periopton

where art is always in focus

23.2.26

Μουσείο Σύγχρονης Φωτογραφίας, επετειακή έκθεση για τα 50 χρόνια του

4' διάβασμα

 

 

 

 

 



© Ραούλ Κοράλες, 
'Μαρία και Μάριο. Δύο φωτογράφοι, δύο εποχές, δύο χώρες', 1980
 

Το 2026, το Μουσείο Σύγχρονης Φωτογραφίας (MoCP) στο Κολλέγιο Κολούμπια -Σικάγο, σηματοδοτεί την 50ή επέτειό του, ένα ορόσημο που προκαλεί προβληματισμό σχετικά με τη μεταβαλλόμενη κατάσταση της φωτογραφίας στο πολιτιστικό τοπίο. Ιδρύθηκε το 1976 και ξεκίνησε τη συλλογή του το 1979, το μουσείο έχει αποκτήσει πάνω από 18,000 έργα από περισσότερους από 2,000 καλλιτέχνες, σχηματίζοντας μια συλλογή που καταγράφει μισό αιώνα αισθητικών, πολιτικών και τεχνολογικών αλλαγών. Η επετειακή έκθεση 'MoCP at Fifty: Collecting Through the Decades' λειτουργεί τόσο ως εορταστική χειρονομία όσο και ως κριτική έρευνα για το πώς τα ιδρύματα διαμορφώνουν τη φωτογραφική ιστορία. Προσφέρει μια ευκαιρία να κοιτάξουμε πίσω στις εξελισσόμενες προτεραιότητες του μουσείου και να εξετάσουμε πώς αυτές έχουν διασταυρωθεί με ευρύτερες συζητήσεις στη σύγχρονη τέχνη. Η άνοδος της φωτογραφίας από περιφερειακό μέσο σε κεντρική πολιτιστική δύναμη είναι αποτυπωμένη στην τροχιά του μουσείου. Στα 50 του, το MoCP στέκεται τόσο ως αρχείο όσο και ως συνομιλητής, ασχολούμενο με το παρελθόν, παραμένοντας συντονισμένο με το μέλλον της φωτογραφίας.



© Ούτα Μπαρθ, 
'Πεδίο #3', 1995

Η προέλευση του μουσείου συμπίπτει με μια περίοδο που η φωτογραφία εξακολουθούσε να διαπραγματεύεται τη νομιμότητά της στον κόσμο της τέχνης. Στη δεκαετία του 1970, η φωτογραφική πρακτική συχνά υποβιβαζόταν σε τεκμηριωτικά ή εμπορικά πλαίσια, με τα ιδρύματα καλών τεχνών να διστάζουν να αποδεχτούν τις εννοιολογικές δυνατότητές της. Κατά τη διάρκεια των επόμενων δεκαετιών, το MoCP ήταν μέρος ενός παγκόσμιου κινήματος για τον επαναπροσδιορισμό της φωτογραφίας ως πνευματικά απαιτούμενη και αποφασιστικής σημασίας πρακτική. Η συλλογή του αντανακλά τις μετατοπίσεις από τον μοντερνιστικό φορμαλισμό στη μεταμοντέρνα κριτική, από τις αναλογικές διαδικασίες έως τον ψηφιακό και μετα-ψηφιακό πειραματισμό. Αυτές οι μεταβάσεις αντικατοπτρίζουν ευρύτερους κοινωνικούς και τεχνολογικούς μετασχηματισμούς, υπογραμμίζοντας την ικανότητα της φωτογραφίας να καταγράφει την ιστορική αλλαγή. Η ανάπτυξη του μουσείου είναι αδιαχώριστη από την ιστορία της επέκτασης των ορισμών της φωτογραφίας.

Βασικά, η ιστορία του MoCP αποκαλύπτει επίσης την πολιτική της συλλογής και των ευθυνών που συνοδεύουν τη θεσμική εξουσία. Οι πρώτες δεκαετίες της συλλογής χαρακτηρίστηκαν από σημαντικές παραλείψεις, ιδιαίτερα την υποεκπροσώπηση των γυναικών και των έγχρωμων καλλιτεχνών. Τα κενά αυτά δεν ήταν αποτέλεσμα καλλιτεχνικής απουσίας αλλά δομικών προκαταλήψεων που διαμόρφωσαν πολιτικές απόκτησης και επιμελητικών προτεραιοτήτων. Τις επόμενες δεκαετίες, η συλλογή έγινε μια σκόπιμη πράξη διόρθωσης, επιδιώκοντας να διευρύνει τον κανόνα και να αναγνωρίσει ποικίλες πρακτικές και προοπτικές. Η Κάρεν Ιρβάιν, επιμελήτρια και αναπληρώτρια διευθύντρια, αναλογίζεται αυτή την εξελισσόμενη αποστολή, δηλώνοντας: «Πάνω από πέντε δεκαετίες, το MoCP έχει χτίσει μια συλλογή που ανιχνεύει τη μετατόπιση του πολιτιστικής, πολιτικής και οπτικής ιστορίας. Αυτή η στιγμή μας επιτρέπει να κοιτάξουμε πίσω με περισυλλογή και να γιορτάσουμε τα έργα της συλλογής, γνωρίζοντας ότι κάθε φωτογραφία που διαχειριζόμαστε γίνεται μέρος μιας μεγαλύτερης συζήτησης για το πώς οι εικόνες διαμορφώνουν την κατανόησή μας για τον κόσμο. Τα λόγια της αναδεικνύουν την επίγνωση του μουσείου ότι η συλλογή είναι μια ενεργή, ηθική και πολιτική διαδικασία και όχι μια ουδέτερη συσσώρευση αντικειμένων.


© Γουέι Σεν, 
'φωτογραφική στιγμή', 
Guilin, Guangxi Province, 2013

© Μάριο Αλγκάζε, 
'μαλλί της γριάς', 
Mexico D.F., 1981

© Μάρσαλ Σετλ, 
'Wonder Lodge', 2013

© Μπομπ Θαλ,
 Σικάγο, 1982

Η επετειακή έκθεση συγκεντρώνει περισσότερα από 100 έργα που αποτελούν παράδειγμα του εύρους των εκθεμάτων του MoCP. Στους καλλιτέχνες που έχουν παρουσιαστεί περιλαμβάνονται οι Τζόελ Στέρνφελντ, Μπάρμπαρα Κρέιν, Μάθιου Φίνλεϊ, Κάρι Μέι Γουίμς, Γιασουχίρο Ισιμότο, Νταγιανίτα Σινγκ, Μπομπ Θαλ και 
Καρλότα Κόρπρον μεταξύ άλλων. Οι έγχρωμες φωτογραφίες του Στέρνφελντ προσφέρουν ένα αθόρυβα εμβόλιμο πορτρέτο της αμερικανικής ζωής, αποκαλύπτοντας αντιφάσεις ενσωματωμένες σε καθημερινές σκηνές. Οι πειραματικές συνθέσεις του Κρέιν ωθούν τη φωτογραφία προς την αφαίρεση, εξερευνώντας τη μορφή, την επανάληψη και την αντίληψη. Η εργασία της Γουίμς διερευνά ιστορίες φυλής, φύλου και εκπροσώπησης, ενώ τα εννοιολογικά έργα της Σινγκ αμφισβητούν τον τρόπο με τον οποίο οργανώνονται, αρχειοθετούνται και διαδίδονται οι εικόνες. Οι μοντερνιστικές μελέτες της αρχιτεκτονικής του Ισιμότο και οι αναζητήσεις του Θαλ για το τοπίο βρίσκονται παράλληλα με τα αφηρημένα φωτογράμματα της Κόρπρον, αποδεικνύοντας την αισθητική ποικιλομορφία της συλλογής.

