where art is always in focus

Εμφάνιση αναρτήσεων με ετικέτα ΠΑΡΟΥΣΙΑΣΗ. Εμφάνιση όλων των αναρτήσεων
Εμφάνιση αναρτήσεων με ετικέτα ΠΑΡΟΥΣΙΑΣΗ. Εμφάνιση όλων των αναρτήσεων
16.2.26

οι «ουρανογραφίες» του Αυγούστου Στρίντμπεργκ

 5' διάβασμα

 

 

 

Έχετε αναρωτηθεί ποτέ πώς θα ήταν να δημιουργείτε φωτογραφίες χωρίς φωτογραφική μηχανή;
Όταν η φωτογραφία βρισκόταν ακόμα σε πρώιμο στάδιο, αναπτύχθηκαν τεχνικές που επέτρεπαν τη φωτογραφία χωρίς κάμερα. Μια τέτοια τεχνική ήταν η διαδικασία του χημειογράμματος, η οποία απαιτούσε μόνο χημικά και φωτογραφικό χαρτί για να δημιουργηθεί μια εικόνα. Η προέλευση της τεχνικής παραμένει ασαφής. Ωστόσο, το παλαιότερο σωζόμενο χημειόγραμμα δημιουργήθηκε από τον Σουηδό θεατρικό συγγραφέα, ζωγράφο και φωτογράφο, Αύγουστο Στρίντμπεργκ.



Αύγουστος Στρίντμπεργκ (1886) Αυτοπροσωπογραφία, Γκερσάου, Ελβετία

Άνθρωπος με πολλά ταλέντα, ο Στρίντμπεργκ έλκονταν από τον νυχτερινό ουρανό και την αιθέρια ομορφιά του. Πίστευε ακράδαντα ότι οι κάμερες αλλοίωναν την αναπαράσταση της πραγματικότητας, και έτσι στράφηκε στα αστέρια στον νυχτερινό ουρανό. Εμβάπτισε τη φωτογραφική πλάκα σε διάλυμα εμφάνισης και την εξέθεσε στο -εξ ουρανού- φως. Το αποτέλεσμα το επονόμασε «ουρανογραφία», αλλά μέσα στον ενθουσιασμό του δεν συνειδητοποίησε ότι ήταν οι χημικές ουσίες και η σκόνη που δημιουργούσαν τα τεχνουργήματα στο χαρτί, και το αποτέλεσμα που θεωρούσε ως απόδοση του νυχτερινού ουρανού. Οι εικόνες του, ωστόσο, δεν εκτιμήθηκαν επειδή ο κόσμος τις έβλεπε για αυτό που ήταν. Ανεξάρτητα από αυτό, ο Στρίντμπεργκ παρέμεινε πιστός στην ανακάλυψη της τεχνικής που θεωρούσε ότι του επέτρεπε να απαθανατίζει αστέρια και πλανήτες.


celestograph 1, 1894
Royal Library, Stockholm

celestograph 2, 1894
Royal Library, Stockholm

Το 1956, σχεδόν μισό αιώνα μετά τον Στρίντμπεργκ, ο Βέλγος καλλιτέχνης Πιέρ Κορντιέ ανακάλυψε τυχαία τα χημειογράμματα, ενώ έγραφε μια αφιέρωση με βερνίκι νυχιών σε φωτογραφικό χαρτί. Είδε δυνατότητες στην τεχνική όσον αφορά την καλλιτεχνική έκφραση και αφιέρωσε την καριέρα του στην ανάπτυξή της. Σήμερα, είναι γνωστός ως ο πρωτοπόρος της διαδικασίας, και οι περισσότεροι καλλιτέχνες χρησιμοποιούν τη μέθοδό του για να δημιουργήσουν χημειογράμματα με τη βοήθεια χρώματος, λαδιού ή κεριού και γαλακτώματος βρωμιούχου αργύρου ζελατίνης.

 

 

Πιέρ Κορντιέ χημειόγραμμα 1

Πιέρ Κορντιέ χημειόγραμμα 2

Πεπεισμένος ότι είχε αλλάξει την εξέλιξη της ζωγραφικής προς μια προοδευτική κατεύθυνση, ο Στρίντμπεργκ δημοσίευσε το δοκίμιό του για το τυχαίο και την καλλιτεχνική παραγωγή σε ένα παρισινό περιοδικό. (βλέπε: Για το τυχαίο στην καλλιτεχνική δημιουργία)  Και στην πειραματική του φωτογραφία από την ίδια χρονιά, υπάρχουν παραδείγματα εικόνων που ευθυγραμμίζονται ακόμη περισσότερο με αυτό που ονόμαζε «φυσική τέχνη». Στις «ουρανογραφίες» του, οι επιφάνειες όχι μόνο φαίνονται φθαρμένες με μια ατμοσφαιρικά δημιουργημένη πατίνα, αλλά ακόμη μοιάζουν να έχουν δημιουργηθεί σε φυσική συνεργασία με τον καιρό.


