periopton

where art is always in focus

13.8.26

Οι 'δύο Ρόμπερτ': η μετεωρική άνοδος και η τραγική λήθη των χρυσών αγοριών του Λονδίνου

 3.50' διάβασμα

 

 

 

 

 τα παιδιά-θαύματα που ξέχασε ο κόσμος της τέχνης

 

 

Ο Ρόμπερτ ΜακΜπράιντ (αριστερά) και ο Ρόμπερτ Κόλκουον στο εργαστήριό τους, 
σε φωτογραφία του Φέλιξ Μαν που τραβήχτηκε περίπου το 1945. 
Φωτογραφία: Φέλιξ Μαν, Getty Images
  

Η ιστορία της τέχνης είναι γεμάτη από λαμπερά αστέρια που έσβησαν πρόωρα, όμως λίγες περιπτώσεις είναι τόσο καθηλωτικές, ρομαντικές και ταυτόχρονα σπαρακτικές όσο αυτή του Ρόμπερτ Κολκούν και του Μπόμπι ΜακΜπράιντ. Γνωστοί στους καλλιτεχνικούς κύκλους ως «Οι Δύο Ρόμπερτ», υπήρξαν εραστές, συνοδοιπόροι, πρωτοπόροι της κουίρ καθημερινότητας και, για ένα φεγγάρι, οι απόλυτοι κυρίαρχοι της μεταπολεμικής εικαστικής σκηνής του Λονδίνου. Φωτογραφήθηκαν για τη Vogue, κινηματογραφήθηκαν από τον Κεν Ράσελ και κέρδισαν τον απέραντο θαυμασμό του Φράνσις Μπέικον, ο οποίος κάποτε δήλωσε ότι όλα όσα έμαθε για το σχέδιο, τα έμαθε από τον Κολκούν. Κι όμως, αυτό το αχώριστο δίδυμο, που κάποτε είχε τα πάντα, κατέληξε στην απόλυτη αφάνεια.

Η κοινή τους πορεία ξεκίνησε από ταξικά υποβαθμισμένα περιβάλλοντα της Σκωτίας. Ο ΜακΜπράιντ μεγάλωσε στο Μέιμπολ, δουλεύοντας σε ένα εργοστάσιο υποδημάτων για να μαζέψει χρήματα για τις σπουδές του. Ο Κολκούν, από το Κιλμάρνοκ, αναγκάστηκε αρχικά να διακόψει το σχολείο, μέχρι που ένας ιερέας διέκρινε το σπάνιο ταλέντο του και του εξασφάλισε υποτροφία. Ήταν οι πρώτοι από τις οικογένειές τους που κατάφεραν να μπουν στο πανεπιστήμιο.
Το 1933, κατά την πρώτη τους μέρα στη Σχολή Καλών Τεχνών της Γλασκώβης (GSA), οι δρόμοι τους διασταυρώθηκαν. Η έλξη και η αναγνώριση ήταν αμοιβαία και ακαριαία. Στη σχολή σάρωσαν κάθε πιθανό βραβείο. Αντιλαμβανόμενη ότι οι δύο νεαροί δεν θα χωρίζονταν ποτέ, η σχολή τους απένειμε μια κοινή ταξιδιωτική υποτροφία. Έτσι, ταξίδεψαν στην Ευρώπη, αποφεύγοντας οριακά τις φασιστικές περιπόλους του Χίτλερ, μελετώντας τον Μιχαήλ Άγγελο στη Ρώμη και αντικρίζοντας τη συγκλονιστική Γκερνίκα του Πικάσο στο Παρίσι – εμπειρίες που αποτυπώθηκαν στα γεμάτα πάθος ημερολόγιά τους.



Ρόμπερτ Κολκούν, «Οι Δουβλινέζοι»
© The Estate of Robert Colquhoun

Ρόμπερτ ΜακΜπράιντ, «Νεκρή φύση», περίπου 1947
© Estate of Robert MacBryde

Με την έκρηξη του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, οι 'Δύο Ρόμπερτ' εγκαταστάθηκαν στο Λονδίνο, όπου η καριέρα τους εκτοξεύτηκε μέσα στις στάχτες των βομβαρδισμών. Έγιναν γνωστοί ως τα «Χρυσά Αγόρια της Bond Street». Οι συνάδελφοί τους τούς αποκαλούσαν περιπαικτικά «ΜακΜπρακ» και «ΜακΠικάσο», προσωνύμια που οι ίδιοι κρυφά λάτρευαν.
Το ατελιέ τους στην οδό Bedford Gardens 77 μετατράπηκε σε καταφύγιο μιας αχαλίνωτης, μποέμικης ζωής. Εκεί διοργάνωναν ολονύχτια πάρτι όπου μπορούσες να μοιραστείς ένα ουίσκι με τη συγγραφέα Ελίζαμπεθ Σμαρτ, να χορέψεις με τους χορευτές του Βασιλικού Μπαλέτου ή να προσπαθήσεις να ακούσεις μέσα στη βαβούρα τον ποιητή Ντίλαν Τόμας να απαγγέλλει. Παρά τη σκληρή μεταπολεμική επιβολή δελτίου στα τρόφιμα, στο σπίτι τους υπήρχε πάντα φαγητό και ποτό. Ο Μπόμπι ΜακΜπράιντ είχε το χάρισμα να «ταΐζει τους πεντακισχίλιους με ένα μόνο ψάρι», ενώ ο Ρόμπερτ Κολκούν ήταν ο γοητευτικός, μελαγχολικός οικοδεσπότης. Η επιρροή τους ήταν τέτοια που ο Άλφρεντ Μπαρ, ο πρώτος διευθυντής του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης (MoMA) της Νέας Υόρκης, αγόρασε έργα και των δύο για τη μόνιμη συλλογή του, τοποθετώντας τους δίπλα στον Λούσιαν Φρόιντ και τον Φράνσις Μπέικον.



Ρόμπερτ Κολκούν, «Φιγούρες σε αγροικία»
© The Estate of Robert Colquhoun

Ρόμπερτ ΜακΜπράιντ, «Φιγούρα και νεκρή φύση»
© Estate of Robert MacBryde

Η τέχνη τους ήταν άρρηκτα συνδεδεμένη με τη συμβίωσή τους, λειτουργώντας ως ένας ενιαίος οργανισμός, όπως είχε γράψει και ο κριτικός Γουίντχαμ Λιούις. Ο ΜακΜπράιντ έγινε διάσημος για τις γεμάτες ζωντάνια νεκρές φύσεις του, όπου τα φρούτα και τα ψάρια έμοιαζαν να χορεύουν πάνω στο πιάτο, προσφέροντας μια γεύση αφθονίας σε μια εποχή στερήσεων. Αντίθετα, ο Κολκούν ειδικεύτηκε σε σκοτεινά, τραγικά πορτρέτα με πρόσωπα που έμοιαζαν με μάσκες βυθισμένες στο πένθος, απεικονίζοντας συχνά φιγούρες που κρατιούνταν σφιχτά η μία από την άλλη.Η κοινή τους ζωή, ωστόσο, ήταν ένα διαρκές έγκλημα στα μάτια του νόμου. Εκείνη την εποχή, η ομοφυλοφιλία ήταν παράνομη στη Μεγάλη Βρετανία, και η συγγραφή ενός ερωτικού γράμματος ισοδυναμούσε με ένταλμα σύλληψης. Οι 'Δύο Ρόμπερτ' αναγκάζονταν να επικοινωνούν με κώδικες και να καίνε την αλληλογραφία τους. Έζησαν από κοντά τη φρίκη των διώξεων, μαζεύοντας φίλους τους, όπως ο Ντενίς Γουίρθ-Μίλερ, από τις πύλες των φυλακών Wormwood Scrubs μετά από συλλήψεις για «σοβαρή απρέπεια». Παρά τον κίνδυνο, επέλεξαν να χτίσουν μια δημόσια, περήφανη, «παράνομη» ζωή σε ένα μόνο δωμάτιο, σπάζοντας τα κοινωνικά προκατασκευασμένα στερεότυπα.