Βασικά θέματα που αναδύονται από την έκθεση' MoCP at Fifty' περιλαμβάνουν την πολιτική της συλλογής, την εξέλιξη των φωτογραφικών τεχνολογιών και τον ρόλο του μουσείου στη διαμόρφωση των προτύπων. Αντιπαραθέτοντας έργα από διαφορετικές δεκαετίες, η έκθεση αποκαλύπτει πώς εξακολουθούν να υπάρχουν ορισμένες ανησυχίες, ενώ άλλες αναδύονται ως απάντηση στα μεταβαλλόμενα πλαίσια. Οι εννοιολογικές πρακτικές που κάποτε θεωρούνταν περιθωριακές είναι πλέον κεντρικές για τον σύγχρονο λόγο, ενώ οι προσεγγίσεις τεκμηρίωσης συνεχίζουν να προσαρμόζονται στις νέες πολιτικές πραγματικότητες. Η έκθεση παρακολουθεί επίσης τη μετάβαση από το αναλογικό στις ψηφιακές διαδικασίες, υπογραμμίζοντας τον τρόπο με τον οποίο η τεχνολογική αλλαγή αναδιαμορφώνει την οπτική γλώσσα και την εμπλοκή του κοινού. Συλλογικά, τα έργα υπογραμμίζουν την ικανότητα της φωτογραφίας να ταλαντεύεται μεταξύ τεκμηρίωσης και εικασίας, μεταξύ ευρετηρίου και επινόησης. Η έκθεση καλεί τελικά τους θεατές να εξετάσουν πώς οι θεσμοί κατασκευάζουν αφηγήσεις και πώς θα μπορούσαν να επαναπροσδιοριστούν αυτές οι αφηγήσεις.

 

 

© Τζόελ Στέρνφελντ, 
'Κοντά στη Λίμνη Πάουελ', 
Αριζόνα,1979

© Τζέι Κινγκ, 
'χωρίς τίτλο', 
από την ενότητα Changing Chicago Project, 1987–1988

© Σίλα Πρι Μπράιτ, 
'Άτιτλο 8', 
από την ενότητα «Suburbia», 2006

© Μιράζ Πατέλ, 
'Άτιτλο', 2021


Σε μια εποχή κορεσμένη με εικόνες, εκθέσεις όπως το 'MoCP at Fifty' προσφέρουν μια ζωτικής σημασίας αντίστιξη στην εφήμερη ποιότητα της ψηφιακής κουλτούρας. Μας υπενθυμίζουν ότι η φωτογραφία έχει μια ιστορία που διαμορφώνεται από ιδρύματα, καλλιτέχνες και κοινό και ότι αυτή η ιστορία παραμένει ανοιχτή στην αναθεώρηση. Ως εκ τούτου, η επετειακή έκθεση του MoCP δεν είναι απλώς ένας εορτασμός της μακρόχρονης παρουσίας του, αλλά ένας στοχασμός για την ευθύνη, τη δύναμη και τη δημιουργία του νοήματος. Σήμερα, το μουσείο στέκεται τόσο ως κηδεμόνας όσο και ως προβοκάτορας, διατηρώντας το παρελθόν, ενώ αμφισβητεί τις δικές του αφηγήσεις. Η φωτογραφία, όπως καθιστά σαφές αυτή η έκθεση, ποτέ δεν μένει ακίνητη, εξελίσσεται σε διάλογο με τον κόσμο που επιδιώκει να αναπαραστήσει και να επαναπροσδιορίσει.

 

'MoCP at Fifty: Collecting Through the Decades'  μέχρι τις 16 Μαΐου

 

 

επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)

 

 

Το άρθρο αντλεί πληροφορίες από aestheticamagazine
 

21.2.26

Γκουίντο Γκουίντι, το άλμουμ του χρόνου

3.30' διάβασμα

 

 

 

'Col tempo, 1956–2024'


In Veneto 1984-89
© Guido Guidi


Το LE BAL αποτίει φόρο τιμής στον Γκουίντο Γκουίντι, μια εξέχουσα προσωπικότητα της ευρωπαϊκής φωτογραφίας. Από τη δεκαετία του 1960, η συνεισφορά του στη γλώσσα της εικόνας έχει δώσει ζωή σε μια από τις πιο χαρακτηριστικές οπτικές ποιητικές εκφράσεις της εποχής μας. Για πρώτη φορά στο LE BAL, 70 χρόνια με τη ματιά του παίρνουν μορφή σε 400 vintage εκτυπώσεις που δημιούργησε ο καλλιτέχνης, σε συνεργασία με το MAXXI – Museo nazionale delle arti del XXI secolo στη Ρώμη.

Ο Γκουίντο Γκουίντι, γεννημένος στην Ιταλία το 1941, ανήκει σε μια γενιά καλλιτεχνών που μεταμόρφωσαν βαθιά τη σχέση μεταξύ της φωτογραφικής γλώσσας και της αντίληψης του τοπίου. Η προσοχή του στρέφεται τόσο σε θραύσματα καθημερινών, φαινομενικά αδιάφορων τοπίων στη Ρομάνια—την περιοχή όπου έχει πάντα ζήσει—όσο και σε εμβληματικά έργα σημαντικών προσωπικοτήτων της αρχιτεκτονικής. Δίνοντας ίση σημασία στο κοινότοπο και το μνημειώδες, στις παραβλεπόμενες λεπτομέρειες καθώς και στις καθοριστικές μορφές, σταδιακά διαμόρφωσε μια ριζοσπαστική θέση, μέχρι το σημείο να αναγνωρίζεται σήμερα από τους συναδέλφους του ως βασική αναφορά στην ιστορία του μέσου.



Col tempo, 1956–2024
© Guido Guidi

Col tempo, 1956–2024
© Guido Guidi

Col tempo, 1956–2024
© Guido Guidi

Col tempo, 1956–2024
© Guido Guidi

Η έκθεση κινείται πάνω στη γραμμή μιας «ποιητικής της προσοχής»—μια πρόσκληση να παραμείνουμε, να παρατηρήσουμε πραγματικά, να αγγιχτούμε από τη σκιά—όχι ως κενό, αλλά ως ένας τόπος όπου το φως, ο χώρος και η μνήμη συναντιούνται. Η επιμελητική επιλογή να διασπάσει τη φωτογραφική ενότητα υπέρ των ποιητικών και μορφικών εντάσεων ενισχύει την ιδέα της φωτογραφίας όχι ως περιγραφή, αλλά ως πρόκληση· όχι ως επιβεβαίωση, αλλά ως διερεύνηση.

Σε μια εποχή που κυριαρχείται από την επείγουσα ανάγκη και την υπερβολική έκθεση, οι εικόνες του Γκουίντι μας υπενθυμίζουν ότι το να βλέπεις είναι ήδη το να σκέφτεσαι, ότι στη σκιά κρύβεται μια μορφή αλήθειας, και ότι ίσως μόνο μέσω αυτού που μας διαφεύγει—μέσω του κενού, της σιωπής και της περισυλλογής—μπορούμε πραγματικά να μάθουμε να κατοικούμε ξανά τον κόσμο.

Αυτό το απίστευτα διακριτικό δώρο που προσφέρει στον θεατή προέρχεται από την εστίαση σε λίγα μόνο βασικά στοιχεία: το φως και τις παραλλαγές του, τους πιο καθημερινούς χώρους ή τα πιο συνηθισμένα πράγματα ακριβώς μπροστά μας. Και βέβαια τη σκιά. Στην πραγματικότητα, η σκιά είναι το σημείο όπου το φως, ο χώρος και η ροή του χρόνου συγκλίνουν.