«Σήμερα, στην εποχή των ακτίνων Χ, το θαύμα ήταν ότι δεν χρησιμοποιήθηκε ούτε φωτογραφική μηχανή ούτε φακός. Για μένα αυτό σημαίνει μια μεγάλη ευκαιρία να παρουσιάσω τις πραγματικές συνθήκες, μέσω των φωτογραφιών μου που έγιναν χωρίς κάμερα και φακό, και καταγράφουν τον ουρανό στις αρχές της άνοιξης του 1894.» σημειώνει ο Στρίντμπεργκ 

Ο Στρίντμπεργκ δεν εμπιστευόταν τους φακούς των φωτογραφικών μηχανών, καθώς θεωρούσε ότι έδιναν μια παραμορφωμένη αναπαράσταση της πραγματικότητας. Με τα χρόνια κατασκεύασε αρκετές απλές φωτογραφικές μηχανές χωρίς φακό, φτιαγμένες από κουτιά πούρων ή παρόμοια κουτιά από χαρτόνι, στα οποία είχε τρυπήσει το μπροστινό μέρος με μια βελόνα δημιουργώντας μια μικροσκοπική τρύπα. Αλλά τα ουρανογραφήματα παράγονταν με μια ακόμη πιο άμεση μέθοδο, χωρίς τη χρήση φακού ούτε κάμερας. Τα πειράματα περιλάμβαναν απλά την τοποθέτηση των φωτογραφικών πλακών σε ένα περβάζι παραθύρου ή ίσως απευθείας στο έδαφος (μερικές φορές, μας λέει, ήδη μέσα στο λουτρό εμφάνισης) και την έκθεσή τους στον έναστρο ουρανό.



ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ
'η Σελήνη του Κόκκινου Ελαφιού'

ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ
'η Σελήνη του Λουλουδιού'

ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ
'η Σελήνη του Θερισμού'

Οι μαύρες ή σκουρόχρωμες εικόνες που τελικά  εμφανίστηκαν είναι διάστικτες με μυριάδες μικρές, πιο ανοιχτόχρωμες κουκκίδες που ο Στρίντμπεργκ πίστευε ότι ήταν αστέρια. Δεν μπορεί να αποκλειστεί το ενδεχόμενο να ήταν σταγόνες δροσιάς, κάποιο είδος ατμοσφαιρικών σωματιδίων ή απλώς σωματίδια στον εμφανιστή. Μόλις τελείωσαν τα πειράματα, ο Στρίντμπεργκ έστειλε τόσο τις φωτογραφίες όσο και μια γραπτή αναφορά στον διάσημο αστρονόμο Καμίλ Φλαμαριόν, στο Παρίσι. Αλλά παρά τις δικές του μυστικιστικές τάσεις, ο Φλαμαριόν πρέπει να θεωρούσε αυτή τη φωτογραφική μέθοδο υπερβολικά παράλογη και ο Στρίντμπεργκ δεν έλαβε ποτέ την επίσημη αναγνώριση την οποία λαχταρούσε. Πράγματι, ως συμβολή στην επιστήμη ή ως αναπαράσταση της φύσης, αυτές οι εικόνες είναι φυσικά άχρηστες. Η φανταστική τους αξία, ωστόσο, είναι ένα εντελώς διαφορετικό ζήτημα.

Σίγουρα, οι φωτογραφίες συχνά μοιάζουν με νυχτερινές ουράνιες σκηνές. Αλλά θα μπορούσες εξίσου εύκολα να δεις χαλίκι ή σκόνη, κοντινά πλάνα φθαρμένης ασφάλτου ή ένα κομμάτι σκούρου χώματος. Στην πραγματικότητα, οι εικόνες δεν διαφέρουν εντελώς από τις τοπογραφικές μελέτες της γης που πολύ αργότερα, τη δεκαετία του 1950, απασχόλησαν τον Ζαν Ντιμπιφέ, τις οποίες ονόμασε υφολογίες. Το μεγαλείο των φωτογραφιών του Στρίντμπεργκ έγκειται ακριβώς στο ότι προσφέρουν αυτή τη διπλή θέαση, όπου ο έναστρος ουρανός και η γήινη ύλη φαίνεται να κινούνται μέσα και διαμέσου ο ένας του άλλου.


Ζαν Ντιμπιφέ
υφή του Ήλιου (1959)

Ζαν Ντιμπιφέ
υφολογία LX (Διακοπές στον Ήλιο)