Ρόμπερτ Κολκούν, «Φιγούρα πάνω σε άλογο»
© The Estate of Robert Colquhoun

Ρόμπερτ ΜακΜπράιντ, «Γυναίκα και το παιχνίδι Trictrac»
© Estate of Robert MacBryde

Όπως συμβαίνει συχνά με τα αστέρια που είναι πιο λαμπρά από τα άλλα, η πτώση τους ήταν απότομη. Προερχόμενοι από τη φτώχεια, δεν έμαθαν ποτέ πώς να διαχειρίζονται τον πλούτο. Ξόδευαν τα χρήματά τους πιο γρήγορα από ό,τι τα κέρδιζαν, στηρίζοντας φίλους και διοργανώνοντας πολυτελή πάρτι. Όταν οι καλλιτεχνικές τάσεις άλλαξαν και η αφηρημένη τέχνη άρχισε να κυριαρχεί, οι Ρόμπερτ, πνιγμένοι στα χρέη, δεν είχαν την πολυτέλεια του χρόνου για να πειραματιστούν.Το αλκοόλ, τα οικονομικά βάρη και το τραύμα του πολέμου άρχισαν να φθείρουν τη σχέση και την υγεία τους. Η συντηρητική κοινωνία και οι ιστορικοί τέχνης τούς υποβίβασαν σε απλούς «συγκατοίκους» ή «φίλους», σβήνοντας την κουίρ ταυτότητά τους από τα επίσημα αρχεία. Η προφητική φράση που είχε γράψει ο Μπόμπι στον Ρόμπερτ όταν ήταν 27 ετών – «Πρέπει να φροντίσουμε να δημιουργήσουμε τον μύθο μας πριν πεθάνουμε» – έμελλε να σκεπαστεί από τη σκόνη της λήθης. Ο Ρόμπερτ Κολκούν πέθανε διαλυμένος το 1962, σε ηλικία μόλις 47 ετών. Ο Μπόμπι ΜακΜπράιντ, ανίκανος να αντέξει την απώλεια του άλλου του μισού, τον ακολούθησε τέσσερα χρόνια αργότερα, το 1966, στα 52 του χρόνια.

Σήμερα, δεκαετίες μετά τον θάνατό τους, επιχειρείται η αποκατάσταση της πραγματικότητας με απόλυτη ειλικρίνεια όσον αφορά τη ζωή και το έργο τους. Γιατί όπως τονίζεται, όταν οι ζωές των ανθρώπων υποτιμώνται ή αποσιωπώνται από την ιστορία, η μυθοπλασία και η τέχνη μετατρέπονται σε ηθική επιταγή. Η αναγέννηση των 'Δύο Ρόμπερτ' είναι μια υπενθύμιση ότι, ακόμη και όταν ο κόσμος γύρω μας καταρρέει, η πράξη του να ανάβεις ένα κερί στο σκοτάδι και να πιάνεις το πινέλο ή την πένα είναι η απόλυτη πράξη αντίστασης και αθανασίας. ✍© Κ. Λ.


 

Nota bene

 

Η επιρροή των «Δύο Ρόμπερτ» στον Φράνσις Μπέικον

Ο Φράνσις Μπέικον (Francis Bacon) υπήρξε ένας από τους πιο διακριτούς και προκλητικούς ζωγράφους του 20ού αιώνα. Ωστόσο, η δική του ιδιοφυΐα δεν γεννήθηκε στο κενό. Κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1940, όταν ο Μπέικον προσπαθούσε ακόμα να βρει την προσωπική του εικαστική ταυτότητα, ο Ρόμπερτ Κολκούν και ο Μπόμπι ΜακΜπράιντ ήταν ήδη οι απόλυτοι κυρίαρχοι και τα «είδωλα» της καλλιτεχνικής σκηνής του Λονδίνου.

Η πιο τρανταχτή απόδειξη της επιρροής τους είναι η ίδια η παραδοχή του Μπέικον. Σύμφωνα με μαρτυρίες ανθρώπων που έζησαν τα γεγονότα και σύχναζαν στα κακόφημα μπαρ του Σόχο, ο Μπέικον είχε δηλώσει χαρακτηριστικά:
«Ό,τι έμαθα για το σχέδιο, το έμαθα από τον Ρόμπερτ Κολκούν».

 Η δήλωση αυτή έχει τεράστια βαρύτητα. Ο Κολκούν διέθετε μια σπάνια, σχολαστική σχεδιαστική δεινότητα, την οποία είχε αναπτύξει από την παιδική του ηλικία. Η ικανότητά του να παραμορφώνει την ανθρώπινη φιγούρα, διατηρώντας όμως μια αυστηρή, σχεδόν γεωμετρική δομή, γοήτευσε τον Μπέικον.

Αν παρατηρήσει κανείς τα έργα των δύο καλλιτεχνών, η συγγένεια είναι εμφανής:
-Τα «Προσωπεία» του Κολκούν: Ο Κολκούν ζωγράφιζε πορτρέτα με πρόσωπα που έμοιαζαν με άκαμπτες, τραγικές μάσκες, παραμορφωμένες από το πένθος και την υπαρξιακή αγωνία.
-Η Κραυγή του Μπέικον: Αυτή ακριβώς η παραμόρφωση της ανθρώπινης σάρκας έγινε αργότερα το σήμα κατατεθέν του Μπέικον στους διάσημους πίνακές του με τους «Κραυγάζοντες Πάπες» και τα ακρωτηριασμένα σώματα.

Η σχέση τους δεν ήταν μόνο καλλιτεχνική αλλά και βαθιά κοινωνική. Ήταν όλοι θαμώνες του θρυλικού The Colony Room Club στο Σόχο, ενός καταφυγίου για την κουίρ κοινότητα της εποχής. Ο Μπέικον, ο Κολκούν και ο ΜακΜπράιντ μοιράζονταν το ίδιο πάθος για το αλκοόλ, τον κίνδυνο και την ακραία ζωή. Την ίδια ακριβώς περίοδο, το δίδυμο αναγνωριζόταν ως η «αιχμή του δόρατος» της νέας βρετανικής πρωτοπορίας. ✍© Κ. Λ.