Ronta, 11.08.1999 
© Guido Guidi

Treviso, 1979
© Guido Guidi

Fosso Ghiaia, 1971
© Guido Guidi

Preganziol, 1983 
© Guido Guidi

Ronta, 2023
© Guido Guidi

Οι φωτογραφίες του αποτελούνται από σκιές και αντανακλάσεις, από μερικώς κρυμμένες ανθρώπινες παρουσίες, από λωρίδες φωτός και εύθραυστα ίχνη. Καταλαμβάνουν έναν είδος «διακριτικού» χώρου στην αντίληψή μας—θα μπορούσαν σχεδόν να περάσουν απαρατήρητες. Δεν ζητούν επιτακτικά την προσοχή· αντίθετα, φαίνεται να είναι εστιασμένες στο να την προσφέρουν στα πιο ταπεινά αντικείμενα, στους πιο απλούς χώρους. Αυτό δημιουργεί κάτι αρκετά ιδιαίτερο: ο θεατής έχει την ευκαιρία να εξαγνίσει το βλέμμα του, να βγει έξω από ένα καθεστώς συνεχούς γοητείας που συχνά διέπει την παρατήρησή μας. Αυτό το βλέμμα έχει έναν σκοπό: να προσφέρει αυτό που πιστεύουμε ότι αξίζει να δει κανείς, ελπίζοντας ότι μπορεί επίσης να τραβήξει την προσοχή των άλλων —και ίσως ακόμη και της ίδιας της ιστορίας.
Η προσοχή, ειδικά σήμερα, κατέχει έναν ισχυρό πολιτικό ρόλο: αντιστέκεται στον κυνισμό, την διάβρωση των πολιτιστικών αξιών και την εκμεταλλευτική στάση που συχνά υιοθετούμε απέναντι στα πράγματα, το περιβάλλον και ο ένας στον άλλον. Μια κοινωνία αρχίζει να χάνει τον εαυτό της όταν σταματά να δίνει προσοχή στα πράγματα, τις χειρονομίες και τις στάσεις. Πρέπει να θυμόμαστε τι έγραψε η Σιμόν Βέιλ: ότι η προσοχή είναι «η πιο σπάνια και αγνή μορφή γενναιοδωρίας».

Στο έργο του Γκουίντι συναντάμε τη συνύπαρξη του λυρισμού και της αυστηρότητας, της αφαίρεσης και της συγκεκριμενοποίησης, με αξιοσημείωτη συνέπεια. Είναι μια ποιότητα που μοιάζει ταυτόχρονα σκόπιμη και αυθόρμητη. Πολλές από τις φωτογραφίες του παρουσιάζουν μια ιδιαίτερη γεωμετρία στο κάδρο, αλλά αν τις κοιτάξετε προσεκτικά, θα διαπιστώσετε ότι δεν πρόκειται για μια γεωμετρία που επιβάλλεται στην πραγματικότητα. Αντίθετα, είναι μια γεωμετρία που αποκαλύπτεται από την ίδια την πραγματικότητα.
Κάτι παρόμοιο συμβαίνει με την ένταση μεταξύ αφαίρεσης και ρεαλιστικότητας: ορισμένες εικόνες διαθέτουν την καθαρότητα και την αγνότητα της αφηρημένης σύνθεσης, ωστόσο η «ύλη» τους είναι βαθιά ριζωμένη στην πραγματικότητα, όπως ο τοίχος μιας αποθήκης εργαλείων, μια λωρίδα ασφάλτου, το μεταλλικό πλαίσιο μιας άδειας διαφημιστικής πινακίδας.
Έχει κανείς σχεδόν την αίσθηση ότι αυτή η εικόνα περιμένει να υποδεχθεί άλλες, σαν να ήταν μια οθόνη για τη φαντασία μας, έτοιμη να αντικατοπτρίσει οτιδήποτε προβάλλουμε πάνω της. Ωστόσο, ως φωτογραφία, είναι επίσης μια απτή υπενθύμιση για κάτι που κάποτε υπήρξε και δεν υπάρχει πια. Έτσι, βρισκόμαστε μέσα σε αυτή την παραγωγική αντίφαση, αυτή την αντιληπτική ένταση: η φωτογραφία μας προσελκύει προς μια πραγματικότητα που διαφεύγει, ενώ ταυτόχρονα ανοίγει έναν χώρο για τον εσωτερικό μας κόσμο.



© Guido Guidi

Col tempo, 1956–2024
© Guido Guidi

Col tempo, 1956–2024
© Guido Guidi

In Veneto 1984-89
© Guido Guidi

In Veneto 1984-89
© Guido Guidi

Sardegna, 1974
© Guido Guidi

In Veneto 1984-89
© Guido Guidi

Lizzano, 1972
© Guido Guidi

Ronta, 2023
© Guido Guidi

Ο Γκουίντι έχει χαράξει έναν δρόμο με ένα ύφος που, θεωρητικά, μπορεί να φαίνεται πολύ δυσπρόσιτο, πολύ «παράπλευρο», πολύ επικεντρωμένο στο ταπεινό και το μπανάλ.
 Και όμως, κατά την ανάγνωση των φωτογραφιών διαπιστώνεται ότι το έργο του εντάσσεται σε μια βαθιά ιταλική παράδοση, η οποία αναζητά τη σιωπή στην καθημερινότητα. Μια παράδοση που εκτείνεται από τον Αντονιόνι και τον Μοάντι μέχρι τον Πιέρο ντέλλα Φραντσέσκα.



LE BAL, 6 Impasse de la Défense, Paris, France, 
διάρκεια: 20/2 έως 24/5/2026 

 

 

επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)

 

16.2.26

οι «ουρανογραφίες» του Αυγούστου Στρίντμπεργκ

 5' διάβασμα

 

 

 

Έχετε αναρωτηθεί ποτέ πώς θα ήταν να δημιουργείτε φωτογραφίες χωρίς φωτογραφική μηχανή;
Όταν η φωτογραφία βρισκόταν ακόμα σε πρώιμο στάδιο, αναπτύχθηκαν τεχνικές που επέτρεπαν τη φωτογραφία χωρίς κάμερα. Μια τέτοια τεχνική ήταν η διαδικασία του χημειογράμματος, η οποία απαιτούσε μόνο χημικά και φωτογραφικό χαρτί για να δημιουργηθεί μια εικόνα. Η προέλευση της τεχνικής παραμένει ασαφής. Ωστόσο, το παλαιότερο σωζόμενο χημειόγραμμα δημιουργήθηκε από τον Σουηδό θεατρικό συγγραφέα, ζωγράφο και φωτογράφο, Αύγουστο Στρίντμπεργκ.