Αυτό που κάνει αυτές τις εικόνες τόσο «μοντέρνες» είναι ότι αποτελούν επίσης συγκεκριμένα παραδείγματα ενός είδους χημικού νατουραλισμού (όπως στο έργο των Πόλκε, Κίφερ και πολλών άλλων σύγχρονων καλλιτεχνών). Ο Στρίντμπεργκ επέμενε ότι η τέχνη θα έπρεπε να προσπαθήσει να «μιμηθεί τον τρόπο δημιουργίας της φύσης», και σε αυτά τα ουρανογραφίες η εικόνα και ο κόσμος έχουν πλησιάσει ο ένας τον άλλο σε τέτοιο βαθμό που σχεδόν συγχωνεύονται. Όποιες συμπτώσεις κι αν δημιούργησαν αυτές τις εικόνες, το θέμα τους εμφανίζεται λιγότερο ως φωτογραφική εικόνα και περισσότερο ως «έργο» της ίδιας της φύσης.
Οι μετασχηματιστικές διεργασίες της φύσης συνέχισαν να επηρεάζουν τις φωτογραφίες κατά τον αιώνα που έχει περάσει από τότε που δημιουργήθηκαν. Αποτυπώματα αντίχειρα έχουν αφήσει ίχνη, και λιπαροί λεκέδες ή από μελάνι στο πίσω μέρος με τον καιρό έχουν διαχυθεί στο χαρτί. Παραδόξως, αυτό δεν έχει καταστρέψει, αλλά μάλλον έχει τελειοποιήσει αυτές τις εικόνες της νύχτας – άλλοτε με ελαφριά πέπλα γαλαζωπής ομίχλης, άλλοτε με οξειδωμένα σημεία στο καφέ της σκουριάς, που θα μπορούσαν ενδεχομένως να είναι διαστρικά νεφελώματα σκόνης ή απλώς συνηθισμένοι γήινοι ουρανοί φωτισμένοι από κάτω.

Είναι πολύ πιθανό αυτά τα «σύννεφα» ή αυτό το «κυκλικό νεφέλωμα» να είναι λεπτομέρειες που ο ίδιος ο Στρίντμπεργκ δεν είδε ποτέ, και ότι εμφανίστηκαν πολύ αργότερα. Αλλά είναι εξίσου πιθανό αυτή να ήταν μια μεταμόρφωση που θα του άρεσε. Μετά τα μέσα της δεκαετίας του 1890 πίστευε όλο και περισσότερο ότι η φύση έχει πνευματικό χαρακτήρα και, σε συμφωνία με μεγάλο μέρος της ρομαντικής φιλοσοφίας της φύσης της εποχής, ισχυρίστηκε ότι η φύση τείνει να εκδηλώνεται στον άνθρωπο με σημεία και σύμβολα που είναι δύσκολο να ερμηνευτούν. Τα τελευταία χρόνια της ζωής του ασχολήθηκε πολύ με τα σύννεφα, και κατά τη διάρκεια του 1907 και του 1908 παρατηρούσε συχνά σχηματισμούς σύννεφων που επέστρεφαν στα ίδια σχήματα και στα ίδια μέρη γύρω από τη Στοκχόλμη. Σε μια προσπάθεια να καταλάβει τι θα μπορούσαν να «σημαίνουν», φωτογράφισε και έκανε πολλά σχέδια αυτών των νεφελωμάτων, ενώ περιέγραψε επίσης το φαινόμενο στο «Ένα Μπλε Βιβλίο».



ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ 
'έναστρος ουρανός'
Εθνική Βιβλιοθήκη της Σουηδίας

ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ 
'πανσέληνος'
Εθνική Βιβλιοθήκη της Σουηδίας

ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ 
'ο ήλιος'
Εθνική Βιβλιοθήκη της Σουηδίας

Ο Γκαίτε και ο Κόνσταμπλ ήταν από τους πρώτους που ασχολήθηκαν με μια αναλυτική, σχεδόν επιστημονική μελέτη των νεφών, και η μελέτη των νεφών παρουσίαζε τεράστιο ενδιαφέρον για πολλούς άλλους τοπιογράφους του δέκατου ένατου αιώνα. Αλλά ο Στρίντμπεργκ δεν είναι ζωγράφος της υπαίθρου. Διαβάζει τα σύννεφα λιγότερο μετεωρολογικά και περισσότερο μεταφορικά. Αυτό που έχουν να πουν για την ατμοσφαιρική πίεση και τις καιρικές αλλαγές τον ενδιαφέρει λιγότερο από το γεγονός ότι μερικές φορές μοιάζουν με βουνά ή με ένα σωρό από βράχους. Συμβαίνει περισσότερες από μία φορές στους πίνακές του το μοτίβο να ταλαντεύεται ανάμεσα σε εικόνες νεφών και εικόνες των «Άλπεων».

Η γη και ο ουρανός επικοινωνούν μεταξύ τους. «Τα πάντα δημιουργούνται κατ' αναλογία, το κατώτερο με το ανώτερο», γράφει ο Στρίντμπεργκ. Και για τον Στρίντμπεργκ ως σχεδιαστή, ζωγράφο και πειραματικό φωτογράφο, το πραγματικό θέμα είναι πρωτίστως αυτές οι «αντιστοιχίες» που φαίνεται να αποκαλύπτουν οι εικόνες. Ακόμα και τα σύννεφα που σχεδιάζει γίνονται κατά κάποιο τρόπο ουρανογραφία· ένα είδος «ουράνιας γραφής» και ένα ακόμη παράδειγμα αυτού που έβλεπε ως καλλιτεχνική προσπάθεια της φύσης για μορφή: ένα εγγενές κρυπτογράφημα, δύσκολο να κατανοηθεί αλλά παρόλα αυτά ελπιδοφόρο, σαν μια ματιά σε μια μεγάλη άλλη, «απεριόριστη» ολότητα. (Κ. Λ.)