 

επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton

 

 

Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων) 

 

4.8.26

signa temporum, ars temporis _ ο δρόμος του προσκυνητή

 

 


 



 

 

Σημείωμα του καλλιτέχνη:

 

  Πώς γίνεται εγώ, αυτό που είμαι εγώ,

να μην υπάρχω πριν να υπάρξω,

και κάποτε εγώ, αυτό που είμαι εγώ,

αυτό που ήμουν να μην είμαι πια;
 

   — Πίτερ Χάντκε από το «Τραγούδι της παιδικής ηλικίας»


Η ενότητα φωτογραφιών «Ο δρόμος του προσκυνητή» γεννήθηκε μέσα από μια εσωτερική, σχεδόν υπαρξιακή ανάγκη επιστροφής. Αποτελεί το απόσταγμα μιας μακράς, βιωματικής προσκυνηματικής πορείας σε αναζήτηση μνημείων – όχι εκείνων των επιβλητικών τοπόσημων που διεκδικούν την αιωνιότητα, αλλά των ταπεινών, καθημερινών ιχνών ενός παρελθόντος που χάνεται αθόρυβα. Για μένα, αυτή η περιπλάνηση λειτούργησε ως ένα πνευματικό προσκύνημα σε αμυδρές μνήμες που επιζούν ακόμα, μια απόπειρα να συνομιλήσω με την αύρα πραγμάτων και τοπίων που ο χρόνος απειλεί να παραδώσει στη λήθη.  Στο επίκεντρο αυτής της αναζήτησης βρίσκονται στοιχεία που η βιασύνη του σύγχρονου βλέμματος προσπερνά: σκουριασμένα μέταλλα που στέκονται γυμνά απέναντι στον καιρό, χωματόδρομοι που μοιάζουν να οδηγούν στο απροσδιόριστο, και τα φθαρμένα εξωτερικά απέριττων κτισμάτων που στέκουν ως σιωπηλοί μάρτυρες μιας άλλης εποχής. Οι έγχρωμες φωτογραφίες της σειράς αποτυπώνουν αυτή την πραγματικότητα με μια παραπλανητική τυπική απλότητα. 

Ο προσκυνητής, σε αυτή την περίπτωση, δεν είναι ο θρησκευόμενος που κατευθύνεται προς έναν προκαθορισμένο ιερό προορισμό, αλλά ο περιπλανώμενος που αναγνωρίζει την ιερότητα μέσα στη φθορά. Κάθε κλικ δεν αποτελεί μια απλή αποτύπωση, αλλά το αποτέλεσμα μιας παρατεταμένης παρατήρησης, μια προσπάθεια να κατανοήσω πώς η μνήμη ριζώνει στα αντικείμενα. Δεν πρόκειται για νοσταλγία, αλλά για μια προσπάθεια να συλληφθεί η στιγμή εκείνη όπου η ύλη αρχίζει να ξεχνάει τη χρήση για την οποία κατασκευάστηκε και να αποκτά αυτονομία.
 Τα θέματα, απογυμνωμένα πλέον από την αρχική χρηστική τους λειτουργία, αποκτούν μια διαχρονική αξία στο έργο μου, μεταμορφούμενα σε ιδιότυπα μνημεία της ανθρώπινης εμπειρίας.  Αντικρίζοντας κανείς το σύνολο των φωτογραφιών, γίνεται σαφές πως δεν πρόκειται για μια απλή, μουσειακή καταγραφή των εξελισσόμενων ταυτοτήτων των κτιρίων και των τοποθεσιών προϊόντος του χρόνου. Το φωτογραφικό μέσο, με την ιδιότητά του να παγώνει τη ροή, λειτουργεί εδώ ως αντιστάθμισμα στην αναπόφευκτη ροπή της ύλης προς τη φθορά. Κάθε κάδρο είναι μια μικρή άρνηση του χρόνου, μια απόπειρα να κρατηθεί η ισορροπία ανάμεσα σε αυτό που ήταν και σε αυτό που γίνεται.
 Είναι μια οπτική σπουδή πάνω στη ροή της ύπαρξης, όπου το σταθερό συναντά το εφήμερο και η φθορά μετατρέπεται σε μια ανώτερη μορφή ομορφιάς. Καθώς ο θεατής βαδίζει στον «Δρόμο του προσκυνητή», έρχεται αντιμέτωπος με το δικό του εσωτερικό τοπίο. Kαλείται να αναγνωρίσει τη δική του παροδικότητα και τις δικές του λανθάνουσες αναμνήσεις μέσα στην ακινησία του τοπίου. Η σειρά αυτή είναι μια πρόσκληση σε έναν σιωπηλό διάλογο με το χθες, μια φιλοσοφική θεώρηση της απώλειας και της διατήρησης, μια πρόσκληση σε μια σιωπηλή συνομιλία με το παρελθόν, μια αναγνώριση ότι ακόμα και στα πιο ασήμαντα σημάδια της φθοράς κρύβεται μια βαθιά, παγκόσμια αλήθεια για την ύπαρξή μας.
Και μέσα από αυτή τη σιωπηλή μαρτυρία, το έργο καλεί τον θεατή να αναρωτηθεί για τη δική του σχέση με τους τόπους που περνάει, για τα σημάδια που αφήνει και για εκείνα που θα αφήσει πίσω του όταν ο δικός του δρόμος στρίψει αλλού.

Χρησιμοποίησα Polaroid επειδή το συγκεκριμένο μέσο, με το τεχνοτροπικό του ιδίωμα, τροφοδοτεί το εφήμερο στοιχείο των θεμάτων μου. Οι δε αναγραφόμενες διευθύνσεις δεν αντιστοιχούν σε πραγματικές τοποθεσίες, παρά μόνο λειτουργούν σαν οπτικοί γρίφοι σε ένα δημιουργικό — και ως εκ τούτου υπαρξιακό — huis-clos. Έχουν αποκλειστικά προσωπικό νόημα ως αποτυπώματα μιας πορείας, ως μια μορφή χαρτογράφησης του εαυτού, ένας ηθελημένος ασκητισμός, ο τόπος μιας εσωτερικής γοητείας που δεν ξεπερνά ποτέ τα όρια του πλαισίου — εκείνου που περικλείει συχνά τις φωτογραφίες μου. ✍Κ. Λ.

 

 

 

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

 

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

 

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

 

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

 

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

📸© Κ.Λ.
all rights reserved
(Polaroid enhanced)

 

επιμέλεια-κείμενο-εικόνες: Κάππα Λάμδα
© periopton 

 

 

Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευματικής Ιδιοκτησίας 
η καθ' οιονδήποτε τρόπο αναδημοσίευση, χρήση ή ιδιοποίηση 
των εικόνων (αυτούσιων ή τροποποιημένων), 
καθώς και η χρήση της βασικής σύλληψης του έργου, 
των προτεινόμενων εικαστικών λύσεων, 
αλλά και των επιμέρους (σε χώρο και έννοια) ιδεών.


 

Pursuant to copyright law, any republication, use, or appropriation of the images (whether unaltered or modified) is strictly prohibited. 
This restriction also applies to the use of the work's core concept, the proposed visual solutions, and any individual spatial or conceptual ideas.