Αύγουστος Στρίντμπεργκ (1886) Αυτοπροσωπογραφία, Γκερσάου, Ελβετία

Άνθρωπος με πολλά ταλέντα, ο Στρίντμπεργκ έλκονταν από τον νυχτερινό ουρανό και την αιθέρια ομορφιά του. Πίστευε ακράδαντα ότι οι κάμερες αλλοίωναν την αναπαράσταση της πραγματικότητας, και έτσι στράφηκε στα αστέρια στον νυχτερινό ουρανό. Εμβάπτισε τη φωτογραφική πλάκα σε διάλυμα εμφάνισης και την εξέθεσε στο -εξ ουρανού- φως. Το αποτέλεσμα το επονόμασε «ουρανογραφία», αλλά μέσα στον ενθουσιασμό του δεν συνειδητοποίησε ότι ήταν οι χημικές ουσίες και η σκόνη που δημιουργούσαν τα τεχνουργήματα στο χαρτί, και το αποτέλεσμα που θεωρούσε ως απόδοση του νυχτερινού ουρανού. Οι εικόνες του, ωστόσο, δεν εκτιμήθηκαν επειδή ο κόσμος τις έβλεπε για αυτό που ήταν. Ανεξάρτητα από αυτό, ο Στρίντμπεργκ παρέμεινε πιστός στην ανακάλυψη της τεχνικής που θεωρούσε ότι του επέτρεπε να απαθανατίζει αστέρια και πλανήτες.


celestograph 1, 1894
Royal Library, Stockholm

celestograph 2, 1894
Royal Library, Stockholm

Το 1956, σχεδόν μισό αιώνα μετά τον Στρίντμπεργκ, ο Βέλγος καλλιτέχνης Πιέρ Κορντιέ ανακάλυψε τυχαία τα χημειογράμματα, ενώ έγραφε μια αφιέρωση με βερνίκι νυχιών σε φωτογραφικό χαρτί. Είδε δυνατότητες στην τεχνική όσον αφορά την καλλιτεχνική έκφραση και αφιέρωσε την καριέρα του στην ανάπτυξή της. Σήμερα, είναι γνωστός ως ο πρωτοπόρος της διαδικασίας, και οι περισσότεροι καλλιτέχνες χρησιμοποιούν τη μέθοδό του για να δημιουργήσουν χημειογράμματα με τη βοήθεια χρώματος, λαδιού ή κεριού και γαλακτώματος βρωμιούχου αργύρου ζελατίνης.

 

 

Πιέρ Κορντιέ χημειόγραμμα 1

Πιέρ Κορντιέ χημειόγραμμα 2

Πεπεισμένος ότι είχε αλλάξει την εξέλιξη της ζωγραφικής προς μια προοδευτική κατεύθυνση, ο Στρίντμπεργκ δημοσίευσε το δοκίμιό του για το τυχαίο και την καλλιτεχνική παραγωγή σε ένα παρισινό περιοδικό. (βλέπε: Για το τυχαίο στην καλλιτεχνική δημιουργία)  Και στην πειραματική του φωτογραφία από την ίδια χρονιά, υπάρχουν παραδείγματα εικόνων που ευθυγραμμίζονται ακόμη περισσότερο με αυτό που ονόμαζε «φυσική τέχνη». Στις «ουρανογραφίες» του, οι επιφάνειες όχι μόνο φαίνονται φθαρμένες με μια ατμοσφαιρικά δημιουργημένη πατίνα, αλλά ακόμη μοιάζουν να έχουν δημιουργηθεί σε φυσική συνεργασία με τον καιρό.


«Σήμερα, στην εποχή των ακτίνων Χ, το θαύμα ήταν ότι δεν χρησιμοποιήθηκε ούτε φωτογραφική μηχανή ούτε φακός. Για μένα αυτό σημαίνει μια μεγάλη ευκαιρία να παρουσιάσω τις πραγματικές συνθήκες, μέσω των φωτογραφιών μου που έγιναν χωρίς κάμερα και φακό, και καταγράφουν τον ουρανό στις αρχές της άνοιξης του 1894.» σημειώνει ο Στρίντμπεργκ 

Ο Στρίντμπεργκ δεν εμπιστευόταν τους φακούς των φωτογραφικών μηχανών, καθώς θεωρούσε ότι έδιναν μια παραμορφωμένη αναπαράσταση της πραγματικότητας. Με τα χρόνια κατασκεύασε αρκετές απλές φωτογραφικές μηχανές χωρίς φακό, φτιαγμένες από κουτιά πούρων ή παρόμοια κουτιά από χαρτόνι, στα οποία είχε τρυπήσει το μπροστινό μέρος με μια βελόνα δημιουργώντας μια μικροσκοπική τρύπα. Αλλά τα ουρανογραφήματα παράγονταν με μια ακόμη πιο άμεση μέθοδο, χωρίς τη χρήση φακού ούτε κάμερας. Τα πειράματα περιλάμβαναν απλά την τοποθέτηση των φωτογραφικών πλακών σε ένα περβάζι παραθύρου ή ίσως απευθείας στο έδαφος (μερικές φορές, μας λέει, ήδη μέσα στο λουτρό εμφάνισης) και την έκθεσή τους στον έναστρο ουρανό.



ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ
'η Σελήνη του Κόκκινου Ελαφιού'

ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ
'η Σελήνη του Λουλουδιού'

ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ
'η Σελήνη του Θερισμού'

Οι μαύρες ή σκουρόχρωμες εικόνες που τελικά  εμφανίστηκαν είναι διάστικτες με μυριάδες μικρές, πιο ανοιχτόχρωμες κουκκίδες που ο Στρίντμπεργκ πίστευε ότι ήταν αστέρια. Δεν μπορεί να αποκλειστεί το ενδεχόμενο να ήταν σταγόνες δροσιάς, κάποιο είδος ατμοσφαιρικών σωματιδίων ή απλώς σωματίδια στον εμφανιστή. Μόλις τελείωσαν τα πειράματα, ο Στρίντμπεργκ έστειλε τόσο τις φωτογραφίες όσο και μια γραπτή αναφορά στον διάσημο αστρονόμο Καμίλ Φλαμαριόν, στο Παρίσι. Αλλά παρά τις δικές του μυστικιστικές τάσεις, ο Φλαμαριόν πρέπει να θεωρούσε αυτή τη φωτογραφική μέθοδο υπερβολικά παράλογη και ο Στρίντμπεργκ δεν έλαβε ποτέ την επίσημη αναγνώριση την οποία λαχταρούσε. Πράγματι, ως συμβολή στην επιστήμη ή ως αναπαράσταση της φύσης, αυτές οι εικόνες είναι φυσικά άχρηστες. Η φανταστική τους αξία, ωστόσο, είναι ένα εντελώς διαφορετικό ζήτημα.

Σίγουρα, οι φωτογραφίες συχνά μοιάζουν με νυχτερινές ουράνιες σκηνές. Αλλά θα μπορούσες εξίσου εύκολα να δεις χαλίκι ή σκόνη, κοντινά πλάνα φθαρμένης ασφάλτου ή ένα κομμάτι σκούρου χώματος. Στην πραγματικότητα, οι εικόνες δεν διαφέρουν εντελώς από τις τοπογραφικές μελέτες της γης που πολύ αργότερα, τη δεκαετία του 1950, απασχόλησαν τον Ζαν Ντιμπιφέ, τις οποίες ονόμασε υφολογίες. Το μεγαλείο των φωτογραφιών του Στρίντμπεργκ έγκειται ακριβώς στο ότι προσφέρουν αυτή τη διπλή θέαση, όπου ο έναστρος ουρανός και η γήινη ύλη φαίνεται να κινούνται μέσα και διαμέσου ο ένας του άλλου.