 

 επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)


 

23.12.25

Νόρμαν Ρόκγουελ, «το παιδί με το φωτογραφικό βλέμμα»

3.30' διάβασμα

 

 

 

 

 

 

ο φωτογράφος Μπιλ Σκόβιλ και ο Νόρμαν Ρόκγουελ

Είναι γεγονός πως φωτογραφία υπήρξε ένα ευεργετικό εργαλείο για εικαστικούς καλλιτέχνες, από τον Τόμας Ίκινς και τον Έντγκαρ Ντεγκά μέχρι τον Ντέιβιντ Χόκνεϊ. Επίσης για τους εικονογράφους των περιοδικών και της διαφήμισης του πρώτου μισού του 20ού αιώνα. Το ίδιο σημαντική υπήρξε και για τον σπουδαίο καλλιτέχνη και εικονογράφο Νόρμαν Ρόκγουελ (1894-1978), ο οποίος φρόντιζε να δημιουργεί σκηνές, αποτυπωμένες από κάμερα, που απεικόνιζαν τις ιδέες του πλήρως υλοποιημένες.

Στην αρχή της καριέρας του, ο Ρόκγουελ προσλάμβανε μοντέλα για να ποζάρουν για τους χαρακτήρες στους πίνακές του. Ωστόσο, αρχίζοντας στα μέσα της δεκαετίας του 1930, ο εξελισσόμενος νατουραλισμός του έργου του τον οδήγησε να αγκαλιάσει τη φωτογραφία, η οποία γινόταν όλο και περισσότερο δημοφιλής ως χρήσιμο εργαλείο και ως φυσικός σύμμαχος για τους εικαστικούς καλλιτέχνες, ιδιαίτερα στη διαφήμιση, που εργάζονταν υπό αυστηρές προθεσμίες. Για τον Ρόκγουελ, ήδη γνωστού ως «το παιδί με το φωτογραφικό βλέμμα», η φωτογραφία ήταν κάτι περισσότερο από ένα εργαλείο. Η κάμερα έφερε έναν νέο ρεαλισμό και αυθεντικότητα στο έργο του και άνοιξε ένα παράθυρο στην οξυδερκή παρατηρητικότητα και γλαφυρότητα που καθορίζει την τέχνη του. Η συνεργασία με φίλους και γείτονες αντί για επαγγελματίες μοντέλα πυροδότησε τη φαντασία του Ρόκγουελ, παρέχοντάς του μια ευρεία γκάμα καθημερινών προσώπων, ενώ η ικανότητα της κάμερας να αποτυπώσει μια φευγαλέα έκφραση ή να παγώσει μια δύσκολη πόζα του έδωσε ελευθερία κινήσεων στην επινόηση και κατασκευή των οπτικών του αφηγήσεων και στην αποτύπωση, μερικές φορές τυχαία, των αποχρώσεων του χαρακτήρα για τις οποίες είναι αγαπητός.

 







«Για περισσότερα από 40 χρόνια, οι φωτογραφίες ήταν τα δομικά στοιχεία της τέχνης του Νόρμαν Ρόκγουελ», εξηγεί η Στέφανι Πλάνκετ, αναπληρώτρια διευθύντρια και επικεφαλής επιμελήτρια του Μουσείου Νόρμαν Ρόκγουελ. Μετά τα προκαταρκτικά του σκίτσα, απετέλεσαν τις πρώτες, εν τοις πράγμασι, απεικονίσεις των ιδεών του. Σε αυτό το κρίσιμο στάδιο μεταξύ της έμπνευσης και του καμβά, ο Ρόκγουελ χορογράφησε τα στοιχεία του χαρακτήρα, της έκφρασης, του σκηνικού και της λεπτομέρειας, δημιουργώντας φωτογραφικές εικόνες που έγιναν τα πρότυπα για τους πίνακές του. Η φωτογραφία έφερε όλα τα σημαντικά στοιχεία της τέχνης του Ρόκγουελ πλήρως υπό τον άμεσο έλεγχό του. Για έναν καλλιτέχνη με «μάτι κάμερα», αφηγηματική ιδιοφυΐα και αφοσιωμένο στην σχολαστική τελειομανία, δεν μπορεί να φανταστεί κανείς καλύτερο εργαλείο.