 

 

28.7.26

ο Πίτερ ντε Χόοχ και η αρχιτεκτονική ως χάρτης του ασυνειδήτου

5' διάβασμα

 



η απλοποιημένη εκδοχή ενός εκτενέστερου άρθρου που πραγματεύεται τη λακανική διάσταση του πόθου ως «πάντοτε αλλού»

 

 


Πίτερ ντε Χόοχ, «Η Λινοθήκη»
ή «Η καλή νοικοκυρά», 1663
© Rijksmuseum, Amsterdam

Η γεωμετρία της καθημερινότητας αποτελεί το πραγματικό πεδίο έκφρασης για τον Πίτερ ντε Χόοχ. Αν και μοιράστηκε το ίδιο γεωγραφικό και θεματικό υπόβαθρο με τον Γιοχάνες Βερμέερ στο Ντελφτ, ο ντε Χόοχ στρέφει το βλέμμα του σε μια διαφορετική, πιο γήινη αλλά και εσωτερική διάσταση της ανθρώπινης ύπαρξης. Το έργο του «Η Λινοθήκη», γνωστό ευρύτερα και ως «Η Καλή Νοικοκυρά» (1663), εκ πρώτης όψεως δεν υπόσχεται κανένα μεγαλειώδες πνευματικό δράμα ούτε κάποια υπερβατική θρησκευτική αποκάλυψη. Αντιθέτως, η αρχική γοητεία του κρύβεται στην ίδια την κοινοτοπία της στιγμής, η οποία όμως μεταμορφώνεται από τον καλλιτέχνη σε ένα ιδιότυπο, πολυεπίπεδο παζλ γεμάτο κρυφούς συμβολισμούς. Τοποθετώντας τις δύο γυναίκες στο επίκεντρο μιας φαινομενικά απλής και μονότονης οικιακής εργασίας, ο ζωγράφος δομεί έναν ολόκληρο μικρόκοσμο γύρω από τις έννοιες της τάξης, της καθαριότητας και της οργάνωσης. Τα σεντόνια είναι διπλωμένα με απόλυτη, σχεδόν μαθηματική ακρίβεια, αντανακλώντας τις αυστηρές ηθικές και κοινωνικές αξίες της ολλανδικής αστικής τάξης της εποχής. 

Το έργο του «Η Λινοθήκη», γνωστό και ως «Η Καλή Νοικοκυρά» (1663), μοιάζει με την πλέον αθώα πραγμάτωση αυτής της αρετής: δύο γυναίκες, μια στοίβα λινών, ένα δωμάτιο νοικοκυρεμένο. Ο τίτλος υπόσχεται ένα ηθικό δίδαγμα για την τάξη και τη φρόνηση, όπως αρμόζει σε μια καλβινιστική κοινωνία που έβλεπε στη νοικοκυροσύνη ένα είδος κοσμικής ευσέβειας. Κι όμως, όσο περισσότερο κοιτάζει κανείς τον πίνακα, τόσο περισσότερο υποψιάζεται πως ο τίτλος είναι πρόσχημα — ίσως και ειρωνεία. Γιατί ο ντε Χόοχ δεν ζωγράφισε ένα δωμάτιο· ζωγράφισε ένα σχέδιο διαφυγής.
Αυτή η εσωτερική τάση για φυγή και απεγκλωβισμό αποτυπώνεται αριστουργηματικά στην ίδια την αρχιτεκτονική δομή του πίνακα. Ο τοίχος που πλαισιώνει και περιορίζει τις γυναικείες φιγούρες δεν είναι τοίχος με τη συνηθισμένη σημασία της λέξης.. Είναι ένα διάτρητο όριο, που «σπάει» σε τρία σημεία, δημιουργώντας μια αίσθηση βάθους που προσκαλεί το βλέμμα και τη σκέψη να δραπετεύσουν από τα στενά, πνιγηρά όρια του δωματίου. — μια σκάλα που ελίσσεται προς τα πάνω και χάνεται στο σκοτάδι, υποδηλώνοντας την ύπαρξη ενός ιδιωτικού, απρόσιτου χώρου, ενός εσωτερικού ψυχικού καταφυγίου όπου οι κοινωνικοί ρόλοι παύουν να υφίστανται. Στο κέντρο και στα αριστερά, μια πόρτα και ένα παράθυρο ανοίγουν προς το voorhuis, τον προθάλαμο του σπιτιού. Μέσα από αυτόν τον ενδιάμεσο, μεταβατικό χώρο, το φως του ήλιου εισβάλλει ορμητικά, αποκαλύπτοντας μια φέτα του εξωτερικού κόσμου: τα κλαδιά ενός δέντρου, τη γραμμή ενός ελεύθερου καναλιού και την πρόσοψη ενός γειτονικού κτιρίου. Αν διαβάσει κανείς τον πίνακα με ψυχαναλυτικό βλέμμα, οι τρεις αυτές ρωγμές είναι κάτι περισσότερο από αρχιτεκτονικές λεπτομέρειες: είναι τα σημεία απ' όπου διαρρέει το απωθημένο. Το δωμάτιο του ντε Χόοχ λειτουργεί σαν ψυχή που πάσχει από ευπρέπεια — καθαρή στην επιφάνεια, αλλά πλήρης υπογείων, καταπακτών και ημίκλειστων φεγγιτών από όπου το ανομολόγητο ανασαίνει.

Συνεπώς, η σταθερότητα και η ηρεμία αυτού του εσωτερικού χώρου είναι βαθιά απατηλές. Πίσω από την επιφάνεια της οικογενειακής θαλπωρής αναδύεται μια άλλη, πιο ανησυχητική διάσταση: η λανθάνουσα επιθυμία για απόδραση από το καθημερινό και ο αγώνας για απεγκλωβισμό από πνευματικές και ψυχολογικές παγίδες, μια ερμηνευτική υπόθεση που έρχεται σε ριζική αντιδιαστολή με τον εξιδανικευμένο τίτλο της «Καλής Νοικοκυράς». Ο τίτλος «Η Καλή Νοικοκυρά» λειτουργεί ως μια κοινωνική επιταγή, ένας έπαινος της εγχώριας αρετής και της υποταγής της γυναίκας στον προκαθορισμένο μικρόκοσμο του σπιτιού. Η διαχείριση της λινοθήκης ήταν, άλλωστε, το απόλυτο σύμβολο της οικιακής εξουσίας και της κοινωνικής καταξίωσης στην ολλανδική κοινωνία του 17ου αιώνα. 

Όμως, αν κοιτάξουμε πέρα από την προφανή ηθογραφία, η υπερβολική, σχεδόν εμμονική έμφαση στη γεωμετρική οργάνωση του χώρου —τα τέλεια ευθυγραμμισμένα πλακάκια του δαπέδου, η αυστηρή διάταξη των τούβλων και τα σχολαστικά τακτοποιημένα υφάσματα— δεν μαρτυρά απαραίτητα εσωτερική γαλήνη. Αντίθετα, αυτή η ακραία δομή μπορεί να ερμηνευτεί ως ένας ψυχολογικός αμυντικός μηχανισμός απέναντι σε ένα εσωτερικό χάος ή μια υπαρξιακή ασφυξία. Η εμμονή με την καθαριότητα και την τάξη συχνά αποτελεί την ασυνείδητη απάντηση του ανθρώπου που νιώθει παγιδευμένος σε έναν ρόλο που τον περιορίζει ασφυκτικά. Η λινοθήκη, από σύμβολο νοικοκυροσύνης, μετατρέπεται σε μια πνευματική και ψυχολογική παγίδα, όπου η επανάληψη των ίδιων μηχανικών κινήσεων χρησιμεύει για να κρατήσει σε καταστολή τις βαθύτερες επιθυμίες για ελευθερία και αυτοπροσδιορισμό. Η «Καλή Νοικοκυρά» βρίσκεται εγκλωβισμένη μέσα στην ίδια της την τελειότητα, φυλακισμένη σε έναν κόσμο από καθαρά σεντόνια και γυαλισμένα πατώματα.  