Ζαν Ντιμπιφέ
υφή του Ήλιου (1959)

Ζαν Ντιμπιφέ
υφολογία LX (Διακοπές στον Ήλιο)

Αυτό που κάνει αυτές τις εικόνες τόσο «μοντέρνες» είναι ότι αποτελούν επίσης συγκεκριμένα παραδείγματα ενός είδους χημικού νατουραλισμού (όπως στο έργο των Πόλκε, Κίφερ και πολλών άλλων σύγχρονων καλλιτεχνών). Ο Στρίντμπεργκ επέμενε ότι η τέχνη θα έπρεπε να προσπαθήσει να «μιμηθεί τον τρόπο δημιουργίας της φύσης», και σε αυτά τα ουρανογραφίες η εικόνα και ο κόσμος έχουν πλησιάσει ο ένας τον άλλο σε τέτοιο βαθμό που σχεδόν συγχωνεύονται. Όποιες συμπτώσεις κι αν δημιούργησαν αυτές τις εικόνες, το θέμα τους εμφανίζεται λιγότερο ως φωτογραφική εικόνα και περισσότερο ως «έργο» της ίδιας της φύσης.
Οι μετασχηματιστικές διεργασίες της φύσης συνέχισαν να επηρεάζουν τις φωτογραφίες κατά τον αιώνα που έχει περάσει από τότε που δημιουργήθηκαν. Αποτυπώματα αντίχειρα έχουν αφήσει ίχνη, και λιπαροί λεκέδες ή από μελάνι στο πίσω μέρος με τον καιρό έχουν διαχυθεί στο χαρτί. Παραδόξως, αυτό δεν έχει καταστρέψει, αλλά μάλλον έχει τελειοποιήσει αυτές τις εικόνες της νύχτας – άλλοτε με ελαφριά πέπλα γαλαζωπής ομίχλης, άλλοτε με οξειδωμένα σημεία στο καφέ της σκουριάς, που θα μπορούσαν ενδεχομένως να είναι διαστρικά νεφελώματα σκόνης ή απλώς συνηθισμένοι γήινοι ουρανοί φωτισμένοι από κάτω.

Είναι πολύ πιθανό αυτά τα «σύννεφα» ή αυτό το «κυκλικό νεφέλωμα» να είναι λεπτομέρειες που ο ίδιος ο Στρίντμπεργκ δεν είδε ποτέ, και ότι εμφανίστηκαν πολύ αργότερα. Αλλά είναι εξίσου πιθανό αυτή να ήταν μια μεταμόρφωση που θα του άρεσε. Μετά τα μέσα της δεκαετίας του 1890 πίστευε όλο και περισσότερο ότι η φύση έχει πνευματικό χαρακτήρα και, σε συμφωνία με μεγάλο μέρος της ρομαντικής φιλοσοφίας της φύσης της εποχής, ισχυρίστηκε ότι η φύση τείνει να εκδηλώνεται στον άνθρωπο με σημεία και σύμβολα που είναι δύσκολο να ερμηνευτούν. Τα τελευταία χρόνια της ζωής του ασχολήθηκε πολύ με τα σύννεφα, και κατά τη διάρκεια του 1907 και του 1908 παρατηρούσε συχνά σχηματισμούς σύννεφων που επέστρεφαν στα ίδια σχήματα και στα ίδια μέρη γύρω από τη Στοκχόλμη. Σε μια προσπάθεια να καταλάβει τι θα μπορούσαν να «σημαίνουν», φωτογράφισε και έκανε πολλά σχέδια αυτών των νεφελωμάτων, ενώ περιέγραψε επίσης το φαινόμενο στο «Ένα Μπλε Βιβλίο».



ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ 
'έναστρος ουρανός'
Εθνική Βιβλιοθήκη της Σουηδίας

ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ 
'πανσέληνος'
Εθνική Βιβλιοθήκη της Σουηδίας

ουρανογραφία του Στρίντμπεργκ 
'ο ήλιος'
Εθνική Βιβλιοθήκη της Σουηδίας

Ο Γκαίτε και ο Κόνσταμπλ ήταν από τους πρώτους που ασχολήθηκαν με μια αναλυτική, σχεδόν επιστημονική μελέτη των νεφών, και η μελέτη των νεφών παρουσίαζε τεράστιο ενδιαφέρον για πολλούς άλλους τοπιογράφους του δέκατου ένατου αιώνα. Αλλά ο Στρίντμπεργκ δεν είναι ζωγράφος της υπαίθρου. Διαβάζει τα σύννεφα λιγότερο μετεωρολογικά και περισσότερο μεταφορικά. Αυτό που έχουν να πουν για την ατμοσφαιρική πίεση και τις καιρικές αλλαγές τον ενδιαφέρει λιγότερο από το γεγονός ότι μερικές φορές μοιάζουν με βουνά ή με ένα σωρό από βράχους. Συμβαίνει περισσότερες από μία φορές στους πίνακές του το μοτίβο να ταλαντεύεται ανάμεσα σε εικόνες νεφών και εικόνες των «Άλπεων».

Η γη και ο ουρανός επικοινωνούν μεταξύ τους. «Τα πάντα δημιουργούνται κατ' αναλογία, το κατώτερο με το ανώτερο», γράφει ο Στρίντμπεργκ. Και για τον Στρίντμπεργκ ως σχεδιαστή, ζωγράφο και πειραματικό φωτογράφο, το πραγματικό θέμα είναι πρωτίστως αυτές οι «αντιστοιχίες» που φαίνεται να αποκαλύπτουν οι εικόνες. Ακόμα και τα σύννεφα που σχεδιάζει γίνονται κατά κάποιο τρόπο ουρανογραφία· ένα είδος «ουράνιας γραφής» και ένα ακόμη παράδειγμα αυτού που έβλεπε ως καλλιτεχνική προσπάθεια της φύσης για μορφή: ένα εγγενές κρυπτογράφημα, δύσκολο να κατανοηθεί αλλά παρόλα αυτά ελπιδοφόρο, σαν μια ματιά σε μια μεγάλη άλλη, «απεριόριστη» ολότητα. (Κ. Λ.)


 

 επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)


 

10.2.26

Ο κόσμος της Τέχνης μετά τον Επστάιν

10' διάβασμα






Τα αρχεία Επστάιν αποκαλύπτουν το βάθος της ηθικής σήψης του κόσμου της Τέχνης και αποδεικνύουν πως οι παροικούντες την καλλιτεχνική κοινότητα δεν υπολήπτονται καθόλου τα έργα της πολιτιστικής δημιουργίας, παρά τα χρησιμοποιούν, πέρα από επενδυτική επιλογή, σαν δηλωτικά καλαισθησίας αλλά και εύρωστης οικονομικής κατάστασης. Έχουν μετατρέψει δηλαδή γκαλερί και μουσεία σε οιονεί ακριβά καταστήματα δώρων και ως εκ τούτου δημιουργούνται και τα αντίστοιχης αισθητικής, θεματολογικής βαρύτητας και πνευματικής πληρότητας έργα.

Γνωρίζαμε όλα όσα οφείλαμε να γνωρίζουμε για τον κόσμο της τέχνης πριν από τη δημοσίευση των αρχείων Επστάιν. Πριν από την εμφάνιση των φρικτών κατηγοριών εναντίον του μέλους του διοικητικού συμβουλίου του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης Λίον Μπλακ ή της φιλικής υποστήριξης του Επστάιν από τον πρόεδρο της Σχολής Εικαστικών Τεχνών Ντέιβιντ Α. Ρος, γνωρίζαμε για τις στενές σχέσεις μεταξύ των επικεφαλής των ιδρυμάτων και των χορηγών και μελών του διοικητικού συμβουλίου. Τις ανταλλαγές χρημάτων, δωρεών ή χάρες που τους συνδέουν.