Η διαδικασία περιλάμβανε την αναζήτηση μοντέλων και τοποθεσιών, την επιλογή κοστουμιών και σκηνικών αντικειμένων, και την προσεκτική ενορχήστρωση κάθε στοιχείου του σεναρίου του για να φωτογραφηθεί πριν βάλει πινέλο στον καμβά. Ο Ρόκγουελ σκηνοθετούσε τις φωτογραφίες του όπως ένας σκηνοθέτης κινηματογράφου συνεργάζεται με έναν διευθυντή φωτογραφίας, δίνοντας οδηγίες στους φωτογράφους του πότε να τραβήξουν, αλλά ποτέ δεν πάτησε ο ίδιος το κουμπί της μηχανής. Δημιούργησε δεκάδες ή εκατοντάδες φωτογραφίες για κάθε νέο θέμα, μερικές φορές αποτυπώνοντας ολοκληρωμένες συνθέσεις και άλλες φορές συνδυάζοντας ξεχωριστές εικόνες μεμονωμένων στοιχείων.
Παρήχθη έτσι έναν πλήθος φωτογραφιών για κάθε νέα σύνθεση, τις οποίες στη συνέχεια μετέφερε, ολόκληρες ή εν μέρει, στο τελικό του έργο. Το χάρισμα της αφήγηση και της σκιαγράφησης χαρακτήρων που καθορίζουν τις εικονογραφήσεις του διακρίνουν εξίσου και τις φωτογραφίες του. Ο Ρόκγουελ συνεργάστηκε με πολλούς φωτογράφους στη διάρκεια της καριέρας του, αλλά τρεις είναι υπεύθυνοι για την πλειονότητα των φωτογραφιών του – ο Τζιν Πέλαμ, ο Μπιλ Σκόβιλ και ο Λουίς Λαμόν. Οι Πέλαμ και Λαμόν έγιναν και μοντέλα για τις εικονογραφήσεις του Ρόκγουελ.

 

 

Λουίς Λαμόν,
ο φωτογράφος Μπιλ Σκόβιλ και ο Νόρμαν Ρόκγουελ,
π. 1962

Τζιν Πέλαμ, 
Φωτογραφία αναφοράς για το Soda Jerk, 1953

Τζιν Πέλαμ, 
Φωτογραφία αναφοράς για το Soda Jerk, 1953


Νόρμαν Ρόκγουελ, 
'The Soda Jerk', 
22 Αυγούστου 1953

Νόρμαν Ρόκγουελ, 
The Runaway, 1958 
εξώφυλλο περιοδικού

διάφορες λήψεις προετοιμασίας 
για το 'The Runaway', 1958 
αγνώστου φωτογράφου

Ένα χαρακτηριστικό δείγμα της όλης διαδικασίας είναι το έργο "Κριτικός Τέχνης", μια εικονογράφηση εξωφύλλου για το περιοδικό The Saturday Evening Post, του 1955, το οποίο αποκαλύπτει τα στάδια δημιουργίας ενός έργου με τη μεγαλύτερη λεπτομέρεια, μέσω μικρών σκίτσων, σχέδιο με κάρβουνο σε μεγάλη κλίμακα, του πρωτότυπου πίνακα και φωτογραφιών. «Τα σχέδια του Ρόκγουελ αποκαλύπτουν προσεκτική εξέταση μικρών λεπτομερειών που προστέθηκαν αργότερα και αναδείχθηκαν με χρώμα, σκίαση και την υφή του χρώματος», λέει η Πλάνκετ. «Στο "Κριτικός Τέχνης", ο Ρόκγουελ απείχε πολύ από το να ξεκινήσει τον τελικό του πίνακα όταν ολοκλήρωσε αυτό το σχέδιο - αφιέρωσε περισσότερο χρόνο σε αυτό το έργο παρά σε οποιοδήποτε άλλο εξώφυλλο. Το πρόσωπο της γυναίκας στο πορτρέτο άλλαξε τουλάχιστον 17 φορές. Για κάθε αλλαγή, ο Ρόκγουελ ζωγράφιζε ένα ξεχωριστό σκίτσο με λάδι σε διαφάνεια, το οποίο μπορούσε στη συνέχεια να τοποθετήσει για εξέταση μέσα στο πλαίσιο του πορτρέτου. Κάποια στιγμή, αυτό το πορτρέτο σε στυλ Φρανς Χαλς μετατράπηκε σε ένα Πίτερ Πάουλ Ρούμπενς, και ο Ρόκγουελ αντικατέστησε το τοπίο του 17ου αιώνα με μια ομάδα εκφραστικών Ολλανδών ευγενών που προσκαλούν τη συμμετοχή στην επινοημένη πραγματικότητα του Ρόκγουελ».

 


Τζιν Πέλμαν,
«κριτικός τέχνης»
φωτογραφία αναφοράς, 1955

Νόρμαν Ρόκγουελ,
«κριτικός τέχνης»
εξώφυλλο περιοδικού, 1955

Το «Κριτικός Τέχνης» είναι ένα από τα πιο δημοφιλή και εκτενώς αναλυμένα έργα του καλλιτέχνη. Ο φωτογράφος του Ρόκγουελ, Μπιλ Σκόβιλ, πίστευε ότι αυτό το έργο: «προκάλεσε τα περισσότερα προβλήματα και...αγωνία από οποιοδήποτε άλλο. Πέρασε πολύ άσχημα μέχρι να το τελειώσει». Τουλάχιστον 13 διαφορετικές μελέτες προηγήθηκαν της ολοκλήρωσης του πίνακα. Η Πλάνκετ σημειώνει ότι η ελαφρώς προκλητική φύση της ίδιας της σύνθεσης μπορεί να εξηγεί τις δυσκολίες που αντιμετώπισε ο καλλιτέχνης, ή μπορεί να ήταν η ευαισθησία του γεγονότος ότι τα τελικά μοντέλα του Ρόκγουελ ήταν η σύζυγός του, Μαίρη Μπάρστοου Ρόκγουελ (που φωτογραφήθηκε σε τουλάχιστον δύο συνεδρίες) και ο μεγαλύτερος γιος τους, Τζάρβις. 