Αυτή η διαδοχή ανοιγμάτων λειτουργεί σαν ένας οπτικός και ψυχολογικός ρυθμός. Το εσωτερικό και το εξωτερικό, το ηθικό καθήκον και η ιδιωτική επιθυμία για φυγή, συνυπάρχουν σε μια οριακή ισορροπία. Τα ανοίγματα αυτά δεν είναι απλώς πηγές φωτός, αλλά μεταφορικές πύλες εξόδου από τις νοητικές παγίδες της καθημερινής ρουτίνας. Η σύνθεση του ντε Χόοχ λειτουργεί ως ένας εξελιγμένος μηχανισμός διαρκούς ανακατεύθυνσης της προσοχής μας, απομακρύνοντάς μας από το υποτιθέμενο θέμα. Παραδόξως, τα πιο φωτεινά, ζωντανά και ελκυστικά στοιχεία του πίνακα —το καθαρό γαλάζιο του ουρανού και οι ζεστές κόκκινες αποχρώσεις του απέναντι σπιτιού— βρίσκονται τοποθετημένα στο πιο απομακρυσμένο σημείο του ορίζοντα, έξω από το σπίτι. Με αυτόν τον έξυπνο τρόπο, ο ζωγράφος μάς αναγκάζει να κοιτάξουμε πέρα από το προφανές, να αναζητήσουμε το νόημα στη μακρινή λεπτομέρεια και να αναγνωρίσουμε ότι η αληθινή πραγματικότητα και η ζωτικότητα δεν περιορίζονται σε αυτό που βρίσκεται άμεσα μπροστά μας, μέσα στους τέσσερις τοίχους της οικιακής απομόνωσης. Η επιθυμία απόδρασης προβάλλεται πάνω σε αυτόν ακριβώς τον φωτεινό ορίζοντα. Η γυναίκα που παρουσιάζεται ως η «Καλή Νοικοκυρά» μπορεί να κοιτάζει τα ασπρόρουχα, αλλά η ψυχή της σύνθεσης στρέφεται προς το φως του δρόμου, εκεί όπου η ζωή συνεχίζεται αδέσμευτη από τα δεσμά των καθημερινών υποχρεώσεων και των ψυχολογικών καταναγκασμών.

Την ίδια στιγμή, αυτή η απόλυτη και καταπιεστική γεωμετρική τάξη απειλείται διακριτικά από μια φιγούρα που στέκεται μισοκρυμμένη στη σκιά. Ένα μικρό παιδί, τοποθετημένο ακριβώς στο κατώφλι μεταξύ του ορατού εσωτερικού και του αόρατου εξωτερικού κόσμου, κρατά ένα μπαστούνι του kolf* έτοιμο να χτυπήσει μια μικρή μπάλα. Η παιδική αυτή κίνηση εισάγει στο έργο το στοιχείο του απρόβλεπτου, της τύχης και της ανατροπής. Η μπάλα φαίνεται έτοιμη να κυλήσει έξω από τα καθορισμένα όρια του καμβά και να εισβάλει στον δικό μας χώρο, σπάζοντας την ψευδαίσθηση της παγωμένης και ελεγχόμενης στιγμής. Αυτή η αντίθεση αποτελεί και τον βαθύτερο ψυχολογικό πυρήνα του έργου. Από τη μία πλευρά, κυριαρχεί η απόλυτη ορθολογική οργάνωση του σπιτιού. Από την άλλη πλευρά, εμφανίζεται μια μικρή, ελεγχόμενη «αναρχία», προσωποποιημένη στην απρόβλεπτη τροχιά ενός παιχνιδιού. Το παιδί στο κατώφλι συμβολίζει το ασυνείδητο μέρος του ψυχισμού που αρνείται να συμμορφωθεί, την εσωτερική εκείνη φωνή που αναζητά το παιχνίδι και την ελευθερία, σπάζοντας τις πνευματικές παγίδες της ενήλικης σοβαρότητας και του καθήκοντος.

Συμπερασματικά, ο ντε Χόοχ στο έργο «Η Λινοθήκη» δεν ζωγραφίζει απλώς μια ειδυλλιακή καθημερινή σκηνή της ολλανδικής αστικής τάξης· παραδίδει ένα βαθύ μάθημα για τα όρια της ανθρώπινης ελευθερίας και της ορατότητας. Πολύ πριν από τον Μοντριάν και από τον Λακάν, μας υπενθυμίζει ότι το πλέγμα δεν είναι μόνο τάξη — είναι και τα κενά ανάμεσα στις γραμμές, όπου παρά τον εγκλωβισμό σε τακτοποιημένα κουτιά, καθαρές γραμμές και αυστηρούς ρόλους, πάντα θα υπάρχει μια χαραμάδα, ένα ανοιχτό κατώφλι, ένα κομμάτι κόκκινου τοίχου ή μια απρόσμενη κίνηση που θα μας υπενθυμίζει τη γοητεία του απρόβλεπτου και τη διαρκή ενόρμηση για φυγή. Η αντίθεση ανάμεσα στον τίτλο «Η Καλή Νοικοκυρά» και την εσωτερική δυναμική του πίνακα αποκαλύπτει τη διπλή φύση της ανθρώπινης εμπειρίας: την ανάγκη για δομή, αλλά και την εξίσου ισχυρή, αν όχι ισχυρότερη, ανάγκη για απόδραση από τις ψυχολογικές φυλακές της καθημερινότητας. Ο πίνακας παύει να είναι μια απλή απεικόνιση οικιακής εργασίας και μετατρέπεται σε έναν βουβό ύμνο για την ανάγκη του ανθρώπου να κοιτάζει πάντα πέρα από τους τοίχους που ο ίδιος, ή η κοινωνία, έχει ορθώσει γύρω του. ✍Κ. Λ.



* Το kolf είναι ένα παραδοσιακό παιχνίδι εσωτερικού χώρου με μπάλα που προέρχεται από την Ολλανδία

 

 

 επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton

 

«Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευματικής Ιδιοκτησίας 
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση 
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων) 
καθώς και η χρήση της βασικής σύλληψης του έργου 
όσο και των επιμέρους (σε χώρο και έννοια) ιδεών.»


14.7.26

η Disneyland χωρίς τα πλήθη

5' διάβασμα

 

 

 

 

βράχος στη Disneyland, Καλιφόρνια, 1962
© the estate of Diane Arbus

 

 