Τι κάνουμε λοιπόν γι' αυτό; Σε ένα άρθρο του, ο αρχισυντάκτης του περιοδικού Hyperallergic Χραγκ Βαρτανιάν, θέτει ένα κρίσιμο ερώτημα: Πώς «στεγανοποιούμε» τους επικεφαλής των τεχνών να απορρίπτουν τη χρηματοδότηση από διεφθαρμένα άτομα;
«Η κουλτούρα που εκπροσωπεί ο Τζέφρι Επστάιν είναι βαθιά ριζωμένη στις δομές εξουσίας του καλλιτεχνικού κατεστημένου, οι οποίες επιβάλλονται σε όλους μας, δημιουργώντας δυναμικές που μας εκμεταλλεύονται, μας εξευτελίζουν και μας μετατρέπουν όλους σε κυνικούς», γράφει ο Βαρτανιάν. Ζητά από όλους που ανήκουν στον κόσμο της τέχνης να ανατρέξουν στο θεμελιώδες ερώτημα: Για ποιον δημιουργούμε τέχνη; Τι είμαστε διατεθειμένοι να θυσιάσουμε; 

Ζούμε σε έναν κόσμο όπου — μιλώντας για κακούς δισεκατομμυριούχους — η Washington Post, ιδιοκτησίας του Τζεφ Μπέζος, μόλις απέλυσε 300 άτομα, συμπεριλαμβανομένου του βραβευμένου με Πούλιτζερ κριτικού τέχνης Σεμπάστιαν Σμι. Αλλά το άρθρο του Βαρτανιάν απορρίπτει το πεσιμισμό — την παλιά και ηττοπαθή ρήση ότι το σύστημα ήταν πάντα έτσι και επομένως θα παραμείνει για πάντα έτσι. Η δημοκρατία πεθαίνει στο σκοτάδι, όπως λέει και το σλόγκαν μιας κάποτε σεβαστής εφημερίδας. Ας πορευτούμε προς το φως.


Ο καταδικασμένος για σεξουαλικά αδικήματα Τζέφρι Επστάιν, ο οποίος αυτοκτόνησε το 2019 ενώ βρισκόταν στη φυλακή αντιμετωπίζοντας πρόσθετες κατηγορίες σχετικά με φερόμενη σωματεμπορία στη Νέα Υόρκη και τη Φλόριντα, καλλιέργησε ένα εκτεταμένο δίκτυο ισχυρών και επιδραστικών επαφών σε ένα ευρύ φάσμα τομέων—με την τέχνη να είναι πολύ ψηλά στη λίστα. Εκτός από τις συναλλαγές του στους τομείς των χρηματοοικονομικών, της επιστήμης και της τεχνολογίας, ο φημισμένος δισεκατομμυριούχος ασχολήθηκε με καλλιτεχνικούς θεσμούς, συλλέκτες και πολιτιστικές εταιρείες που  τώρα αναθεωρούν τις σχέσεις τους με ένα πρόσωπο του οποίου το παρελθόν εξετάζεται εξονυχιστικά.

Ενώ οι θεωρίες συνωμοσίας που σχετίζονται με τα εγκλήματα του Επστάιν πολλαπλασιάζονται, το ίδιο συμβαίνει και με τις τρελές θεωρίες γύρω από τα έργα τέχνης που ανήκουν προσωπικά στον ίδιο. Κανένα έργο τέχνης δεν έχει τραβήξει περισσότερο την προσοχή από έναν πίνακα της Πετρίνα Ράιαν-Κλάιντ που απεικονίζει έναν χαμογελαστό Μπιλ Κλίντον να φοράει φόρεμα και ψηλοτάκουνα. Με τίτλο «Αναλύοντας τον Μπιλ», ο πίνακας ήταν «απλώς ένα ανόητο σχολικό έργο τέχνης που υποτίθεται ότι θα έδειχνε, εικονογραφικά, τα μηνύματα με τα οποία βομβαρδιζόμαστε σχετικά με αυτούς τους προέδρους», δήλωσε η Ράιαν-Κλάιντ στο Artnet News. Σε ένα email του 2012 που αποδεσμεύθηκε το 2026, ο Επστάιν έδωσε εντολή στον ανώνυμο παραλήπτη του να κρεμάσει το έργο σε περίοπτη θέση, «έτσι ώστε όσοι περνάνε από εκεί να χαμογελάνε».



Πετρίνα Ράιαν Κλάιντ
'αναλύοντας τον Μπιλ'

Στην έπαυλή του στη Νέα Υόρκη, ο Επστάιν παρουσίασε επίσης ένα γλυπτό μιας γυναίκας που φαίνεται να κατεβαίνει ένα σχοινί. Σε ένα δοκίμιο του Artnet, ο κριτικός Μπεν Ντέιβις ταυτοποίησε τον γλύπτη ως τον Αρνό Κάσπερ, ο οποίος εκθέτει ένα παρόμοιο έργο στον ιστότοπό του με τίτλο 'Regard sur le monde' (2019). Αλλά αυτό το έργο δεν έχει το πέπλο και το λευκό φόρεμα που έχει το γλυπτό του Επστάιν.



Ένα γλυπτό μιας νύφης που κρέμεται από ένα σχοινί 
κρεμόταν στο κεντρικό αίθριο της έπαυλης του Τζέφρι Επστάιν


Αρνό Κάσπερ
'Regard sur le monde'

Ο Ντέιβις χαρακτήρισε τη συλλογή του Επστάιν «άθλια», ένα επίθετο που θα μπορούσε να χρησιμοποιήσει κάποιος για να περιγράψει πολλά από τα αποκτήματά του, τα περισσότερα από τα οποία δεν είναι έργα ιδιαίτερα διάσημων καλλιτεχνών. Τα έργα τέχνης που κατείχε ο Επστάιν κάλυπταν όλο το φάσμα, από τα προκλητικά — στο σπίτι του υπήρχε ένας μεγάλος πίνακας του Χόρχε Αλβάρεζ με τίτλο Coming of Age Ceremony (1995), που απεικονίζει ένα νεαρό αγόρι με στύση — έως πιο κόσμια, με ένα μη σφραγισμένο έγγραφο που περιείχε μια αναλυτική λίστα με συλλογή αντικειμένων που ο Epstein προφανώς κατείχε. Όλα άξιζαν πολύ κάτω από 1 εκατομμύριο δολάρια.



Χόρχε Αλβάρεζ 
'τελετή ενηλικίωσης'

Τα μυστήρια της συλλογής του Επστάιν επανεμφανίζονται κάθε φορά που δημοσιεύεται μια νέα ομάδα αρχείων. Το 2025, όταν δημοσιοποιήθηκαν φωτογραφίες από το σπίτι του στις Παρθένες Νήσους, οι θεατές θαύμαζαν τις εικόνες από παράξενες μάσκες κρεμασμένες από τους τοίχους του. Εν τω μεταξύ, η εφημερίδα Brussels Times διεξήγαγε έρευνα για ένα γλυπτό ενός τοξότη κοντά στην πισίνα του σπιτιού και διαπίστωσε ότι ήταν αντίγραφο ενός έργου του Βέλγου μοντερνιστή Άρθουρ Ντυπάγκ, και όχι το αυθεντικό έργο.