 

 

επιμέλεια-κείμενο-προσαρμογή: Κάππα Λάμδα
© periopton




 

Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)

 

10.12.25

Άντρια Μόντικα, το βλέμμα που παραπλανά τον χρόνο

2' διάβασμα



 

 

 

 



©Andrea Modica

Στις φωτογραφίες της, η Αμερικανίδα φωτογράφος Άντρια Μόντικα αποτυπώνει συχνά καταστάσεις που φαίνονται αντιφατικές. Η σειρά της για την φημισμένη παρέλαση Mummers στη Φιλαδέλφεια, την 1η Ιανουαρίου, αντιπαραβάλλει τη σοβαρότητα των ανδρών που συμμετέχουν με την παιχνιδιάρικη, θηλυκή φύση των κοστουμιών και των περουκών τους. Ένα πορτρέτο μιας χειρουργού σε μια κλινική για άλογα στην Ιταλία ταυτόχρονα ελκύει και απωθεί τον θεατή, αντιπαραβάλλοντας την αιματοβαμμένη στολή της με την έμφυτη χάρη, φαίνεται τόσο αγαλματένια όσο και αιωρούμενη, σχεδόν αγγελική. Η ίδια η Μόντικα αναλογίστηκε αυτή την πολυπλοκότητα σε μια συνέντευξη, λέγοντας: «Συχνά συγκινούμαι, τρομάζω, ενθουσιάζομαι και πολλά άλλα, από αυτό που αποκαλύπτει η διαδικασία λήψης φωτογραφιών και οι ίδιες οι φωτογραφίες».



©Andrea Modica

©Andrea Modica

©Andrea Modica

©Andrea Modica

©Andrea Modica

Επίσης, πάλι σε συνέντευξή της έχει διηγηθεί πώς δημιουργήθηκε η ενότητα 'Λεντίνι': 
«Την πρώτη φορά που βρέθηκα με λίγα παραπάνω χρήματα στην τσέπη μου, λίγο μετά το μεταπτυχιακό μου, αγόρασα ένα αεροπορικό εισιτήριο για την Ιταλία. Έφτασα στη Ρώμη και με τη φωτογραφική μηχανή μεγάλου φορμάτ στην πλάτη και χωρίς συγκεκριμένο πρόγραμμα, επιβιβάστηκα σε ένα τρένο με κατεύθυνση προς το νότο. Σε εκείνο το ταξίδι, συνάντησα ένα ζευγάρι που ταξίδευε πίσω στη Σικελία μαζί με την κόρη τους. Υποψιάζομαι τώρα ότι ανησυχούσαν για μένα – μια νεαρή, άπειρη ταξιδιώτισσα με λίγες γνώσεις της ιταλικής γλώσσας, που θα περιπλανιόταν στη Σικελία. Καθώς έμαθαν για τα σχέδιά μου, ή μάλλον την έλλειψή τους, με προσκάλεσαν να μείνω μαζί τους και την πολυμελή οικογένειά τους στο Λεντίνι. Ήταν μια αξιοσημείωτη και επιδραστική εμπειρία, και ήταν η αρχή μιας τριαντάχρονης σχέσης με μια ξεχασμένη μικρή πόλη και τους υπέροχους κατοίκους της.»



©Andrea Modica

©Andrea Modica

©Andrea Modica

©Andrea Modica

Γεννημένη στο Μπρούκλιν το 1960, η Μόντικα κατά τη διάρκεια των σπουδών της στο Πανεπιστήμιο Γέιλ, άρχισε να χρησιμοποιεί μια φωτογραφική μηχανή 20x25εκ. και εκτυπώσεις πλατινοτυπίας/παλλαδίου, μια μέθοδο στην οποία έχει αφοσιωθεί από τότε. Η χρόνος προετοιμασίας και η διάδραση με το φωτογραφιζόμενο θέμα που απαιτεί μια φωτογραφική μηχανή μεγάλου φορμά, εξηγούν εν μέρει την καλλιτεχνική υπογραφή της Μόντικα: τα μοντέλα της φαίνονται ευάλωτα, ειλικρινή, πλήρως αντιληπτά. Ταυτόχρονα, η ίδια προστατεύει το μυστήριο που τα περιβάλλει. 
Στην εισαγωγή του στη μονογραφία της Μόντικα «As We Wait», ο Λάρι Φινκ έγραψε ότι το έργο της επιτρέπει στον θεατή «να παρασυρθεί από νοήματα που δεν μπορούν να κατανοηθούν». Επίσης η ακαδημαϊκός και επιμελήτρια Μαρία Μόρις Χάμπουργκ δηλώνει: «Η τέχνη της Μόντικα αφορά σημαντικά και σοβαρά γεγονότα – εκείνα τα εσωτερικά, καθοριστικά στιγμιότυπα που συνήθως δεν έχουμε τη δύναμη να συγκρατήσουμε ή να εκφράσουμε».
Απόλυτα ταιριαστό με αυτό που είπε κάποτε ένας καταξιωμένος επιμελητής φωτογραφίας πως, παρά το προφανές θέμα των φημισμένων φωτογραφιών του, ο Άνσελ Άνταμς δεν φωτογράφιζε βουνά. Αντίθετα, φωτογράφιζε τον καιρό, το φάσμα του φωτός και της ατμόσφαιρας που προσδίδουν τη δραματικότητα στα τοπία του.