φωτογραφίες της Νταϊάν Άρμπους
και ένα κείμενο του Στιβ Μάρτιν



 Όταν ήμουν 17 ετών, δούλευα στο μαγαζί με μαγικά της Fantasyland ως μάγος, παρουσιάζοντας τράπουλες Σβενγκάλι, το παιχνίδι με τα κύπελλα και τις μπαλίτσες, και το «Απίστευτο» (δική τους λέξη) Ζάρι που Συρρικνώνεται. Μου άρεσε να δουλεύω μέχρι εξαντλήσεως και ήμουν περήφανος που έγινα ο νεότερος νυχτερινός υπεύθυνος του καταστήματος. Όταν το καλοκαιρινό ωράριο της Disneyland παρατάθηκε μέχρι τις 9 μ.μ. τις καθημερινές και μέχρι τα μεσάνυχτα τα Σαββατοκύριακα, ένιωθα σαν να ήμουν στον παράδεισο. Μπορούσα να βλέπω τα ραντεβού των ζευγαριών να εξελίσσονται, γεγονός που μου επέτρεπε να παρατηρώ και να αφομοιώνω τα εφηβικά ρομαντικά πρότυπα. Μια νύχτα, ωστόσο, μια τυχαία συνάντηση με μια διάσημη καλλιτέχνιδα έμελλε να με συγκινεί και μετά από 60 χρόνια, αποτυπώνοντας τη νοσταλγία μου για τη Disneyland σε δραματικό ασπρόμαυρο.
  Ένα καλοκαιρινό βράδυ του 1962: Τα πυροτεχνήματα είχαν τελειώσει, το πλήθος είχε αραιώσει και το κατάστημα άδειασε. Έκανα ταμείο, έσβησα τα φώτα και κλείδωσα πίσω μου τις, σκαλιστές στο χέρι, πόρτες των μάγων. 
  Η συνηθισμένη διαδρομή μου για την έξοδο ήταν μέσα από το κάστρο της Ωραίας Κοιμωμένης, περνώντας πάνω από την τάφρο μέσω μιας λειτουργικής κινητής γέφυρας. Εκείνο το βράδυ, όμως, ένας φύλακας με σταμάτησε. «Δεν μπορείς να πας από εκεί, πρέπει να βγεις από την πλαϊνή έξοδο». «Γιατί;» ρώτησα. Μου απάντησε πως: «Υπάρχει μια φωτογράφος που βγάζει φωτογραφίες». 
  Ακολούθησα υπάκουα τη διπλανή πλαϊνή διαδρομή (εκείνη την εποχή το φιλμ ήταν ακριβό, οπότε κανείς δεν έμπαινε μπροστά ούτε από την πιο πρόχειρη λήψη). Προσπέρασα τη φωτογράφο, μια γυναίκα. Θα ήθελα να πω ότι θυμάμαι την κάμερα, αν ήταν σε τρίποδο ή αν την κρατούσε, και τι φορούσε. Αλλά δεν μπορώ. Θα ήθελα να πω ότι ήμουν εκεί όταν ακούστηκε το κλικ της κάμερας καθώς περπατούσα, αλλά δεν μπορώ. Θα ήθελα να πω ότι σταμάτησα και πιάσαμε κουβέντα. Δεν το έκανα, αλλά μακάρι να το είχα κάνει. Επειδή η φωτογράφος ήταν η Νταϊάν Άρμπους. 


κάστρο στη Disneyland, Καλιφόρνια, 1962
© the estate of Diane Arbus

  Η Άρμπους, από τις πιο διάσημες φωτογράφους του 20ού αιώνα, είναι γνωστή για τις φωτογραφίες της με τους «περιθωριακούς της διπλανής πόρτας» — ανθρώπους του τσίρκου, πανομοιότυπα δίδυμα, εξωτικές χορεύτριες και αρσιβαρίστες, μεταξύ άλλων. (Είναι πρόχειρο να αποκαλεί κανείς τα υποκείμενά της «φρικιά», όπως έκαναν ορισμένοι παρατηρητές, ένας όρος που συκοφαντεί τόσο τους εικονιζόμενους όσο και τη φωτογράφο). Έβρισκε ανθρώπους για να φωτογραφίσει που ήταν οπτικά καθηλωτικοί και αξιοπρεπείς, και οι οποίοι μας παρέσυραν σε περιθωριακούς κόσμους για τους οποίους οι περισσότεροι από εμάς δεν γνωρίζουμε τίποτα. 
  Οι φωτογραφίες της χωρίς ανθρώπους ως θέματα είναι σπάνιες και προβάλλονται ακόμη πιο σπάνια. Υπάρχουν μόνο καμιά δεκαριά εικόνες χωρίς ανθρώπινη παρουσία, συμπεριλαμβανομένης μιας λακκούβας με νερό σε ένα πεζοδρόμιο, ενός δολοφόνου με τσεκούρι σε μουσείο κέρινων ομοιωμάτων (αποκαλώ έναν κέρινο δολοφόνο μη-άνθρωπο), της πρόσοψης ενός κινηματογραφικού σκηνικού του Χόλιγουντ με σκαλωσιές που στηρίζουν τον σκελετό του, και του ανατριχιαστικού εσωτερικού ενός «τρένου του τρόμου» στο Κόνι Άιλαντ. 
  Μετά από ένα ταξίδι με λεωφορείο από το Μανχάταν στη Νότια Καλιφόρνια, αποφάσισε να φωτογραφίσει αυτό που η ίδια αποκαλούσε «ψευδοτόπους», μια εύστοχη περιγραφή για την έντονη, αχαλίνωτη φαντασία της Disneyland. 
Από το σημειωματάριό της εκείνης της περιόδου: «Έχω βρει τους πιο υπέροχους ψευδοτόπους την αυγή στην Disneyland, ερείπια ναών της Καμπότζης που δεν υπήρξαν ποτέ, ψεύτικες ερήμους γεμάτες με κόκαλα ζώων που δεν πέθαναν ποτέ, ένα βουνό σαν ιερό για άπιστους. Και μαύροι κύκνοι κολυμπούν στην τάφρο ενός κάστρου που μοιάζει με διαφήμιση για ένα όνειρο». 
  Η παρουσία των «επισκεπτών» της Disneyland στις φωτογραφίες, υποθέτω, θα τους έδινε ένα πλαίσιο αναμνηστικού που θα τις καθιστούσε αδιάφορες, γι' αυτό η Άρμπους κανόνισε να έχει πρόσβαση σε ώρες εκτός λειτουργίας, όταν το πάρκο θα ήταν άδειο. (Οι κανόνες του πάρκου ήταν πιο χαλαροί τότε. Θυμηθείτε, ξεκίνησα όταν ήμουν 10 ετών και πληρωνόμουν τα μεροκάματά μου — περίπου 1,50 δολάριο — σε μετρητά).
  Έστρεψε την κάμερά της στον «Βράχο της Νεκροκεφαλής», ένα όνομα που εξηγεί από μόνο του μια προεξοχή από γύψο, όπου το κρανίο ενός νεκρού πειρατή ξεπροβάλλει μέσα από την ηφαιστειακή αναταραχή (στη γωνία δίπλα στον Μίστερ Τοντ και ακριβώς πίσω από το πειρατικό καράβι Chicken of the Sea). Η φωτογραφία της Άρμπους μεταμορφώνει ένα ψεύτικο τρομακτικό μέρος σε ένα πραγματικά τρομακτικό μέρος: Η φωτογραφία αποτελεί υλικό για εφιάλτες τόσο για παιδιά όσο και για ενήλικες. Φωτογράφισε επίσης ένα ηλιοβασίλεμα με τεχνητούς βράχους, που έμοιαζαν με στρατό από καβούκια που ξεκουράζονταν πάνω σε μεταφορικά μέσα, περιμένοντας να μετακινηθούν στη θέση τους. Η εικόνα έχει τον επίσημο τίτλο 'Βράχοι σε ρόδες', Disneyland, Καλιφόρνια 1962. Είναι όμως αναμφίβολα λανθασμένα ονομασμένη: Το σκηνικό είναι ένα ορεινό ανάγλυφο, πιθανώς οι λόφοι του Άναχαϊμ, ενώ η περιοχή της Disneyland είναι επίπεδη σαν το Κάνσας. Οι βράχοι ταξίδευαν προς την Disneyland και δεν είχαν φτάσει ακόμα εκεί. 


