 και τις δώρισε στο Μουσείο Guimet νωρίτερα φέτος. Εκτεθειμένη σε μνημειώδη πλέγματα που θυμίζουν αίθουσα θαυμάτων*2, η εγκατάσταση είναι ταυτόχρονα οικεία και καθηλωτική – ένα ιδιωτικό οπτικό ημερολόγιο που αποκαλύπτεται για δημόσια κατανάλωση.
Στην καρδιά της έκθεσης βρίσκεται ο Παράδεισος του Αράκι, ένα εκπληκτικό έργο από 906 εκτυπώσεις με τη μέθοδο διάχυσης χρωστικών ουσιών, τοποθετημένες σε 391 πλαίσια. Οι μισοί από αυτούς τους συνδυασμούς συντέθηκαν από τον ίδιο τον Αράκι. Οι άλλοι μισοί οργανώθηκαν από τον Αντρέ στο διαμέρισμά του στο Παρίσι, δημιουργώντας έναν εκτεταμένο διάλογο μεταξύ καλλιτέχνη και συλλέκτη.

Το αποτέλεσμα είναι υπνωτιστικό. Λουλούδια και σχοινιά βρίσκονται δίπλα σε στιγμιότυπα εραστών· ερωτικά ταμπλό ζωντανεύουν εικόνες από την καθημερινή εφήμερη ζωή· στιγμές τρυφερότητας συνυπάρχουν με ωμές υπενθυμίσεις της θνητότητας. Οι Polaroid του Αράκι ανθίζουν σαν πέταλα σε συνεχή φθορά — φρέσκα αλλά εύθραυστα, άμεσα αλλά αιώνια.
Το έργο του Αράκι κινείται μεταξύ διαφορετικών αισθητικών κόσμων και πάντα διχάζει την κοινή γνώμη. Οι αναπαραστάσεις του γυναικείου σώματος, συχνά τυλιγμένου με σχοινιά, κιμονό ή τατάμι, έχουν επαινεθεί ως σύγχρονες αντηχήσεις της παραδοσιακής ιαπωνικής ερωτικής ζωγραφικής (σούνγκα) και των φετιχιστικών πρακτικών κινμπάκου (δέσιμο με σχοινί). Βέβαια αυτή η σύνδεση με την πολιτιστική κληρονομιά τείνει να νομιμοποιήσει την προκλητικότητα και τη βία ορισμένων φωτογραφιών.  Αλλά καθώς οι πολιτισμικές αντιλήψεις μεταβάλλονται, πολλοί κριτικοί υποστηρίζουν ότι αυτές οι ίδιες εικόνες αντικειμενοποιούν και εκμεταλλεύονται. Οι πρόσφατες εξελίξεις στην αντίληψη για τις σχέσεις μεταξύ ανδρών και γυναικών μας καλούν να επανεξετάσουμε αναπαραστάσεις που μέχρι τώρα θεωρούνταν φυσιολογικές υπό το πρόσχημα της παράδοσης. Η αντιμετώπιση του γυναικείου σώματος στο φακό του Αράκι δεν ξεφεύγει από αυτή την αναθεώρηση.




© Nobuyoshi Araki
© Nobuyoshi Araki

© Nobuyoshi Araki

© Nobuyoshi Araki

Ωστόσο, η POLARAKI είναι κάτι πέρα από πρόκληση και δυνητική αναθεώρηση. Είναι μια υπενθύμιση της δυαδικότητας της φωτογραφίας, ταυτόχρονα προσωπικής και δημόσιας, εφήμερης και διαχρονικής. Οι Polaroid του Αράκι είναι πράξεις αγάπης και πένθους, φόροι τιμής στην παροδική ομορφιά και υπενθυμίσεις της σκιάς της θνητότητας. Εντάσσονται σε μια γενεαλογία της ιαπωνικής 'περί εμού' φωτογραφίας, όπου η ζωή και η τέχνη του καλλιτέχνη συγχωνεύονται μεταξύ τους. (Κ.Λ.)









 

 

 

 POLARAKI (1 Οκτωβρίου 2025 – 12 Ιανουαρίου 2026)
Μουσείο Guimet, Παρίσι

 

 

 

*1 Το Σισασίν είναι ένα στυλ φωτογραφίας που αναπτύχθηκε τη δεκαετία του 1970 από τον Αράκι και άλλους φωτογράφους, όπως ο Φουκάσε Μασαχίσα, στο οποίο οι λεπτές αποχρώσεις των σχέσεων με τους οικείους τους περιγράφονται με λεπτομέρεια, με τη μορφή ενός φωτογραφικού ημερολογίου. Ως στυλ, απέκτησε στη συνέχεια ένα σημαντικό κοινό, καταλήγοντας να αποτελέσει ένα σημαντικό ρεύμα στην ιαπωνική φωτογραφική έκφραση.

*2 Τον 16ο αιώνα, μια αίθουσα θαυμάτων (ή Wunderkammer) ήταν ένας δημοφιλής τρόπος επίδειξης μιας ιδιωτικής συλλογής αξιοπερίεργων αντικείμενων. Εκεί παρουσιάζονταν σε αφθονία δείγματα ζώων, σκελετοί, ορυκτά, ασυνήθιστα χειροποίητα αντικείμενα καθώς και ενδιαφέρουσες αρχαιότητες από τον Νέο Κόσμο, εξάπτοντας έτσι την περιέργεια των επισκεπτών για τα θαύματα της νέας εποχής.
 

 

 επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)