©Andrea Modica

©Andrea Modica

©Andrea Modica

©Andrea Modica

©Andrea Modica

©Andrea Modica

Η Μόντικα είναι καθηγήτρια φωτογραφίας στο Πανεπιστήμιο Ντρέξελ. Οι φωτογραφίες της έχουν δημοσιευθεί σε μεγάλα περιοδικά και περιλαμβάνονται στις μόνιμες συλλογές του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης, του Μητροπολιτικού Μουσείου, του Μουσείου Γουίτνεϊ και πολλών άλλων. Οι εικόνες που περλαμβάνονται σε αυτή την παρουσίαση προέρχονται από πέντε μονογραφίες της Μόντικα: As We Wait και January 1 (και οι δύο εκδόθηκαν από τον L’Artiere), Theatrum Equorum (TIS), Lentini (KGP+), Minor League και Treadwell.  

 

επιμέλεια-μετάφραση-κείμενο: Κάππα Λάμδα


© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων) 

1.12.25

Λουίτζι Γκίρι, ο κόσμος σε μια Polaroid

2.30' διάβασμα







Λουίτζι Γκίρι,
Αμστερνταμ, 1981.
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι


Ο Λουίτζι Γκίρι (1943-1992), ο οποίος μέχρι το 1980 είχε ήδη φέρει επανάσταση στη φωτογραφία στην Ιταλία και όχι μόνο, ταξίδεψε στο Άμστερνταμ κατόπιν πρόσκλησης της Instant Land Camera για να δοκιμάσει τις δεξιότητές του με την γιγαντιαία Polaroid 50x60 εκ., την πιο εντυπωσιακή στιγμιαία φωτογραφική μηχανή της αμερικανικής εταιρείας,  η οποία μπορούσε να αποτυπώσει στιγμιότυπα εξαιρετικά μεγάλου μεγέθους σε λίγο περισσότερο από ένα λεπτό, ζύγιζε περίπου διακόσια πενήντα κιλά και απασχολούσε έναν εικονολήπτη για κάθε καλλιτέχνη, τόσο περίπλοκη ήταν η τεχνολογία του γίγαντα.

 Η συνεργασία, η οποία ξεκίνησε με φωτογραφικές μηχανές μικρού μεγέθους ήδη από το 1979, συνεχίστηκε μέχρι το 1983, όπου μέσα από υπερμεγέθεις φωτογραφίες, έδωσε μια νέα διάσταση στον οικείο, μινιμαλιστικό, ποιητικό και φανταστικό του κόσμο. Η φωτογραφία του Γκίρι ανοίγεται, σε αυτή την περίπτωση, στην απρόβλεπτη φύση της στιγμιαίας γλώσσας, δίνοντας μορφή σε εικόνες που συνδυάζουν την αντικειμενικότητα και τη μνήμη με έναν πρωτοφανή τρόπο.
Σήμερα οι εξαιρετικές εικόνες αυτής της σύντομης δημιουργικής περιόδου, αλλά εκπληκτικού αποτελέσματος, αποτελούν το θέμα της έκθεσης 'Polaroids '79-'83'.



Λουίτζι Γκίρι,
Αμστερνταμ, 1981
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Λουίτζι Γκίρι,
Ανακάπρι, βίλα Σ. Μικέλε, 1981
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Λουίτζι Γκίρι,
Αμστερνταμ, 1980
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Λουίτζι Γκίρι,
Μόντενα, 1980
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Όπως αναφέρει ο ίδιος σε συνέντευξή του: «Μπήκα στον κόσμο της Polaroid πριν από δέκα χρόνια, κατά τη διάρκεια της έρευνάς μου για τον Σάι Τουόμπλι*. Στα τελευταία χρόνια της καριέρας του, ο Τουόμπλι είχε ενδιαφερθεί για την Polaroid και, χρησιμοποιώντας την κλασική SX-70, είχε φωτογραφίσει τους εσωτερικούς χώρους και το περιβάλλον του σπιτιού του στην Γκαέτα. Στη συνέχεια, στα γραφεία του εκδότη του, Λόταρ Σίρμερ, στο Μόναχο, φωτοτύπησε, αναπαρήγαγε και μεγέθυνε αυτές τις εικόνες, ξεκινώντας έναν αισθητικό στοχασμό πάνω στην ζωγραφική χειρονομία, τα υλικά της και, ως εκ τούτου, πάνω στην Polaroid ως ενδιάμεσο σημείο μιας ευρύτερης καλλιτεχνικής πρακτικής. Αυτό που με εντυπωσίασε ήταν ακριβώς η αντικειμενικότητα της Polaroid, δηλαδή η δυνατότητα να χρησιμοποιήσω τη φωτογραφία όχι για την εικόνα που παράγει, αλλά για το αντικείμενο που αντιπροσωπεύει». 