Ωστόσο, είναι σαφές ότι ο Επστάιν ενδιαφερόταν για την τέχνη περισσότερο από ό,τι φαινόταν. Φωτογραφίες από αρχεία που δόθηκαν στο κοινό δείχνουν ότι το σπίτι του ήταν γεμάτο με τόμους τέχνης, συμπεριλαμβανομένου του καταλόγου για το «Picasso Sculpture», την μεγάλη εκθεσιακή επιτυχία του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης που παρουσίαζε ένα έργο τέχνης στην αγορά του οποίου έπαιξε ρόλο βοηθώντας τον συλλέκτη Λεόν Μπλακ. Επίσης, ενημερωνόταν για τις εξελίξεις από τον κόσμο της τέχνης. Ένα email που βρέθηκε σε αρχεία που δημοσιοποιήθηκαν το 2026 έδειξε ότι η Σουν-Γι Πρεβέν, σύζυγος του Γούντι Άλεν, έστειλε στον Επστάιν ένα άρθρο των New York Times σχετικά με αγωγή παραβίασης πνευματικών δικαιωμάτων εναντίον του Τζεφ Κουνς, τον οποίο ο Επστάιν γνώρισε το 2013.
Παρακάτω, μια σύντομη αναφορά για όσα έχουμε μάθει μέχρι τώρα σχετικά με τους δεσμούς του Επστάιν με τον κόσμο της τέχνης.



- Ρόναλντ Λόντερ, συλλέκτης 

 

 
Το όνομα του Ρόναλντ Λόντερ εμφανίστηκε περισσότερες από 900 φορές σε μια σειρά αρχείων σχετικά με τον Επστάιν που δημοσιεύθηκαν από το Υπουργείο Δικαιοσύνης τον Ιανουάριο του 2026, υποδηλώνοντας ότι ένας από τους κορυφαίους συλλέκτες τέχνης των ΗΠΑ συνάντησε τον Επστάιν σε περισσότερες από μία περιπτώσεις.
Ο Έπσταϊν φαίνεται να είχε τουλάχιστον ενημερωθεί για συναλλαγές έργων τέχνης που αφορούσαν τον Λόντερ, τον πρώην πρόεδρο του διοικητικού συμβουλίου του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης και κληρονόμο της εταιρείας Εστέ Λόντερ. Στον Επστάιν διαβιβάστηκε ένα έγγραφο που αφορούσε μια συμφωνία για την κοινή ιδιοκτησία ενός έργου τέχνης του Κερτ Σβίτερς, το οποίο ο Λόντερ αγόρασε με τον Λέον Μπλακ, του οποίου το όνομα εμφανίζεται επίσης επανειλημμένα στα αρχεία του Επστάιν. Ο Επστάιν φαίνεται επίσης να έχει προσφέρει αυτό που ένας βοηθός αποκάλεσε «καθοδήγηση» στον Λόντερ, ζητώντας σε κάποιο σημείο να δει φορολογικές δηλώσεις δύο ετών, καθώς και τη διαθήκη του Λόντερ.



- Ντέιβιντ Α. Ρος, πρώην πρόεδρος του SVA (School of Visual Arts)

 


Ο Ντέιβιντ Α. Ρος εμφανίζεται πολλές φορές στη σειρά των αρχείων που δημοσίευσε το Υπουργείο Δικαιοσύνης τον Ιανουάριο του 2026. Με βάση την αλληλογραφία σε αυτά τα έγγραφα, ο Επστάιν και ο Ρος φαίνεται να είχαν στενή σχέση. Το 2015, ο Ρος έγραψε στον Επστάιν: «Είναι θλιβερό να βλέπω πώς σε σέρνουν για άλλη μια φορά στη λάσπη. Είμαι ακόμα περήφανος που σε αποκαλώ φίλο».
Όταν κυκλοφόρησε η είδηση ​​για τις εμφανίσεις του Ρος στα αρχεία του Επστάιν, το SVA δήλωσε αμέσως ότι ο Ρος είχε παραιτηθεί. Ο Ρος δεν έχει σχολιάσει τα email του προς τον Επστάιν.



 - Zακ Λανγκ, πρώην υπουργός Πολιτισμού της Γαλλίας,

 

Ένα σύνολο αρχείων που δημοσίευσε το Υπουργείο Δικαιοσύνης το 2026 αποκάλυψε ότι ο Επστάιν και ο Zακ Λανγκ, ο οποίος υπηρέτησε δύο θητείες ως υπουργός Πολιτισμού της Γαλλίας, είχαν αλληλογραφήσει για μια σειρά θεμάτων, συμπεριλαμβανομένης της πιθανής πώλησης ενός ακινήτου στο Μαρόκο. Ο Λανγκ, ο οποίος είναι επί του παρόντος πρόεδρος του Ινστιτούτου Αραβικού Κόσμου στο Παρίσι, επιβεβαίωσε στην Le Monde ότι είχε συναντήσει τον Επστάιν για πρώτη φορά πριν από 15 χρόνια.

«Όταν δημιουργώ μια φιλική σχέση με κάποιον, συνήθως δεν τον ρωτάω για το ποινικό του μητρώο», είπε ο Λανγκ. «Εμπιστεύομαι τους ανθρώπους. Απολαμβάνω τις τυχαίες συναντήσεις της καθημερινής ζωής. Έτσι συνεχίζει να ξετυλίγεται η ζωή μου. Ήμουν εντελώς σοκαρισμένος όταν ανακάλυψα τα εγκλήματα που είχε διαπράξει».

Η κόρη του Λανγκ, Καρολίν, εμφανίζεται επίσης στα αρχεία. Είχε ιδρύσει μια εταιρεία με τον Επστάιν που ονομάζεται Prytanee LLC το 2016. Μόλις έμαθε για τα σεξουαλικά εγκλήματα του Επστάιν, όπως δήλωσε στο Agence France-Presse, έφυγε από αυτήν την εταιρεία. Περιέγραψε τον Επστάιν ως έναν «καλλιεργημένο άνθρωπο, παθιασμένο με τη σύγχρονη τέχνη» και είπε ότι ο Επστάιν «είπε σε εμένα και στον πατέρα μου ότι ήθελε να επενδύσει σε νέους Γάλλους και διεθνείς καλλιτέχνες, για να τους βοηθήσει. Μου προσφέρθηκε να δημιουργήσει ένα ταμείο και εγώ είπα ναι. Δεν ασχολήθηκα με τίποτα. Ήταν οι δικηγόροι του Τζέφρι Επστάιν που έκαναν τα πάντα, όσον αφορά την επεξεργασία».

 



- Λίον Μπλακ, συλλέκτης 

 


Οι δεσμοί του Επστάιν με τον Λίον Μπλακ άρχισαν να προκαλούν αντιπαραθέσεις το 2019, όταν αναφέρθηκε ότι ο Επστάιν παρέμεινε διευθυντής του Ιδρύματος Λίον Μπλακ - ενός φιλανθρωπικού οργανισμού με επικεφαλής τον Μπλακ, έναν επί μακρόν συλλέκτη που συγκαταλέγεται στους 200 κορυφαίους συλλέκτες - χρόνια αφότου η αμφιλεγόμενη συμφωνία παραδοχής του τον οδήγησε στη φυλακή το 2008. Λίγο αργότερα, ο οργανισμός δήλωσε ότι ο Επστάιν είχε παραιτηθεί από τη θέση του το 2007 κατόπιν αιτήματος της οικογένειας και παρέμεινε καταχωρημένος στα έγγραφα «λόγω σφάλματος καταγραφής» που διορθώθηκε μόλις ανακαλύφθηκε.