βράχοι πάνω σε τροχούς, Disneyland, Καλιφόρνια, 1962
© the estate of Diane Arbus

  Η φωτογραφία αποπνέει μια σουρεαλιστική τάση αλά Νταλί — καθώς και μια δόση χιούμορ, αλλά μόνο για όσους το αναζητούν. Στη σειρά της Άρμπους για την Disneyland, το χιούμορ ήταν το τελευταίο πράγμα που είχε στο μυαλό της. Η αναπόφευκτη ειρωνεία που ενυπάρχει στην ανάδειξη ψεύτικων τόπων — μοτέλ που μοιάζουν με σκηνές ινδιάνων (τίπι) και γιγάντιοι δεινόσαυροι στην άκρη του δρόμου — απουσιάζει από αυτές τις ειλικρινά αποτυπωμένες φωτογραφίες. Η τελευταία της εικόνα από την Disneyland είναι το κάστρο της Ωραίας Κοιμωμένης, ο τέλειος «ψευδότοπος» και το δεύτερο σπίτι μου — εκεί όπου άκουγα το «Βαλς της Ωραίας Κοιμωμένης» του Τσαϊκόφσκι σε επανάληψη. Η επιβλητικότητα του κάστρου σε κάνει να πιστεύεις ότι είναι αληθινό, παρόλο που είναι μικρότερο από ό,τι θα έπρεπε, πιο όμορφο από ό,τι θα έπρεπε. (Αν γύριζες το κεφάλι σου στα δεξιά, μπορούσες να δεις ένα πυραυλοκίνητο σκάφος της TWA έτοιμο για εκτόξευση στο φεγγάρι). Η Άρμπους φωτογράφισε το κάστρο σαν να ήταν ένα απολαυστικό γλύκισμα — πιο κοντά σε αυτό που σήμαινε για εμάς τους ρομαντικούς της Disneyland, παρά για έναν ειρωνικό κάτοικο του Μανχάταν. Δεν υπάρχει καμία ένδειξη χλευασμού στη φωτογραφία, και αν υπάρχει, σίγουρα ο λαμπερός λευκός κύκνος που γλιστράει στα μαύρα νερά της τάφρου δεν το γνωρίζει. 
  Καθώς περνούσαν οι δεκαετίες, εξοικειώθηκα περισσότερο με το έργο της Άρμπους. Αλλά δεν γνώριζα την ύπαρξη της εικόνας του κάστρου μέχρι πολύ, πολύ αργότερα. Όταν τελικά είδα τη φωτογραφία του κάστρου, ήταν σαν να ξαφνιάζεσαι από μια φωτογραφία του κουτιού με τα παιχνίδια σου από όταν ήσουν 5 ετών. Μια ξαφνική επιστροφή στο παρελθόν, όχι μόνο λόγω οικειότητας, αλλά και λόγω μιας απτής ανάκλησης χρόνου και τόπου, με την κατάλληλη ατμόσφαιρα.  Για πρώτη φορά μετά από χρόνια, θυμήθηκα το περιστατικό με τη μυστηριώδη φωτογράφο. Η έρευνα έδειξε ότι οι ημερομηνίες συμφωνούσαν, οι ώρες συμφωνούσαν, η τοποθεσία συμφωνούσε: Η μοναχική φωτογράφος που προσπέρασα μετά το κλείσιμο ήταν αναμφίβολα η Ντιάν Άρμπους.
  Η νοσταλγία μου — ή μάλλον η μελαγχολία μου — για την Disneyland έχει εξασθενήσει, αλλά δεν έχει εξαφανιστεί. Έχει αντικατασταθεί από ένα σύνολο πιο πρόσφατων αναμνήσεων, της οικογένειας και της πατρότητας. Αλλά βλέποντας την εικόνα τώρα, σχεδόν 65 χρόνια μετά, μεταφέρομαι πίσω στο κάστρο χωρίς να έχει χάσει τίποτα από τη λάμψη του, λουσμένο στο φως των αστεριών, λουσμένο στο φως του κύκνου. Στο μυαλό της Άρμπους, είμαι σίγουρος ότι η φωτογραφία ήταν ελαφρώς παραμορφωμένη, αλλά για μένα είναι ακριβής, ξεκάθαρη και τόσο αληθινή, ακόμη κι αν είναι ψεύτικη.

 

 Ο Στιβ Μάρτιν είναι ηθοποιός, μουσικός και συγγραφέας.

 

πηγή: the Atlantic 

 

 

επιμέλεια-μετάφραση: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων) 

7.7.26

signa temporum, ars temporis _ ένα σημάδι ζωγραφισμένο σε ένα τζάμι

 

 

 



 
📸© Κ.Λ.
all rights reserved



[...] «Βάζω το ένα τζάμι πάνω στο άλλο, γιατί δεν μπορώ
να διορθώσω τίποτα

και κανείς δεν πρέπει να το προσέξει.

Ένα σημάδι ζωγραφισμένο σε ένα τζάμι

διορθώνει, χωρίς να το λερώνει

ένα σημάδι ζωγραφισμένο νωρίτερα
σε ένα άλλο τζάμι

Αλλά όλοι πρέπει να πιστεύουν

ότι αυτό δεν είναι το τέχνασμα 
ενός ατάλαντου καλλιτέχνη, ενός ανίκανου καλλιτέχνη

Καθόλου. Πρέπει να μοιάζει
σαν σίγουρη απόφαση

ατρόμητη, αγέρωχη 
σχεδόν αλαζονική

Κανείς δεν πρέπει να ξέρει ότι ένα σχέδιο
που πετυχαίνει κατά τύχη... είναι εύθραυστο

Ότι μόλις μια γραμμή εμφανιστεί
καλά φτιαγμένη, από ένα θαύμα...

...πρέπει να προστατεύεται,
να τη φροντίζεις, σαν κάτι ιερό.

Κανείς δεν πρέπει να συνειδητοποιήσει

ότι ο καλλιτέχνης είναι ένας φτωχός,
ηλίθιος που τρέμει, ένας υποδεέστερος

που ζει από τύχη,
μέσα στην ανυποληψία σαν παιδί...

ότι η ζωή του εξαντλείται σε μια παράδοξη
μελαγχολία

βουλιαγμένη από το αίσθημα 
κάτι παντοτινά χαμένου»

 

- από το 'Θεώρημα' του Πιερ Πάολο Παζολίνι

 

 

επιμέλεια-εικόνα: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)
της εικόνας συμπεριλαμβανομένης 

5.7.26

ο φωτογράφος και η μνήμη μιας Αμερικής που εξαφανίζεται

3' διάβασμα

 

 

 

 

Υπάρχει κάτι βαθιά μελαγχολικό, σχεδόν μυσταγωγικό, στον τρόπο με τον οποίο ο Τζιμ Βεστφάλεν πλησιάζει τα θέματά του. Δεν είναι απλώς φωτογράφος· είναι μαρτυρας μιας εξαφάνισης που συντελείται αργά, μέρα με τη μέρα, σε κάθε γωνιά της αμερικανικής υπαίθρου. Όποιος έχει ταξιδέψει στους επαρχιακούς δρόμους της χώρας, από την Ανατολική στη Δυτική ακτή, από τον αγροτικό Νότο έως τη φαινομενικά ατελείωτη περιοχή του Μιντγουέστ, θα έχει συναντήσει ερειπωμένες ξύλινες σιταποθήκες και σιλό, εγκαταλελειμμένες αγροικίες, ξεχασμένες εκκλησίες και σχολεία χτισμένα πριν από γενιές, παραδομένα σήμερα στη φθορά του χρόνου.
Ο Βεστφάλεν φαίνεται να έχει επιφορτιστεί με ένα σιωπηρό καθήκον: να διασώσει, μέσα από τον φακό του, τα ίχνη μιας παλιάς αγροτικής ζωής που σβήνει.