 * Αμερικανός καλλιτέχνης που το έργο του είναι δύσκολο να το εντάξουμε σε κάποιον -ισμό. Αναπτύχθηκε παράλληλα με τον αμερικανικό εξπρεσιονισμό, τον μινιμαλισμό και ύστερα την ποπ αρτ. 

 

 

Λουίτζι Γκίρι
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Λουίτζι Γκίρι,
Αμστερνταμ, 1980
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Λουίτζι Γκίρι,
Αμστερνταμ, 1981
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Λουίτζι Γκίρι,
Μόντενα, 1980
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Η έρευνα του Λουίτζι Γκίρι τοποθετείται μεταξύ μιας εννοιολογικής χρήσης του μέσου και της κατασκευής εικόνων που προκαλεί άμεση ενσυναίσθηση. Αντικείμενα που φέρουν μνήμες, η πολύπλοκη στρωμάτωση του ιταλικού τοπίου και οι άνθρωποι της περιοχής κατοικούν τις φωτογραφίες του, δίνοντας μια αίσθηση οικειότητας και παρέχοντας ταυτόχρονα στοιχεία με τα οποία ο αναγνώστης μπορεί να ταυτιστεί με τον κόσμο που απεικονίζει. Αυτή η αναγνωρισιμότητα των θεμάτων του συνυπάρχει με μια αναλυτική στάση που υιοθετεί ο καλλιτέχνης. Τα ερωτήματα και τα θέματα που θέτουν τα έργα του συνδέονται με τη φωτογραφική τεχνική: η δημιουργία εικόνων στις οποίες συνυπάρχουν διαφορετικές χρονικότητες, η φωτογραφική σύνθεση που ταυτόχρονα αποκλείει και περιλαμβάνει, η διπλή πραγματικότητα που είναι εγγενής στη φωτογραφία, η αποκάλυψη αυτού που παραμένει άγνωστο ή αόρατο παρά το γεγονός ότι βρίσκεται μπροστά στα μάτια όλων καθημερινά.



Λουίτζι Γκίρι,
Μόντενα, 1980
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Λουίτζι Γκίρι,
Ρώμη, 1979
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Λουίτζι Γκίρι,
Μόντενα, 1980
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Λουίτζι Γκίρι,
Μόντενα, 1980
© Κληρονόμοι του Λουίτζι Γκίρι

Οι polaroid, μικρές και μεγάλες, αποκαλύπτουν έναν άγνωστο Γκίρι. Από τη μία πλευρά, ο φωτογράφος που στα τέλη της δεκαετίας του εβδομήντα, μετά από μια δεκαετία αυστηρού εννοιολογικού και τεχνικού ελέγχου των φωτογραφιών του, αγκαλιάζει την τυχαιότητα που προσφέρει η στιγμιαία φωτογραφία και τη δυνατότητα να δει αμέσως το αποτέλεσμα της εικόνας. Από την άλλη, ο φωτογράφος που, μακριά από την ιδιαίτερη πατρίδα του, ανακατασκευάζει αλλού τον κόσμο του από αντικείμενα και στρώσεις μνήμης, τοποθετώντας ορισμένα αντικείμενα, που επιλέχθηκαν στην Ιταλία και μεταφέρθηκαν στην Ολλανδία σε μια βαλίτσα, μπροστά από τη φωτογραφική μηχανή.

Η έκθεση στοχεύει να παρακινήσει ένα νεότερο κοινό να αναλογιστεί τις ομοιότητες μεταξύ της στιγμιαίας αναλογικής φωτογραφίας και της άμεσης απόλαυσης των εικόνων, που τυποποιούνται από τη χρήση smartphones και ψηφιακής φωτογραφίας.  Η ενότητα Polaroid 79-83 επιβεβαιώνει έτσι την ικανότητα του Κέντρου Pecci να προτείνει απροσδόκητες αναγνώσεις ακόμη και γνωστών μορφών, αναδεικνύοντας πτυχές ιδιαίτερης σημασίας. Αυτή η εκθεσιακή πρόταση μπορεί να παρακινήσει το κοινό να συνεχίσει την εξερεύνηση του έργου του φωτογράφου και να γνωρίσει μια λιγότερο γνωστή πτυχή του έργου του δασκάλου μέσα από το συγκεκριμένο σύνολο έργων.


22 Νοεμβρίου 2025 – 10 Μαΐου 2026
Λουίτζι Γκίρι. Polaroids '79-'83
Πράτο
Κέντρο Σύγχρονης Τέχνης Luigi Pecci


 

 

δείτε επίσης:


οι Polaroid του Νομπουγιόσι Αράκι

 

 

επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα 

© periopton





Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)