Αρχικά, ο Μπλακ προσπάθησε να αποστασιοποιηθεί από τον Επστάιν, γράφοντας στους υπαλλήλους του στην εταιρεία ιδιωτικών κεφαλαίων Apollo Global Management ότι η εταιρεία του «δεν είχε κάνει ποτέ καμία συναλλαγή με τον κ. Επστάιν σε καμία χρονική στιγμή», σε ένα εσωτερικό υπόμνημα που αναφέρθηκε από τους New York Times. Στη συνέχεια, εν μέσω αυξανόμενου ελέγχου, δημοσιεύματα των μέσων ενημέρωσης έδειξαν ότι ο Επστάιν παρείχε οικονομικές συμβουλές στον Μπλακ ενώ ήταν Διευθύνων Σύμβουλος της Apollo. Το 2021, μια έρευνα διαπίστωσε ότι ο Μπλακ πλήρωσε στον Επστάιν 158 εκατομμύρια δολάρια μεταξύ 2012 και 2017. Τα αποτελέσματα αυτής της έρευνας ώθησαν τον Μπλακ να παραιτηθεί από την Apollo. Ο Μπλακ επίσης εγκατέλειψε τη θέση του ως πρόεδρος του διοικητικού συμβουλίου του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης εκείνο το έτος εν μέσω διαμαρτυριών καλλιτεχνών, αν και από το 2026 παραμένει επίτροπος.
Έρευνα του 2021 δεν βρήκε κανένα στοιχείο που να αποδεικνύει ότι ο Μπλακ εμπλέκεται στα σεξουαλικά εγκλήματα του Επστάιν.
Μεταξύ 2025 και 2026, καθώς τα αρχεία του Επστάιν δημοσιεύθηκαν από το Υπουργείο Δικαιοσύνης στο πλαίσιο μιας ευρύτερης έρευνας, έφτασαν στο κοινό περαιτέρω στοιχεία για τους δεσμούς του με τον Μπλακ. 

 



- Στιβ Τις, συλλέκτης 

 


Μια δημοσίευση αρχείων που σχετίζονται με τον Επστάιν το 2026 από το Υπουργείο Δικαιοσύνης αποκάλυψε διάφορες ανταλλαγές με τον Στιβ Τις, τον ιδιοκτήτη των New York Giants και έναν από τους κορυφαίους συλλέκτες έργων τέχνης των ΗΠΑ, μεταξύ 2016 και 2024. Ο Τις, αλληλογραφούσε με τον Επστάιν για αρκετές γυναίκες, συζητώντας την εθνικότητα και τα χαρακτηριστικά της προσωπικότητάς τους.

«Είχαμε μια σύντομη σχέση όπου ανταλλάξαμε email για ενήλικες γυναίκες και, επιπλέον, συζητήσαμε για ταινίες, φιλανθρωπία και επενδύσεις. «Δεν αποδέχτηκα καμία από τις προσκλήσεις του και ποτέ δεν πήγα στο νησί του», δήλωσε ο Τις σε μια δήλωση του 2026, αναφερόμενος στο ιδιωτικό νησί της Καραϊβικής που κατείχε ο Επστάιν. «Όπως όλοι γνωρίζουμε τώρα, ήταν ένας απαίσιος άνθρωπος και κάποιος με τον οποίο λυπάμαι βαθιά που συνδέθηκα.»

 



- Τζεφ Κουνς, εικαστικός 

 


Ενώ οι άμεσες επικοινωνίες του Επστάιν με καλλιτέχνες φαίνεται να ήταν περιορισμένες, επικοινωνούσε μέσω email με έναν αστέρα της τέχνης: τον Τζεφ Κουνς. Η Wall Street Journal αποκάλυψε το 2023 ότι ο Επστάιν είχε επιδιώξει μια συνάντηση με τον Κουνς. Έγγραφα που αποκαλύφθηκαν το 2026 αποκάλυψαν ότι ο Επστάιν προσπάθησε όντως να επισκεφτεί το στούντιο του Κουνς με τον σκηνοθέτη Γούντι Άλεν. Ένα email του 2013 δείχνει επίσης ότι ο Κουνς αλληλογραφούσε απευθείας με τον βοηθό του Επστάιν, με τον καλλιτέχνη να του γράφει λέγοντας ότι θα παρευρισκόταν σε ένα δείπνο που διοργάνωνε ο Επστάιν. Σε δήλωσή του στο Hyperallergic, ο Κουνς επιβεβαίωσε ότι είχε παρευρεθεί στο δείπνο του Επστάιν, αλλά είπε ότι «δεν είχε σχέση» με τον Επστάιν πέρα ​​από αυτό. Επιπλέον, ο Κουνς είπε ότι δεν θυμάται τον Επστάιν να έχει επισκεφτεί το στούντιό του.

 



- Αντρές Σεράνο, εικαστικός 

 


Ο Αντρές Σεράνο, ο φωτογράφος που είναι περισσότερο γνωστός για το έργο του Piss Christ του 1987, έστειλε email στον Επστάιν, όπως έδειξε μια δημοσιοποίηση αρχείων από το 2025. «Ήμουν έτοιμος να ψηφίσω κατά του Τραμπ για όλους τους σωστούς λόγους, αλλά είμαι τόσο αηδιασμένος από την οργή για το "πιάστε τις από το μουνί" που μπορεί να του δώσω την ψήφο συμπάθειας», έγραψε ο Σεράνο στον Επστάιν πριν από τις προεδρικές εκλογές του 2016. Ο Σεράνο πρόσθεσε: «Είμαι σίγουρος ότι και ο Μπιλ Κ είπε πράγματα». Σε αυτό το email, ο Επστάιν απάντησε: «καμία καλή επιλογή, πώς είσαι;». Ο Σεράνο, ο οποίος φωτογράφισε ένα πορτρέτο του Επστάιν πριν από τον θάνατό του από αυτοκτονία το 2019, δήλωσε πως είχε «ξεχάσει» ότι είχε στείλει email στον Επστάιν, «αλλά προφανώς το είπα».

 



- Λία Κλέμαν, έμπορος τέχνης

 


Σε μια εις βάθος ανάλυση των κοινωνικών κύκλων του Επστάιν, το περιοδικό New York ανέφερε την έμπορο τέχνης Λία Κλέμαν ανάμεσα στις προσωπικότητες μιας εκτενούς λίστας που περιλαμβανόταν σε ένα «μικρό μαύρο βιβλίο» που κρατούσε με επαφές καθώς και αρχεία που κατέγραφαν σχέσεις διαφόρων ειδών. Όπως σημειώνει το New York, η Κλέμαν, η οποία έχει πουλήσει έργα τέχνης και αντίκες από το Κέντρο Τέχνης και Αντίκας του Μανχάταν, περιέγραψε τις διαπραγματεύσεις τιμών με τον Επστάιν ως «κάτι σαν σκηνή από την ταινία Μαντ Μαξ: Απόδραση από το βασίλειο του κεραυνού». Και το 2019, είπε στο Bloomberg ότι ο Επστάιν, πελάτης της για 25 χρόνια, ήθελε συμφωνίες για έργα που ήλπιζε ότι θα έκαναν εντύπωση στους άλλους: «Όταν έρχεται, είναι ο Τζέφρι Επστάιν και δικαιούται έκπτωση. Του αρέσει να προκαλεί σοκ.» 

 

 

  φωτογραφίες:

-  Ρόναλντ Λόντερ

photo: Michael Kappeler 
(dpa-picture alliance) via Getty Images

Ντέιβιντ Α. Ρος

photo: San Francisco Chronicle 
via Getty Images 

Zακ Λανγκ

photo: Bertrand Rindoff Petroff
Getty Images  

Λίον Μπλακ

photo: Dimitrios Kambouris,
Getty Images for Museum of Modern Art 

 - Στιβ Τις

photo: Donato Sardella
Getty Images for LACMA

Τζεφ Κουνς

photo: Dominik Bindl
Getty Image

Αντρές Σεράνο

photo: Joel Saget
AFP via Getty Images 

Λία Κλέμαν

photo: Patrick McMullan 
via Getty Images    

 

επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)

 

 

με στοιχεία από: ARTnews