Surrendered 
Schuyler, New York
© Jim Westphalen

Η φωτογραφία, λένε, είναι η τέχνη της στιγμής. Για τον Βεστφάλεν, όμως, είναι πρωτίστως η τέχνη της αναμονής. Περιμένει το φως να πέσει με τη σωστή γωνία, τον ουρανό να σκοτεινιάσει με τη σωστή πυκνότητα, την εποχή να φορέσει το κατάλληλο χρώμα. Σχετικά αναφέρει πως:

«Περιμένω το κατάλληλο φως, τον κατάλληλο καιρό, την κατάλληλη εποχή, μερικές φορές περιμένω ακόμα και την άδεια να μπω σε ιδιωτική ιδιοκτησία για να φωτογραφίσω ένα κτίριο. Είναι σπάνιο να καταφέρνω να αποτυπώσω κάτι με την πρώτη φορά που το βλέπω έξω, στο φυσικό περιβάλλον. Πολλά πράγματα πρέπει να συμπέσουν για να πάρω τη τέλεια λήψη».

Χρησιμοποιεί μια μηχανή μεγάλου φορμά 4x5 (10x12,5εκ), πιστό εργαλείο για πάνω από σαράντα χρόνια, στην οποία έχει προσαρμόσει έναν ψηφιακό αισθητήρα, χωρίς να προδίδει τη φιλοσοφία της αργής, μεθοδικά προσχεδιασμένης φωτογραφίας. Παρομοιάζει ο ίδιος τη δουλειά του με ένα κράμα ιστορίας, ανθρωπολογίας και «κυνηγιού καταιγίδων» — μια τριάδα που αποκαλύπτει τόσο τη γεωγραφική εμβέλεια όσο και τη συναισθηματική βαθύτητα της αποστολής του.

 


1868 Schoolhouse  
New Haven Center, Vermont
© Jim Westphalen

Dakota Homestead #5 
Donnybrook, North Dakota
© Jim Westphalen

the clearing storm 
Orwell, Vermont
© Jim Westphalen

Τζιμ Βεστφάλεν

Ο Βεστφάλεν αντλεί έμπνευση από τους Άντριου Γουάιεθ και Έντουαρντ Χόπερ, δύο ζωγράφους που έδιναν στα κτίρια που απεικόνιζαν προσωπικότητα και χαρακτήρα, και τα μεταμορφώνουν σε φορείς μοναξιάς και μνήμης. Κάθε εγκαταλελειμμένο κτίριο, για τον Βεστφάλεν, είναι ένα παλίμψηστο. Στέκεται μπροστά σε σπασμένα παράθυρα, κοιτάζει μέσα από τις χαραμάδες στις πόρτες, φαντάζεται όσους έζησαν εκεί, όσους έχτισαν με τα ίδια τους τα χέρια αυτούς τους τοίχους. «Όταν το κτίριο χαθεί», λέει, «χάνονται και οι άνθρωποι που το δημιούργησαν. Αν δεν τα καταγράψω, είναι σαν να μην υπήρξαν ποτέ». Αυτή η φράση συμπυκνώνει την ηθική διάσταση της εργασίας του: μια πράξη διάσωσης όχι μόνο εικόνων, αλλά και βιωμάτων, χειρονομιών, καθημερινότητας που έχουν προ πολλού χαθεί.
Οι φωτογραφίες του, που φτάνουν σε διαστάσεις έως και δύο επί δύο μέτρα, τυπώνονται με χρωστικές αντί για μελάνια — μια επιλογή που δεν είναι μόνο τεχνική αλλά και δημιουργική. «Οι χρωστικές έχουν μεγαλύτερη σταθερότητα στον χρόνο», λέει ο ίδιος. «Επίσης προσθέτουν μια επιπλέον καθαρότητα, καθώς δεν διαχέονται και δεν απορροφώνται από το χαρτί». Μετά την εκτύπωση, εφαρμόζει ένα προστατευτικό, οπτικά διαφανές βερνίκι, το οποίο, όπως λέει, αφαιρεί κάθε «οπτικό εμπόδιο» και ενισχύει περαιτέρω τη ζωγραφική αίσθηση της εικόνας.



Langberg Country School 
Langberg, North Dakota
© Jim Westphalen

Dakota Prairie Church #3 
Williams County, North Dakota
© Jim Westphalen

Nieland Barn 
Sisseton, South Dakota
© Jim Westphalen

Prairie Sentinels 
Rapelje, Montana
© Jim Westphalen

Η πολιτεία του, το Βερμόντ, έχει πια σχεδόν εξαντληθεί για εκείνον. Ο φακός του ταξιδεύει προς την Ντακότα, τη Μοντάνα, το Άινταχο, και ετοιμάζεται τώρα να στραφεί προς τη νοτιοδυτική Αμερική, εκεί όπου τα κτίσματα από κόκκινη πέτρα και τούβλα διηγούνται μια εντελώς διαφορετική ιστορία. Στον Νότο, οι αποθήκες καπνού· στα Δυτικά και τα Μεσοδυτικά, οι επιβλητικοί σιταποθηκευτικοί πύργοι. Η αμερικανική ενδοχώρα αποκαλύπτεται μέσα από τη δουλειά του ως ένα μωσαϊκό τοπικών αρχιτεκτονικών ιδιωμάτων, το καθένα με το δικό του εικονογραφικό λεξιλόγιο.

Στην ψηφιακή εποχή της υπερβολικής επεξεργασίας, ο Βεστφάλεν διακρίνεται για την αυστηρή δεοντολογία του. Δεν παραποιεί· ενισχύει. Όπως ο Άνσελ Άνταμς σκούραινε ενίοτε έναν ουρανό για να τονίσει το δράμα του τοπίου, έτσι κι αυτός επιτρέπει στον εαυτό του διακριτικές παρεμβάσεις — ένα φως που φωτίζει καλύτερα, ένα πράσινο που ηρεμεί, μια σκιά που βαθαίνει. Χρησιμοποιεί την τεχνική της «συρραφής», ενώνοντας πολλαπλές λήψεις για να αποφύγει τη ναρκισσιστική παραμόρφωση των ευρυγώνιων φακών. Προτιμά τις μουντές παλέτες, τους συννεφιασμένους ουρανούς, γιατί εκεί, στη γκρίζα διάθεση του καιρού, αναδεικνύεται καλύτερα η ευθραυστότητα των κτισμάτων του.

 


Church of the Brethren 
Kremlin, Montana
© Jim Westphalen

Collins Schoolhouse #1 
Collins, Montana
© Jim Westphalen

Scandinavian Church #1 
Lignite, North Dakota
© Jim Westphalen

Μέσα από τον φωτογραφικό φακό του, ο Τζιμ Βεστφάλεν δεν καταγράφει απλώς εγκαταλειμμένα κτίρια. Καταγράφει ό,τι απομένει από ζωές, ιστορίες και ανθρώπινες παρουσίες που, χωρίς τη δική του επίμονη ματιά, θα εξαφανίζονταν χωρίς ίχνος.
Η δουλειά του Τζιμ Βεστφάλεν είναι εντέλει ένα αντίδοτο στη λήθη — μια ήσυχη επιμονή ότι όσα φεύγουν αξίζουν, τουλάχιστον, ένα δεύτερο βλέμμα.  ✍ Κ. Λ.

 

 

επιμέλεια-κείμενο: Κάππα Λάμδα
© periopton



Απαγορεύεται από το δίκαιο της Πνευμ. Ιδιοκτησίας
η καθ' οιονδήποτε τρόπο χρήση/αναπαραγωγή/ιδιοποίηση
του παρόντος άρθρου (ολόκληρου ή αποσπασμάτων)